El blog de las odiseas

Un musical que fa més gran Oscar Wilde i el teatre català

2011-12-03T22:11:00.001+01:00

Deia el Catedràtic de Literatura Espanyola de la Universitat de Barcelona, Jordi Gracia, que si encara es podia representar al teatre una obra de Shakespeare amb èxit de públic és que les humanitats no estan tan mortes. Però, és clar, un pensa que perquè un clàssic de la literatura universal arribi a tots els públics del segle XXI ha d'haver estat adaptada de forma intel·ligent, precisa, enginyosa. I això és el que ha fet la companyia EGOS Teatre amb l'obra El crim de Lord Arthur Savile, d'Oscar Wilde, que es representa a la Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya.

Estem davant d'un musical. Sobre l'escenari apareix un mag, Sèptimus, qui pronostica a Lord Arthur Savile que properament es casarà, però també li diu que tard o d'hora acabarà assassinant cruelment algú de la seva família. Lord Arthur, que s'estima profundament la seva promesa, vol avançar-se al seu destí cometent el crim abans de casar-se, ja que llavors, la seva xicota passarà a formar part de la seva família i, per tant, ella mateixa podria ser la víctima. Però al destí no se l'enganya tan fàcilment i Lord Arthur veurà com els seus intents es van frustrant mentre s'apropa el dia del casament.

EGOS Teatre (que s'ha encarregat de l'adaptació, la música i les lletres de les cançons, així com de la posada en escena) no només ha sabut mostrar l'essència i l'humor d'Oscar Wilde, sinó que, a més, ha dut a l'escenari una proposta actualitzada digna dels grans musicals, amb un llenguatge i uns recursos escènics que fan que aquesta obra sigui una de les imprescindibles d'aquesta temporada per a totes les edats. A El crim de Lord Arthur Savile tots els personatges són importants, fins i tot els músics que romanen en un segon pla i un dels encerts d'EGOS és precisament l'engranatge perfecte que creen entre música, intèrprets, text, actors i recursos escènics. Cadascuna d'aquestes parts reforça les altres. Això que pot semblar una obvietat no ho és tant quan un es troba amb certs musicals on hi ha més artificiositat que coherència, on es busca ser més efectista que efectiu.

El que fa la companyia amb el text de Wilde és un espectacle d'aquells que no s'obliden i que dignifica el gènere dels musicals. És brillant fins al més mínim detall. I que tot això surti d'un grup de joves de la pedrera de l'Institut del Teatre de Barcelona que es van unir fa només sis anys, és digne de treure's el barret. Per obres com aquesta el teatre català pot anar pel món amb el cap ben alt.

‘Puedo explicarlo todo’, Xavier Velasco

2011-12-02T03:29:00.002+01:00

Puedo explicarlo todo
Xavier Velasco
Editorial Alfaguara
1ª edición, octubre de 2011
744 páginas
ISBN 9788420408477

Les voy a hablar de un tipo excéntrico a más no poder. Se llama Isaías Balboa y escribe libros de autoayuda cuyos ejemplares jamás consigue vender. Dinero parece que le sobra, puesto que se montó una imprenta con la que mantiene su negocio de impresión de facturas falsas para quien lo necesite. Pero ese imperio editorial que él cree controlar no se sustenta con las ventas de sus obras (él se las publica), sino con las ínfulas de grandeza que lo elevan al olimpo de los se creen postulados al Premio Nobel de Literatura. Lo más raro, no obstante, es que el tipo busca inspiración en la derrota y en la desesperación de la gente y qué mejor lugar para ello que los velatorios. Oye, y si se tiene que llevar a la cama a alguna viuda para darle consuelo (además del pésame y una copia de su último libro), ni lo duda: el negocio es el negocio.

Pero este tipo malcarado, egocéntrico, buitre y fantasmón no es el conductor de esta historia mexicana de amores y desamores, de promesas y de traiciones, de víctimas y de asesinos, de gurús y de ingenuos. Aquí el que lleva la voz cantante (por así decirlo, porque ni él mismo sabe lo qué quiere) es Joaquín: el discípulo de don Isaías Balboa (su negro, en realidad), el más digno sucesor de su ideología y el que más dispuesto está a traicionarlo. También es el hijo de una mujer desquiciada y violenta, víctima de los deslices del gañán de su marido, Manolo, quien no duda en cepillarse a su vecinita mientras el marido de ésta le va montando un fraudulento negocio para que el adúltero se enriquezca. Joaquín va a tener que lidiar con los fantasmas de su pasado para seguir adelante y, de paso, conquistar el amor de dos mujeres que tampoco parecen saber cuál es su senda en la vida.

Todo este catálogo de personajes desorientados son solamente una parte de los muchos que van apareciendo en Puedo explicarlo todo, la nueva novela del mexicano Xavier Velasco. Se trata de una divertida sucesión de disparates, pero vertidos con suma inteligencia y escritos con precisión. También es una novela rotunda, con diálogos desesperados e incluso crueles (aquella desesperación y crueldad que se filtran en la sangre cuando a uno ya no le queda más remedio). Dicho de otro modo: estamos ante una tragicomedia mexicana de amor y sobre la búsqueda del sentido. Una tragicomedia, por cierto, que podría adaptarse a cualquier escenario donde las grandes crisis (económicas o existenciales) hacen que las personas queden arrinconadas de la sociedad.

Puedo explicarlo todo está hábilmente estructurada para que el lector tenga que seguir leyendo. Xavier Velasco huye del relato lineal y va haciendo saltos temporales mientras nos va presentando (con gran dominio del ritmo narrativo) los diversas situaciones que, poco a poco, reconstruyen el tortuoso pasado de los personajes y su incierto presente. De esa manera, el autor consigue que sintamos cierta complicidad por cada uno de los personajes, incluyendo los malísimos, y al final de la lectura nos quede la sensación de que la cosa podría haberse aguantado con cien páginas menos, pero nadie le hubiese echado en cara cien páginas más. ¿Qué se podía esperar de Xavier Velasco, un hombre que hizo un curso de ventrílocuo para cederle la palabra a un títere reconvertido en crítico literario para que le presentase la novela? Pues un espectáculo tan ingenioso como el que nos encontramos en Puedo explicarlo todo.

Dos punkis, un Vespino i molt de Bitter Kas

2011-11-11T23:32:00.003+01:00

Haig de reconèixer que el panorama, a priori, no em pintava gaire clar: en una gasolinera, durant la nit de Nadal, coincideixen dos punkis als qui se’ls hi ha espatllat la moto (Javier Beltrán i Oriol Casals), una noia que acaba de fugir del sopar familiar (Muguet Franc) i el dependent (Xavi Francès), un home una mica frustrat que no té res més important a la seva vida que fe bé la seva feina. Aparentment entre ells no hi ha res que els uneixi, però a mesura que passen els minuts, no gaires, ens adonem que tots tenen la necessitat de fugir i que la benzinera podria ser la sala d’espera d’un hospital, una estació de tren, l’aeroport o qualsevol restaurant. És a dir, la benzinera és el punt, fred i allunyat de tot en aquest cas, on quatre vides amb inquietuds ben diferents es troben. Arriben desorientats i sense saber-ho, poc a poc i a glop de Bitter Kas (amb alguna cosa han de treure la set), van descobrint allò que necessiten.

I si dic que la cosa no em pintava gaire clara és perquè davant de personatges com aquests, un tem que la directora (Marilia Samper) s’hagués conformat amb tirar d’estereotips. Almenys, sembla difícil resistir-s’hi. Però ben aviat es pot veure que el que interessava als autors d’aquesta obra (la pròpia Samper i Llàtzer Garcia) no era fer una paròdia sobre les aparences, sinó reflexionar sobre els conflictes interns de cadascun dels personatges i, en aquest sentit, la direcció manté fidel la idea del text. Aquest encert el podem sumar a uns papers ben caracteritzat i a unes interpretacions que en cap moment es deixen menjar pels seus personatges: per exemple, els punkis es comporten com a punkis, però poc a poc van deixant entreveure les seves individualitats i els seus maldecaps i allò que al principi era simple caracterització social passa a convertir-se en una mena de necessitada reivindicació del jo.

L’obra, que es pot veure al Teatre Gaudí Barcelona (TGB) fins el 15 de gener, arriba de la Nau Ivanow amb l’aval del Premi al millor projecte d’escenificació de l’Institut del Teatre 2010. La jove companyia La Brava va néixer després de què els actors Casals, Beltrán i Franc coincidissin amb Samper en l’equip d’Els nois d’història, l’obra d’Alan Bennet dirigida per Josep Maria Pou amb la que el Teatre Goya va reobrir les seves portes. Un projecte comú de baix pressupost que es consolida en la primera actuació de Dos punkis i un Vespino al TGB sota l’atenta mirada, en primera fila, del propi Pou: el seu somriure devia indicar que els seus nois han picat pedra i han trobat or. Esperem que amb propostes tan engrescadores, valentes i encertades com aquesta, la companyia La Brava faci que aquest or segueixi brillant en el futur.

‘Mein Kampf: Historia de un libro’, Antoine Vitkine

2011-11-10T01:23:00.001+01:00

“Mein Kampf”: Historia de un libro
Antoine Vitkine
Editorial Anagrama
1ª edición, marzo de 2011
Trad. de Marco Aurelio Galmarini
266 páginas
ISBN 9788433925930

Cuando uno ha leído unos cuantos libros de diversos autores judíos que sufrieron el Holocausto, se da cuenta de que hay un par de preguntas que tienden a repetirse y que rara vez vienen acompañadas de respuesta: una apunta a cómo fue posible que el avanzado pueblo alemán tolerara el nazismo y se implicara en él, sobre todo a sabiendas de que en pleno siglo XX las situaciones de esclavitud estaban ya liquidadas; la otra se cuestionaba por qué el resto de potencias mundiales no hizo más para acabar con Hitler antes. Evidentemente, no son preguntas que deban responderse a la ligera, básicamente porque quienes se las planteaban en realidad querían saber por qué el ser humano, el poderoso y el humilde, no se dio cuenta del grado de perversión y odio que estaban alimentando, ya fuese bajo una actitud activa (jaleando el nazismo) o pasiva (echando la mirada a un lado).

El periodista francés Antoine Vitkine no pretende resolver estas dudas (¿acaso alguien puede hacerlo de forma definitiva?), pero con su análisis del Mein Kampf, el libro que escribió Hitler en 1924, Vitkine expone de forma pormenorizada cómo se gestó el nazismo y qué contenía el discurso del führer para que la población alemana, acechada por la crisis económica y la falta de esperanzas, convirtiera su rabia, su descontento y su desesperación en un voto para el partido nazi. Cada uno de los alemanes que apoyaron a Hitler, burgueses o trabajadores, tenían un motivo para hacerlo. Y ese despliegue de motivos estaban condensados en uno de los grandes best sellers de los años 30 y 40 en Alemania: el Mein Kampf (“Mi lucha”) de Hitler.

Vean los datos: en 1925, el libro vende 9.473 ejemplares; sólo en 1929, son 36.000 las ventas, entre primer y segundo volumen; un año después, son 54.000 alemanes los que lo compran; en el mismo año 1930, dado el éxito, el editor publica una edición popular de bolsillo que, en dos años, vende 230.000 ejemplares. Es decir, cientos de miles de libros vendidos a un pueblo alemán necesitado de alicientes. El Mein Kampf, ‹‹la biblia nazi››, ya era un éxito absoluto en 1932, un año antes de que Hitler asumiera el gobierno de Alemania. Al final del Tercer Reich, las ventas ascendían a 12.450.000 ejemplares. Como apunta Vitkine, en 1947 las arcas de Hitler iban colmadas de decenas de millones de euros actuales gracias a su libro. No es de extrañar que ante estos resultados, Hitler dijera: “Si en 1924 hubiera podido adivinar que un día me convertiría en canciller, jamás habría escrito Mein Kampf“. Pero lo cierto es que si jamás lo hubiese escrito, probablemente, nunca hubiese pasado de ser el líder de un partido minoritario con ínfulas de grandeza. Aunque quizá sería más acertado decir que nunca lo hubiese conseguido si antes no hubiese sido encarcelado por intentar dar un golpe de Estado: fue en prisión donde escribió su libro y donde comenzó a alimentar el discurso que lo acabaría llevando al poder.

El trabajo de Vitkine no se limita a estudiar en qué circunstancias Hitler escribió su libro, sino qué motivó su éxito. Entre las razones que expone, cabría destacar el hecho de que fuese una obra que interesaba tanto a seguidores como a enemigos (también a simples curiosos). En la Francia de antes de la ocupación, por ejemplo, se recomendaba su lectura para que los franceses se dieran cuenta del gran peligro que tenían al otro lado de la frontera. La otra razón, esta más de peso, es que decenas de miles de personas se sentían en la obligación de conocer (o, al menos, de tener en casa) el libro de Hitler. La difusión del libro tuvo un impulso determinante cuando pasó a convertirse en regalo obligado (o casi obligado) en bodas, empresas y todo tipo de actos sociales. Según Vitkine, no era raro encontrar fotos de la época donde una pareja de recién casados salía de la iglesia con un ejemplar del Mein Kampf bajo el brazo.

Vitkine expone otros aspectos interesante, algunos de los cuales probablemente sean desconocidos para la mayoría de lectores. Entre ellos, el éxito que tiene el Mein Kampf en algunos países como Turquía o India, donde cada año se venden miles de ejemplares: las razones son varias, unos porque buscan ver confirmadas sus ideas antisemitas y otros porque apuestan por régimenes menos democráticos. Sorprendente es también que en Alemania vender o divulgar el Mein Kampf está prohibido, hasta el punto de que prohíben a los profesores de universidad fotocopiar y pasar a los alumnos el libro de Hitler, a pesar de ser por una cuestión puramente académica. El control de Alemania sobre el Mein Kampf hace incluso que esté prohibido colgar la portada en Internet (se considera apología del nazismo) y también que desde este país se intente que en el resto del mundo se prohíba su venta. Gracias a ello, siempre según Vitkine, la obra de Hitler se retiró de la venta en Rusia (1992), Portugal (1998), República Checa (2000) y Polonia (2005). Eso sí, si la edición que se divulga es anterior a 1945, no hay violación de la ley (porque se trata de una ley posterior a 1945).

Todo esto conlleva un eterno debate en Alemania sobre si el libro debería divulgarse libremente para que todos tuviera acceso a una fuente histórica de lo que ocurrió en Europa, pero el miedo a que puedan nacer nuevos seguidores en el siglo XXI hace que la discusión quede más bien estancada. No es extraño, pues, que en una librería de Ibiza uno de los ejemplares que más se vende en verano sea la edición en alemán del Mein Kampf (los turistas alemanes no quieren renunciar a la curiosidad de saber qué decía un personaje que tanta relevancia tuvo en Alemania y en Europa). Parece ser que el libro de Hitler anda como un fantasma por el mundo, pero todavía anda. Brillante y necesario ensayo de Antoine Vitkine: el siglo XX nunca dejará de revelar secretos.

Enrique Rubio crea una Belén Esteban de novela

2011-10-23T13:54:00.002+02:00

De la protagonista de esta novela, dice Enrique Rubio que “se trata de un híbrido entre Kate Moss y Belén Esteban”, una “Lady Gaga española”. Y es que, agárrense, esta Tania se presenta como un icono del siglo XXI, una muchacha luchadora y creativa capaz de liderar la contracultura, ser cazatendencias, crear el movimiento Yomango, inventarse el PierZen, defender a los desvalidos, inspirar a la Generación Nocilla y hasta sacar de la crisis a la economía capitalista gracias al fenómeno Tania con i®. En otras palabras, una princesa de barrio convertida a icono mediático (¿les suena?). Curiosa carta de presentación para el personaje estrella de una novela que llega avalada por el Premio Francisco Casavella, convocado por la editorial Destino, y que -ahí no acababa todo- puede revelarse como una alternativa a los libros indignados de José Luis Sampedro y Stéphane Hessel.

La novela, TANiA CON i® 56ª edición (Destino), es la biografia de Tania que el joven novelista Guillermo Ruano tiene que escribir por encargo de su editor y, para ello, al más puro estilo Woody Allen, cede la palabra a aquellos que convivieron con la protagonsita: amigos, psicólogos, su maestro de yoga, un sociólogo y un periodista. Todo ello para completar la trayectoria de un icono mediático del siglo XXI. “Hay muchas Tanias dentro de Tania, como si fuera un juego de muñecas rusas aplastado, donde sólo quedan las astillas”, explica Enrique Rubio. Según el autor, “se trata de una novela pesimista, pero no triste, ya que el humor está presente en todas sus formas”, y añade que “el humor más negro surge de la desesperación, cuando algo ya no tiene más remedio, no queda otra opción que reírte de ello”.

Con esta novela, Rubio echa una mirada irónica a ciertos fenómenos sociales, como son los iconos mediáticos del siglo en el que vivimos o los comportamientos que surgen de la sociedad capitalista, como “la construcción del yo mediante catálogo ante la enorme oferta de la industria”, “el esnobismo como sublimación social del darwinismo natural, es decir, estar por encima de todos para tener más éxito” o “la integración de la contracultura en el capitalismo y la conversión en uno de sus motoros principales, ya que cuando una cultura urbana inventa una moda, el capitalismo se apropia de ello para vender más”. El autor va más allá y recuerda que “el ego y la competitividad están tan presentes en un magnate del petróleo, un yupi de Wall Street o un antisistema”, por lo que asegura no confiar demasiado en la revolución.

LA PORTADA

'L'alquímia del mercat d'alquímies, Maurici Pla

2011-10-20T12:03:00.001+02:00

L'alquímia del mercat d'alquímies
Maurici Pla
Editorial Quaderns Crema
1ª edició, gener de 2011
152 pàgines
ISBN 9788477274933

Vet aquí una història absurda, delirant, però ben pensada i ben travada. Veieu, si no: l’administrador del museu de la ciutat de K. està prou enfeinat, ja que, per una banda, ha de negociar l’ampliació del museu cap als edificis del costat, on la seva dona té una pastisseria i, per l’altra, ha d’aconseguir una obra d’art per tal de què l’operació els hi surti una mica més rentable: Ciutat amb talaies, de Paul Klee. Però la recerca del dibuix de Klee es complica perquè masses persones asseguren tenir-lo i sembla que cap d’elles estan en possessió de l’original. A partir d’aquí, tot es va tornant cada cop més absurd: apareix un sabater que també fa de conseller en temes municipals i de podòleg, entre altres tasques; hi ha un vailet que sembla tenir la clau del tràfic d’obres d’art falses; un col·leccionista una mica excèntric; la dona del protagonista, que està disposada a qualsevol cosa pel seu bé; i la filla dels dos, que sembla més espavilada que cap altre personatge.

D’aquesta manera, Maurici Pla (arquitecte a més d’escriptor) s’inventa una ciutat que no existeix, amb un riu que no existeix i uns personatges i situacions que, podríem dir, tampoc existeixen. Però, en realitat, tota aquesta invenció és un retrat ple d’ironia d’una persona que se sent perduda en una gran ciutat a la recerca del seu tresor personal, d’uns secundaris molt capficats en les seves ambicions i, sobretot, de la corrupció que ningú veu però que ho governa tot. Maurici Pla està parlant d’art, però podria estar parlant d’una altra cosa. Tot conforma un seguit de situacions al més pur estil kafkià, on un alter ego de Josef K. intenta fer tot el que pot per satisfer tothom, però no pot evitar convertir-se en víctima d’aquells que l’envolten.

L’alquímia del mercat d’alquímies (Editorial Quaderns Crema) és una novel·la curta ple de simbolisme. Ja el títol apunta a un emplaçament (el mercat d’alquímies) on qualsevol objecte sense valor es pot convertir en un tresor i fins i tot el nom de la ciutat (que, com que no apareix fins el final, ens el reservarem) sembla voler insinuar alguna cosa referent a la capacitat expressiva dels personatges i amb el moviment. Sabem, això sí, des del principi, que el nom de la cuitat comença per K de Kafka i de Klee. En resum, que la novel·la de Pla es pot llegir com una història delirant o bé es pot començar a rascar i endinsar-se en tot allò que hi ha amagat en aquestes pàgines. Un relat original i estimulant. Pura arquitectura literària.

Un ‘Dogville’ més desenfadat que el de Lars von Trier

2011-10-12T02:04:00.000+02:00

A un li diuen que hi ha una adaptació al teatre de Dogville, la pel·lícula de Lars von Trier, i pensa “home, doncs sí, no és mala idea, l’adaptació no serà gaire complicada donat que la pel·lícula gairebé té més de teatre que de cinema”. I comença a fer un croquis al seu cap de com serà l’escenografia: tot serà d’un minimalisme quasi nihilista, tot restarà en negre, s’haurà de pensar en un espai més petit… i poca cosa més. I de cop i volta un arriba al Romea i veu un escenari carregat al màxim: andròmines amunt i avall, a esquerra i dreta, davant i darrere i, fins i tot, una banda de música que obre l’espectacle d’una manera excessiva, trencadora.

I és que la cosa no pot ser més obvia: quina necessitat hi ha de portar al teatre una adaptació fidel de la pel·lícula si ja tenim la pel·lícula? Ni més ni menys és això, perquè per molt que ens agradés el Dogville de Lars Von Trier, a veure qui aguanta més de dues hores repassant el mateix que ja sap que passarà si no hi ha un al·licient que faci la cosa més dinàmica. I aquí entra la versió moderna de Christian Lollike, que dirigeix Nina Reglero. El poble és el mateix que al film, els personatges també, els seus comportaments idèntics, però fan les coses de manera diferent: canten, ballen si s’escau i s’impliquen amb una banda de música que caram, quina bona pensada! I així tenim una versió excessiva, una mica carregada, com si a la cinta de Lars von Trier li haguessin sumat els decorats i l’essència turbant de la Delicatessen de Jean-Pierre Jeunet (la recordeu?).

D’aquesta manera la versió de Lollike aporta diferents estímuls més enllà de la qüestió argumental que, més o menys, tothom coneix. Les interpretacions (actors i músics) no cauen precisament en la temptació de deixar-se endur per aquest to excessiu i aconsegueixen brodar uns papers continguts, però eloqüents. Tot i que he trobat a faltar una mica més de càrrega dramàtica en els minuts finals, reconec que potser per afinitat amb la pel·lícula, el resultat és força engrescador. S’agraeix, doncs, el treball de Lollike i Reglero, que han sabut arriscar-se, perquè això ha de ser el teatre: no conformar-se necessariament amb ser fidels ni tenir por mai de reinventar. Llàstima, això sí, que aquest Dogville, Premi Max 2011 al millor espectacle revelació, tingui una estada tan curta al Romea: s’acaba el 16 d’octubre.

'Españistán: Este país se va a la mierda', Aleix Saló

2011-10-04T01:35:00.002+02:00

Españistán: Este país se va a la mierda

Aleix Saló
Editorial Glénat
Género: Cómic
1ª edición, marzo de 2011
144 páginas
ISBN: 9788499471754

Qué difícil es ponerle humor a esta jodida crisis. Digo jodida porque no valen eufemismos ni medias tintas con esta situación que parece tener en jaque incluso al más optimista, al menos en lo que a la periferia de Europa se refiere. Y he ahí el subtítulo, más irónico que premonitorio (eso espero), del cómic de Aleix Saló: “Este país se va a la mierda”. Españistán es ese Estado que el autor ha retratado como una caricatura de éste en el que vivimos, donde los más ricos tienen más opciones de negociar sus deudas, los becarios son precarios, los bancos mantienen controlados a los partidos políticos, el Gobierno salda los servicios públicos y la burocracia le quita las ganas hasta al más emprendedor.

En el cómic, tres personajes se disponen a ir a las instancias oficiales de Españistán para que a uno de ellos le eliminen la hipoteca que, en breve, lo dejará en la calle y con una deuda de 80.000 euros (¿les suena esta historia?). Pero lo que parece un camino asequible se convierte en algo imposible cuando, al llegar, los mandan de un lado a otro dándoles largas constantemente (recordarán aquel artículo de Larra, “vuelva usted mañana”, pues aquí más bien parece un “no vuelva usted más”). A través de este periplo por los órganos financieros y gubernamentales de Españistán, Saló hace una reconstrucción sarcástica y corrosiva tanto de la crisis que vive España, como de aquellas señas que han marcado durante años el descaro de todo un sistema poco disciplinado.

Españistán, que lleva vendidos unos 7.400 ejemplares desde su publicación en marzo de este año, empezó a cobrar reconocimiento cuando su autor decidió promocionar su obra a través de un video que colgó en YouTube y que corrió como la pólvora en las redes sociales: un magnífico diagnóstico de la responsabilidad que tuvo el gobierno de Aznar en la actual crisis. El cómic que tenemos entre manos refleja lo que vino después de ese video, por lo que no hay que esperar encontrar en el libro una ampliación de lo que hemos visto en YouTube, sino las consecuencias de lo que ahí se enseña. Hay quienes dicen que se puede hacer humor de las situaciones dramáticas: ocurre cuando la cosa pinta tan mal, tan mal, tan mal, que no nos queda más remedio que echarnos a reír. Pues eso, al mal tiempo, buena cara.

‘La sonrisa etrusca’ perd la gràcia

2011-09-25T14:52:00.000+02:00

Hi ha obres de teatre que necessiten només cinc minuts per demostrar que allò no tirarà. No és una qüestió de seure a la butaca carregat de prejudicis, sinó que hi ha obvietats que, pel sol fet de ser tan obvies (perdonin la redundància, però se li ha de posar èmfasi), un no entén com és possible que el director no s’adoni de què alguna cosa important grinyola. I en aquest cas, l’evidència és que si tens un gran actor, com Héctor Alterio, que només amb un moviment d’ulls i un somriure és capaç d’aconseguir la complicitat del públic, no se li ha de posar al costat a un altre actor que no és capaç de fer creïble el seu paper ni en les qüestions més senzilles. En aquest cas, la interpretació de Nacho Castro, que fa de Renato, fill de Bruno (Alterio), és un handicap que La sonrisa etrusca acusa des del principi fins el final.

L’abisme que hi ha entre Alterio i Castro és tan gran, tan abismal, que és fàcil perdre la concentració cada cop que el segon apareix a escena. Més que actuar, sembla que força la veu, no es mou amb naturalitat a l’escenari i els seus gestos no són versemblants en cap moment. Però aquest no és l’únic problema que li veig a l’obra. Hi ha diàlegs que s’allarguen massa, sobretot un que mantenen Alterio i Julieta Serrano (en el paper d’Hortensia) i el que protagonitza l’actor argentí al final (que és etern i completament innecessari). Això s’agreuja perquè La sonrisa etrusca té almenys tres falsos finals, tres moments que, després de més d’una hora i mitja de funció densa on bàsicament destaca l’actuació d’Alterio i Serrano, sembla que la cosa s’acaba, però segueix, i segueix, i va perdent intensitat poc a poc fins que ja un només desitja veure aparèixer el teló. En altres paraules, si l’obra hagués acabat mitja hora abans del que dura (una mica més de dues hores), el resultat hagués estat lleugerament més acceptable.

La sonrisa etrusca és la història d’un home gran i orgullós del sur d’Itàlia que arriba a Milan on viu el seu fill per sotmetre’s a una operació, ja que pateix un càncer. L’home té la certesa de què morirà, però té la voluntat de sobreviure a la mort d’un vell enemic de guerra. En canvi, quan descobreix que té un nét i coneix una dona (Serrrano), els seus desitjos comencen a canviar. La novel·la de Sampedro té un caire dramàtic i esperançador alhora que és el que va motivar portar-la al teatre, però aquesta no és una història fàcil d’adaptar, almenys així ho demostra aquesta versió.

Julio Manrique encanta el Romea amb ‘Llum de guàrdia’

2011-09-19T04:52:00.000+02:00

El nou director del Teatre Romea, Julio Manrique, no podria haver-se presentat de millor manera. Estrenant càrrec, després de la sortida de Calixto Bieito, i obrint temporada amb una obra escrita i dirigida per ell mateix -en aquest cas, amb text a quatre mans amb Sergi Pompermayer-, Manrique demostra la seva visió renovadora unificant diversos llenguatges i, sobretot, traient el màxim partit a l’espai i als recursos escènics. Teatre dintre del teatre, però sobretot teatre més enllà del teatre.

I és que amb Llum de guàrdia l’espectador veurà una obra amb essència cinematogràfica (amb una mica de les pel·lícules de terror i amb una altra mica d’aquelles produccions que tan bé reflecteixen la vida als carrers d’una ciutat), però també assistirà a un collage on entren nits de ràdio, llenguatge televisiu, músiques i m’atreviria a dir que, fins i tot, performance en segon pla on el temps i l’espai sembla que es dilueixen. Tot pot semblar complicat, però Manrique i els actors fan fàcil allò que en aparença és difícil.

Llum de guàrdia arrenca amb una roda de premsa d’una companyia que es disposa a interpretar al Romea Xirgu, una obra que juga amb la idea de què el fantasma de la dramaturga Margarida Xirgu es passeja pel teatre. Però la nit de l’estrena, un 14 de setembre, el Romea pateix un incendi que acaba amb la vida de l’actriu que interpretava a la Xirgu. Set anys després, cadascun dels membres d’aquella companyia intenta fer la seva vida sense poder lliurar-se del declivi personal i professional que arrosseguen des d’aquell fatídic dia.

La història permet a Manrique integrar tot l’espai del Teatre Romea dintre de l’obra, ja que allà on seu l’espectador és també l’espai encantat que, segons l’argument, una vegada es va cremar. D’aquesta manera, el director proposa un engrescador joc de perspectives. Aquesta forma narrativa de nines russes és el que permet a Manrique jugar amb la idea del teatre dintre del teatre i reflexionar sobre els fantasmes que s’amaguen darrere del teló: dintre del Romea es passeja la Xirgu, però no són més aterridors els fantasmes que porten dintre cadascun dels personatges? Llum de guàrdia, que compta amb l’excel·lent interpretació de l’habitual família d’actors de Manrique, és una obra brillant, amb un text intel·ligent, ple d’humor, però sobretot ple de fantasmes. Excepcional!

‘El árbol de la vida’, de Terrence Malick

2011-09-17T18:18:00.001+02:00

Por muy mal que nos vayan las cosas, qué insignificantes parecen nuestros problemas si los comparamos con la vastedad del universo. Eso debió de pasarle por la cabeza al director estadounidense Terrence Malick cuando pensó en el guión de El árbol de la vida, película que llega ahora a nuestras pantallas tras ganar la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes. En ella, Malick hace una profunda reflexión sobre el mundo interior de cada uno, lo que nos atormenta, lo que nos estigmatiza, lo que no entendemos y lo que sentimos cuando parece que lo tenemos todo y en realidad no tenemos nada.

Sean Penn interpreta a un arquitecto de éxito que no acaba de encontrar la calma necesaria que le haga feliz. Para dar con las razones de su desasosiego, echa la vista atrás y busca en su infancia, marcada por la estricta autoridad de un padre religioso, frustrado, que jamás consiguió ser lo que soñaba y que volcaba en la ferrea disciplina de sus hijos su propia insatisfacción. El padre, interpretado por un magistral Brad Pitt, era uno de esos americanos de los años 50 que ante sus hijos no era “papá”, sino “señor”. Una típica familia patriarcal de la América profunda de arraigadas convicciones religiosas y morales, pero a la vez ambiguas. Una ambigüedad que jamás entendian sus hijos y que se muestra en un frase sencilla, pero cargada de sentido: “nos dice que no pongamos los codos sobre la mesa, pero él los pone”.

El árbol de la vida (símbolo teológico, filosófico, pero, sobre todo, místico que explica la interconexión de la vida en nuestro planeta) es un constante juego de flashbacks y digresiones que alternan la narración de la experiencia humana con la inmensidad del universo mediante diferentes escenas de la naturaleza: un volcán en erupción, una imagen del espacio exterior, dos dinosaurios que se pasean cerca de un riachuelo o la vida microorgánica. De ese modo, Malick plantea una estimulante reflexión sobre lo que somos, el tiempo en el que vivimos, nuestra trascendencia, pero también nuestra insignificancia. En un momento de la película, el padre le dice a uno de sus hijos: “te callarás durante media hora y no hablarás a menos que tengas algo realmente importante que decir”. Más allá del relativismo que supone juzgar lo que para cada uno es importante, el director se vale de este mismo recurso para crear su película: el diálogo es mínimo y solamente aparecen las palabras cuando tienen que aparecer, siendo estas tan importantes como el silencio.

Desde el punto de vista estético y técnico, El árbol de la vida es un producto cinematográfico de primer orden, impecable y lleno de preciosismo (atención a la banda sonora, la fotografía y el montaje). Sin embargo, toda esa sublimación es el principal handicap de la película: no es un film para todos los públicos, sino más bien un experimento para aquellos cinéfilos que esperan propuestas como éstas, donde el lenguaje audiovisual es tan importante o más que la historia. Pero ocurre que incluso para los que esperamos este tipo de películas, hay que reconocer que hay un abuso de la retórica cinematográfica y el film podría haber sido perfecto si se le hubiese pasado la tijera por esos excesivos (y, a veces, eternos) planos sobre la Vida en mayúsculas, el universo. A Malick le ha sobrado un poco de Malick, pero El árbol de la vida sigue siendo una película que, cuanto más tiempo pasa tras el visionado, más cuesta olvidarla.

‘Mía es la venganza’, Friedrich Torberg

2011-09-11T17:19:00.003+02:00

Mía es la venganza
Friedrich Torberg
Sajalín Editores
1ª edición, junio de 2011
Trad. de Lidia Álvarez Grifoll
114 páginas
ISBN 9788493805166

La literatura sobre el Holocausto parece inagotable. Por mucho que creamos haber leído todo lo importante (Primo Levi, Imre Kertész, Ana Frank y unos cuantos más), siempre nos llega algún otro libro que nos sorprende y nos descubre un nuevo episodio sobre la gran barbarie del siglo XX. Es lógico pensarlo si tenemos en cuenta que cada persona, cada campo de concentración, cada experiencia vivida pueden dar para una novela: murieron seis millones de judíos a manos del nazismo y probablemente la gran venganza de los que sobrevivieron fue revelar su propio testimonio, de forma oral o escrita, para que nadie olvide lo que pasó. Para que no se repita.

En Mía es la venganza, relato escrito por el austríaco Friedrich Torberg (1908-1979), se hace una profunda reflexión precisamente sobre este aspecto: ¿cuál es la venganza judía contra el Holocausto? Contesta Aschkenasy, uno de los personajes: “nos vengamos constantemente porque existimos y todavía seguimos existiendo”. Y sigue: “ya clamábamos venganza al Señor en los tiempos de los reyes y los profetas, igual que hoy: ¡no seáis tan pusilánimes para creer que esa es nuetra calamidad y nuestra miseria! ¡Es nuestra victoria! Que el clamor y el salmo sigan valiendo como hace mil años, ¡eso es nuestra victoria!”.

Este relato, publicado por primera vez en 1943 en Estados Unidos, arranca con una imagen desconcertante. Un hombre espera demasiado a menudo la llegada de alguien en el puerto de Nueva Jersey, aunque nunca recibe la visita de nadie. Un día, otro individuo se le acerca y le pregunta que por qué espera tanto y quién es la persona que tiene que llegar. Él le responde que aguarda a 75 personas, aunque reconoce que nunca los verá. Ante el efecto de sus palabras, éste decide explicarle el motivo de su insistente espera y para ello se remonta a su pasado: es un superviviente del campo de concentración de Heidenburg, en el oeste de Alemania.

El relato es una introspección a la psicología de cada una de las partes que conforman la tragedia: los judíos que querían morir, los que querían vivir, los que nunca dejaban de preguntarse el motivo de esa persecución (“no nos odian por lo que hacemos, nos odian por lo que somos”, dice un personaje), los nazis que hacían gala de la perversión y la maldad más absoluta y retorcida… Lo que aporta este relato no es tanto el mostrar un nuevo episodio sobre el Holocausto (lo de “nuevo” sería relativo, ya que fue uno de los primeros textos que se publicaron), sino confrontar psicologías y ahondar, en pocas páginas, en la esencia de la supervivencia de los judíos más allá del siglo XX. En este sentido, Mía es la venganza es un relato brillante y necesario. Brutal en todos los sentidos.

El libro reúne también el relato El regreso del Golem, centrado en Praga, donde Torberg sitúa a un grupo de soldados nazis que tienen como objetivo hacer registro de toda la documentación y objetos de culto de los judíos que van a ser exterminados. Mientras uno de los oficiales parece más benévolo, otro, en cambio, pretende hacer el máximo daño y decide quemar la sinagoga Vieja-Nueva, símbolo de la resistencia judía, donde se encuentra enterrado el Golem. Este relato puede resultar bastante denso, al menos en comparación con el primero, pero sirve para completar el acercamiento a la literatura de Torberg y a su intento por adentrarse en las mentes de los que protagonizaron y sufrieron el Holocausto.

Un nuevo Almodóvar para ‘La piel que habito’

2011-09-09T22:34:00.000+02:00

Mucho se ha hablado de la nueva película de Pedro Almodóvar desde que el manchego pasara por el Festival de Cannes el pasado mes de mayo. Entre algunas críticas demoledoras y otras profundamente entusiastas, le queda al espectador la agradable tarea de ir al cine y juzgar por sí mismo si La piel que habito ha resultado un estimulante experimento cinematográfico o se ha quedado en el intento. Una cosa está clara: este Almodóvar no es el mismo de siempre, pero la película respira Almodóvar por los cuatro costados.

La piel que habito, basada en la novela Tarántula de Thierry Jonquet, se adentra en los terrenos del thriller, aunque claramente va más allá: también es una historia de pasión, drama, venganza, locura, confusión, dobles sentidos, y, cómo no, sobre la cuestión de la identidad. Antonio Banderas interpreta a Robert Ledgard, un cirujano marcado por la tragedia que no piensa renunciar a lo que ha perdido. Cuando su mujer sufrió un accidente, en el que se vio envuelta en llamas, Robert decidió investigar la creación de una piel artificial que le devolvería su antiguo aspecto y borraría las quemaduras de su piel. Sería una piel a prueba de agresiones externas, pero perfectamente compatible con el cuerpo humano. Sin embargo, las cosas no salen como él espera. Lejos de abandonar su proyecto, Robert tendrá una nueva oportunidad de ir más allá y devolver el orden a su vida.

No debió ser difícil para Antonio Banderas interpretar a Robert Ledgard, al menos sabiendo que Almodóvar quería dotar de máxima neutralidad al personaje sin olvidar que se trata de un papel que debe transmitir complejas emociones al espectador. Pero Banderas brilla en todo momento y me atrevería a decir que es lo mejor de la película. Con él, compartiendo protagonismo, una también impecable Elena Anaya. En cambio, me cuesta creerme el papel en plan seductor de Jan Cornet (Vicente en el film) y el de Marisa Paredes (Marilia), aunque reconozco que quizá es porque la relaciono demasiado con aquella Huma Rojo de Todo sobre mi madre.

Lejos de las interpretaciones, una de los aspectos más débiles de la película son los momentos de humor involuntario que provocan las escenas dramáticas. Es cierto que a uno le sale la risa tonta cuando no toca (sobre todo en el desenlace), algo que entenderíamos como puramente almodovariano si fuera premeditado, pero que, sin embargo, el director ha negado que así sea. Otra de las cuestiones que perjudican la película son las escenas demasiado inverosímiles (son pocas, pero las hay): si una moto va a 120 km/h y otro vehículo le impacta, es poco probable que el conductor caiga al lado de la cuneta y se levante como si nada. ¿Es esto justificable solamente porque el director sea Almodóvar?

En líneas generales, como un trabajo de transición hacia una nueva etapa del cine de Almodóvar, La piel que habito me parece una película interesante y arriesgada, aunque también algo atropellada (como si el director no hubiese podido resolver todas las dificultades a las que se enfrentaba). No obstante, es una propuesta estimulante, un experimento que Almodóvar necesitaba para demostrar que puede reciclarse y moverse en otros registros (incluso, como en las novelas de Agatha Christie, demuestra habilidad poniendo sutiles pistas a lo largo de la historia). No es una obra perfecta, pero abre una puerta al futuro.

El mismo ‘destino final’ de siempre…

2011-09-05T00:07:00.000+02:00

Hay que reconocer que la idea de crear Destino final (película estrenada en España en el año 2000) fue un acierto, al menos en cuanto a repercusión taquillera. Hasta esa fecha no se había visto en cine, o al menos yo no lo recuerdo, una trama semejante, donde la muerte cobrara vida (permítanme el juego fácil de palabras) para conseguir llevar a su terreno a los que, gracias a una premonición, habían logrado esquivarla: “a la muerte no le gusta que la engañen, tened cuidado”, dice uno de los funestos personajes de la quinta entrega, que se ha estrenado recientemente en nuestros cines.

El argumento de cada una de estas cinco partes de la saga son idénticos: un grupo de chicos jóvenes están a punto de viajar en avión, en autobús o viendo una carrera de coches, cuando uno de ellos tiene una repentina visión: un accidente que los mata de forma bastante sanguinaria. Logran escaparse, porque el visionario les avisa, pero la muerte los va atrapando uno por uno, en el mismo orden en que debían haber muerto. Así que la lucha de los jóvenes por salvarse solamente supone un juego macabro de la muerte y el espectador solo tiene que esperar cómo van ir cayendo poco a poco. Y ahí está lo esencial de las películas de la saga, todo el mundo sabe cómo van a acabar, porque todas siguen el mismo patrón; el reto para los guionistas y el director es inventar muertes que se muevan entre el absurdo y lo excesivamente violento, aunque eso suponga rodar escenas totalmente inverosímiles (¿quién atraviesa un grueso cristal del ventanal de un edificio porque se le rompa el tacón de un zapato?).

Pero ahí parece radicar el juego de la saga, a falta de sorpresas para una trama ya de sobras conocida: ser más efectista que efectivo. Ser, sobre todo, espectacular. Y es que a las películas de Destino final les pasa lo mismo que a otras sagas (me viene a la cabeza la de Saw), donde da igual que una de las entregas caiga en el disparate: hay cierta filiación con el espectador que hace que no nos perdamos las nuevas películas, quizá sea porque dan morbo las tramas que coquetean con la muerte, sobre todo si son violentas e inverosímiles (por aquello de que gusta el espectáculo pero en el fondo debe quedar la sensación de que eso no va a ocurrir en realidad).

En ese sentido, Destino final 5, dirigida esta vez por Steven Quale, es más de lo mismo, aunque quizá con bastante más simplismo, al menos a nivel argumental. A los productores no parece interesarles innovar ni ser originales, básicamente porque la respuesta del público sigue siendo buena y hasta que la taquilla no se resienta (si algo funciona, para qué cambiarlo), la cosa seguirá siendo previsible, pero entretenida y espectacular.

‘Jo confesso’, la gran novel·la europea de Jaume Cabré

2011-09-01T16:11:00.005+02:00

L'autor, mirant el seu protagonista, Adrià Ardèvol / Foto: Manel Haro

Jaume Cabré ja comença a acostumar els seus lectors a les novel·les monumentals. Després de l’exitosa Les veus del Pamano (Proa), que ha arrasat dintre i fora de Catalunya (a Alemanya en va vendre 450.000 exemplars), ara publica Jo confesso (Yo confieso en castellà), novel·la ambiciosa que recull els darrers sis-cents anys de la història d’Europa.

El protagonista és Adrià Ardèvol, nascut als anys 40 i fill d’un antiquari del barri de l’Eixample amb masses secrets al darrere. L’Adrià té una infantesa solitària, se sent poc estimat i està ferit per un poderós sentiment de culpa. La novel·la, amb un títol profundament aclaridor, es revela com una confessió que fa el propi Adrià al lector. “Es tracta d’una novel·la que va de la bellesa a la vellesa i sobre l’ànsia de saber”, ha explicat Cabré en la presentació a l’Ateneu de Barcelona, tot senyalant que la coberta és una gran metàfora de l’argument: “el nen intenta agafar un llibre que no li toca per la seva edat”.

Tot i que els fets passen a un pis gran de l’Eixample, en realitat la novel·la recorre altres indrets d’Europa i aprofita per reflexionar sobre “què és la crueltat, què la justícia, com pot ser que una persona no pateixi veient patir a una altra, si hi ha algun déu i en aquest cas per què permet la crueltat”. Cabré ha volgut matissar que en la novel·la hi ha molta presència del mal, però no és aquest l’únic eix argumental de Jo confesso, títol que inevitablement recorda al J’accuse d’Emile Zola. “No intento explicar la crueltat ni donar respostes, sinó que aquest és el context en el que es mou l’Adrià, però em donaria per satisfet si amb la novel·la aconsegueixo que el lector es faci unes quantes preguntes”, ha puntualitzat l’autor.

Cabré ha aprofitat per destacar que la literatura catalana ha aconseguit consolidar-se fora de Catalunya gràcies en bona part a la Fira de Frankfurt i tot salvant que “el gran handicap de la literatura catalana és que no té al darrere un Estat que la impulsi a Europa, com sí succeeix amb altres literatures”. Jo confesso ja ha venut els drets de traducció a Alemanya, França, Itàlia i Holanda.

LES PORTADES

'La ciencia y la vida', José Luis Sampedro, Valentín Fuster y Olga Lucas

2011-08-29T00:27:00.002+02:00

La ciencia y la vida
José Luis Sampedro, Valentín Fuster y Olga Lucas
Editorial Plaza & Janés
1ª edición, abril de 2008
252 páginas
ISBN 9788401336768

Siempre es necesario echar la vista atrás cuando las cuestiones de actualidad corren el riesgo de acabar devorando toda una trayectoria y toda una vida dedicada a la sociedad. Y digo esto porque ni José Luis Sampedro ni Stéphane Hessel han nacido este año del vientre de los indignados. Estos dos nonagenarios (los dos nacieron en 1917) llevan décadas intentando que el mundo que legan a las nuevas generaciones sea el mejor posible; claro que los consejos que han ido regalando durante años han tenido que calar hondo justo cuando la situación parece (¿acaso no lo es?) desesperada. No es raro entonces que, con una obra tan sencilla y obvia como ¡Indignaos! (Destino/Columna), Hessel empiece a ser reconocido justo ahora. Casi lo mismo que le está pasando a José Luis Sampedro, quien debe tener afonía de tanto repetir el peligro de los excesos de esta época híper consumista y acelerada en la que vivimos. Qué injusto sería reducir a Sampedro a su última obra, Reacciona (Aguilar), en la que comparte protagonismo con otros once autores.

Mucho antes de los indignados, José Luis Sampedro ya existía y prueba de ello es este volumen que editó Plaza & Janés en abril de 2008, cuando la crisis todavía era un eufemismo (“cambio de ciclo económico” o “crecimiento debilitado” que decían las altas esferas mientras nuestra economía bordeaba el abismo). La ciencia y la vida es el libro en el que Sampedro y el cardiólogo Valentín Fuster (con el apoyo de Olga Lucas) exponen una serie de reflexiones sobre cuestiones fundamentales de la sociedad y el ser humano: por ejemplo, si aquello que hacemos es realmente lo que queremos hacer o simplemente nos estamos dejando llevar por la inercia de la sociedad y los mercados; por qué un hombre se plantea si ha obrado bien durante su vida solamente justo en el momento que ve venir la muerte y no hace esta reflexión siempre, antes de cualquier decisión: por qué el poder y el pueblo están siempre tan alejados; si la sanidad está realmente bien gestionada…

En La ciencia y la vida se leen preguntas como “¿podríamos modificar el ego o supervivencia emocional, que se derrumba en momentos de crisis, mediante la educación, desde la infancia?”, “¿podríamos inculcar a los niños desde pequeños el concepto de utilidad social?” o “¿por qué la misma población que si oye la noticia de que en tal punto del globo terráqueo hay un alimento contaminado que eventualmente podría causar alguna enfermedad, automáticamente, hunde el mercado dejando de comprar ese producto, en cambio, se sigue atiborrando de grasas y dulces, sigue fumando y llevando vida sedentaria y estresada por mucho que demuestres y expliques que eso sí puede acarrearles una seria enfermedad e incluso la muerte?”.

Hay más preguntas en este volumen, a las que Fuster y Sampedro intentan dar respuesta desde su experiencia, aunque algunas simplemente parecen difíciles de solucionar. Con sencillos ejemplos, estos dos sabios (no es retórica, realmente lo son) demuestran cómo el cuerpo humano es un símil a pequeña escala de la sociedad: no hacer caso a un pequeño problema, puede provocar que una persona (que toda una sociedad) llegue al colapso y al infarto (de miocardio, social). Además de la responsabilidad social y la responsabilidad con uno mismo (cuerpo, mente y espíritu), en este libro también está la semilla del inconformismo y la necesidad de reacción y lo que mejor lo ejemplifica es Sampedro parafraseando una frase del Enrique V, de Shakespeare: “Es hermoso pensar que el poderoso, cuando abre la puerta para salir de su casa, descubre que durante la noche ha crecido una hierba que no le deja salir”.

La ciencia y la vida es un compendio de reflexiones tan brillantes, que incluso los más iluminados encontrarán aquí más luz. Su lectura debería ser recomendada en todos los institutos, ya que sobre todo enseña a pensar por uno mismo. Es más, el repaso que Fuster y Sampedro hacen a la vida es tan exhaustivo, que incluso no sería descabellado leerlo una vez cada diez años, cada vez que cambiamos de etapa, como una prescripción médica. En definitiva, un ensayo inteligente e imprescindible de dos mentes que no deberían apagarse nunca.

'Luna de miel', Leonard Michaels

2011-08-27T10:28:00.003+02:00

Luna de miel
Leonard Michaels
Editorial Nórdica Libros
1ª edición, 2011
Trad. de Aurora Echevarría
64 páginas
ISBN 9788492683529

Hasta el primer trimestre de 2010, nada podíamos leer en España del escritor estadounidense Leonard Michaels (1933-2003), voz muchas veces comparada con la del también escritor judío Philip Roth. Sin embargo, en el último año, han aparecido tanto en catalán como en castellano algunas de sus obras más relevantes: la editorial Viena publicaba en 2010 Sylvia, con traducción al catalán de Dolors Udina, novela que recreaba el estilo de vida que llevaron muchos jóvenes americanos en los años 60: drogas, liberación sexual, alcohol y música; excesos que, en algunas ocasiones, provocaban muertes demasiado prematuras. Aunque si por algo es conocido Michaels, es por sus historias cortas, las cuales recogió la editorial Lumen en el volumen Los cuentos, con traducción de Aurora Echevarría. Precisamente una de esas historias, Luna de miel, es la que ha publicado Nórdica Libros en su colección Minilecturas (también incluida en la antología de Lumen).

En ella, el autor presenta a un par de camareros que trabajan en un complejo turístico donde suelen ir las parejas para celebrar su luna de miel. Uno de esos empleados, Larry Starker, judío con un físico que recuerda demasiado a los soldado de la Alemania nazi, le echa el ojo a Sheila, una muchacha que ha contraído matrimonio con Morris Kahn, la cual no dudará en dejarse seducir rápidamente por el irresistible atractivo de Larry. Será el segundo camarero quien nos narre los escarceos de Larry y su afición al balonmano.

Luna de miel no es el relato más brillante de Michaels, pero conserva la esencia de buena parte de su obra, en la que suelen aparecer personajes mitad soñadores mitad atormentados y abocados a destinos demasiado inciertos con algún que otro tinte entre patético y trágico (como ocurre en la novela Sylvia o en otros relatos, como El maniquí). Las señas de identidad judías también están muy marcadas en su obra y este relato es un claro ejemplo de ello, como también lo es Chico de ciudad. La sexualidad y la débil frontera entre el amor y el odio también son temas recurrentes en Michaels. En definitiva, sirva este relato como una ventana abierta a toda su obra.

Estocolmo sigue siendo criminal en ‘Dinero fácil’

2011-08-26T12:21:00.005+02:00

A estas alturas a nadie le sorprende leer una novela o ver una nueva película cuyo tema central sea la violencia en alguno de los países nórdicos. Suena ya repetitivo, pero desde la fiebre Stieg Larsson, Suecia ya no es lo que era, al menos para los que desde el sur de Europa veíamos aquellos fríos paisajes escandinavos como territorios a salvo de la criminalidad. Aunque ya había género negro en Suecia mucho antes de la trilogía Millenium, parece que solo desde entonces el crimen se ha dejado por allí.

Dinero fácil, dirigida por el sueco Daniel Espinosa, se centra en la peligrosa ambición del joven JW, estudiante de negocios que aspira a tener tanto dinero como sus ricos compañeros de clase para estar a su altura y no sentirse inferior ante su nueva y adinerada novia. Por el día es un hombre responsable, inteligente y plenamente centrado en su carrera, mientras que por la noche se pierde por los bajos fondos de Estocolmo para ganar dinero de cualquier modo, como haciendo de taxista clandestino. Ahí, uno de sus enlaces le propone un trato que le hará obtener mucho dinero en poco tiempo, aunque eso significará cruzar una frontera que antes no podía imaginar: entrar en el tráfico de drogas y meterse de lleno en la batalla entre diferentes mafias que luchan por defender su territorio.

La película está basada en la novela homónima de Jens Lapidus, primera entrega de su Trilogía Negra de Estocolmo. Dinero fácil se aleja bastante de las clásicas tramas del género negro sueco en las que hay un asesinato y un investigador (policía, periodista o escritor) tiene que rastrear el pasado de la víctima para encontrar al culpable. Esta trama va más en la línea de las novelas y películas americanas sobre bandas criminales y narcotraficantes, pero con Estocolmo como telón de fondo. No en vano, en su momento la crítica comparó a Lapidus con James Ellroy y Hollywood ya ha comprado los derechos para un remake, dado el éxito de la película en Suecia (medio millón de espectadores en tres semanas).

Pero lo cierto es que lo único nuevo que aporta Dinero fácil es precisamente el hecho de situar una trama que parecía denominación de origen hollywoodiense en Estocolmo, aunque sin la acción de la producciones americanas, lo que provoca que en algunos momentos la película se eternice. En este sentido, el film resulta más bien modesto y el interés se acaba centrando más en la curiosidad por ver cómo el director se desenvuelve en este tipo de películas que en conocer un desenlace que acaba siendo demasiado forzado.

EL CARTEL / EL LIBRO

‘Una comedia en tono menor’, Hans Keilson

2011-07-30T11:29:00.005+02:00

Una comedia en tono menor
Hans Keilson
Editorial Minúscula
1ª edición, 2011
Trad. de Carles Andreu
150 páginas
ISBN 9788495587794

A pesar de que la obra del alemán Hans Keilson, fallecido a los 101 años el pasado 31 de mayo, supuso una importante aportación para la reconstrucción de la vida y la muerte bajo el nazismo, especialmente con su novela La muerte del adversario (Minúscula), lo cierto es que tanto su trayectoria como su defunción pasaron más que desapercibidas por España. Su muerte no entró en las páginas de cultura, sino que fue relegada a alguna esquela publicada un par de días después del deceso en el mejor de los casos. La muerte del adversario está a la altura de las mejores novelas del siglo XX sobre el advenimiento del nazismo y su fuerza radica en que en ella no encontramos asesinatos ni la brutalidad de los campos de concentración, sino que se narra, con inteligentes alusiones, el intento de comprender lo que motiva determinadas actitudes inexplicables en el ser humano. Y lo hace a través de la figura del adversario (el nazismo en general y Hitler en particular, aunque en el libro estas últimas palabras ni siquiera aparecen).

No fue hasta 2010 cuando en España pudimos leer su primera novela traducida al castellano, La muerte del adversario, la más importante de su carrera, que fue publicada en alemán en 1959. Ahora, nuevamente la editorial Minúscula pone a disposición del lector otra de las novelas de Keilson sobre la barbarie del nazismo: Una comedia en tono menor. En ella no hay comedia ni tampoco un humor descarnado, sino más bien un cúmulo de situaciones tan lamentables que uno no puede dejar de imaginarse que aquello Keilson lo quería presentar como una triste y grotesca caricatura de lo que él mismo vivió.

En Una comedia en tono menor, tenemos a un matrimonio holandés, Wim y Marie, que se ofrece a acoger a un judío que ha llegado huyendo de Alemania. Él, Nico (un pseudónimo que se pone a sí mismo para estar más seguro), no da detalles sobre quién es exactamente, nada sabemos de él, exceptuando que vive escondido mientras aguarda el momento en que la II Guerra Mundial llegue a su fin y Hitler sea derrotado. Pero la espera se hace demasiado larga y cada día sus fuerzas se van debilitando.

La historia de Nico contiene, en cierto sentido, los miedos que tuvo el propio Keilson cuando llegó a Holanda huyendo, como su personaje, del nazismo (sus padres no tuvieron esa suerte y murieron en Auschwitz). El autor alemán, testigo directo de casi todo el siglo XX (nació poco antes de la Primera Guerra Mundial, en 1909), traslada así al papel lo que él mismo sufrió; especialmente notables son algunos pasajes de La muerte del adversario. Y aunque Una comedia en tono menor no suponga un impacto tan fuerte como la anterior novela, sí al menos servirá para saber algo más del periplo del autor y para adentrarse en otro de los muchos episodios que se escribieron durante la Segunda Guerra Mundial: en este caso, la lucha por la supervivencia en el exilio y la colaboración de muchos holandeses con los exiliados.

El mismo ‘resacón’, pero en Tailandia

2011-07-06T21:48:00.000+02:00

Si algo funciona, para qué cambiar. Eso debieron pensar los productores de Resacón 2, película que sigue con la fórmula de Resacón en Las Vegas, aquella en la que un grupo de solteros se iba a la ciudad de los casinos para celebrar que uno de ellos iba a casarse. Al día siguiente de la gran juerga, en cambio, veían que se encontraban en un estado lamentable mientras apreciaban en su entorno que durante esa noche algo se les había ido de las manos. En esta ocasión, tenemos la misma estructura, los mismos personajes y parecidas situaciones desmadradas, pero en vez lugar de ser en Las Vegas, es en Bangkok.

Stu (Ed Helms) va a casarse con una tailandesa, por lo que invita a su grupo de amigos a cruzar el océano para asistir a la boda. Aunque en principio Stu no tiene pensado celebrar ninguna despedida de soltero, finalmente acaba cediendo, de forma accidental, y repiten el despropósito de Las Vegas. A la mañana siguiente descubren que el hermano pequeño de la prometida de Stu ha desaparecido en Bangkok y se ponen a buscarlo contrarreloj, antes de que llegue el momento de la boda. Lo primero será recordar qué ha sucedido durante esa noche.

La película, como la primera parte, propone una aventura disparatada y entretenida, pero los momentos en los que uno se deja llevar por la carcajada no son más que dos o tres, aquellos en los que más allá de situaciones absurdas, hay cierto ingenio. Para el espectador que disfrutó con Resacón en Las Vegas, esta segunda entrega le divertirá del mismo modo porque contiene idénticos ingredientes (cambia el escenario, eso sí), pero si no les convenció la primera, no esperen encontrar una mejoría en Resacón 2: ¡Ahora en Tailandia!. Eso sí, todo hay que decirlo, viendo las comedias que llegan últimamente de Hollywood, esta es de las que se salvan.

'Caligrafía de los sueños', Juan Marsé

2011-06-20T11:32:00.000+02:00

Caligrafía de los sueños
Juan Marsé
Editorial Lumen
1ª edición, febrero de 2011
Género: Novela
437 páginas
ISBN: 9788426418982

Cuando un escritor, uno de los considerados grandes escritores, alcanza cierto nivel de reconocimiento (en este caso, hace tres años a Marsé le cayó el merecido Premio Cervantes) y acumula unas cuantas novelas que, con el tiempo, se han convertido en clásicos indiscutibles de nuestra literatura del siglo pasado (Últimas tardes con Teresa, El embrujo de Shanghai...), es posible que el listón empiece a caer y dicho autor se conforme con tirar de trayectoria. Eso es lo que temí (solo temí, nunca llegué a pensarlo del todo) cuando leí Canciones de amor en Lolita's Club (Lumen), una novela tan diferente a lo escrito antes y tan lejos de la auténtica esencia marseana; en otras palabras, una novela que no colmó mis expectativas.

Sin embargo, una vez aclarados mis temores, debo decir que Juan Marsé sigue en plena forma. Es más, con Caligrafía de los sueños su literatura se ha vuelto más personal y auténtica todavía, dado que esta es su novela más autobiográfica y en ella explica cuestiones sobre su vida que no había tocado antes en la ficción, como cuando su padre biológico, el taxista apellidado Faneca, que acababa de perder a su mujer tras parir a un hijo que a él le costaría atender (el pequeño Juan Faneca), recogió a un matrimonio (los Marsé) que justo acababa de ver cómo su hijo recién nacido moría y rogaban por una segunda oportunidad. Y así, Juan Faneca cambió de familia y pasó a ser Juan Marsé.

El protagonista de Caligrafía de los sueños, el trasunto del propio Marsé, es Domingo, un niño al que todo el mundo conoce como Ringo: hijo de padres adoptivos, aprendiz en una joyería, soñador, observador de todo lo que le rodea y probable futuro escritor dada su afición por anotarlo todo en un cuaderno. Alrededor de Ringo, los adolescentes de siempre, los "condenados aprendices de nada", como los llama el narrador, van dejándose ver por el barrio de Gràcia y mostrando cómo la miseria del franquismo ya los ha apartado de la lucha por ser alguien. De entre el elenco de personajes desquiciados destaca doña Victoria, la mujer del antiguo alcalde del barrio, que ahora se desvive por recuperar a su amante, al que despachó en un secreto arrebato y al que durante la novela busca día o noche por las calles y los bares. A medida que avanza la novela, la desesperación se la va comiendo. Como carta de presentación de Victoria, una escena en las primeras páginas con ella saliendo enloquecida de su casa y echándose a las vías de un tranvía que dejó de circular hace años.

Podríamos decir que Caligrafía de los sueños es lo de siempre, pero con más Marsé que nunca. Aquí el autor sigue con los mismos barrios y sus temas recurrentes y hasta reaparecen algunos de sus clásicos personajes, como el entrañable capitán Blay y el señor Sucre, de El embrujo de Shanghai. De hecho, Ringo ya aparecía en Si te dicen que caí: especialista en contar aventis, como lo es también en esta nueva novela. Todo podría resumirse a que "si al lector le gusta lo que escribe Marsé, Caligrafía de los sueños es una novela imprescindible". Marsé no decepciona y demuestra una vez más que es uno de los mejores escritores que ha parido España en el siglo XX.

'El inventor de historias', Marta Rivera de la Cruz

2011-06-19T00:01:00.000+02:00

El inventor de historias

Marta Rivera de la Cruz

Editorial Booket

1ª edición en bolsillo, junio de 2011

Género: Novela / Aventuras

368 páginas

ISBN: 9788408102830

A estas alturas, parece fuera de toda duda la calidad narrativa e imaginativa de la escritora gallega Marta Rivera de la Cruz. La que fue finalista del Premio Planeta con En tiempo de prodigios ve ahora editada en bolsillo El inventor de historias, una novela arrolladora, conmovedora, original y profundamente adictiva. En ella, Linus Daff es un británico de origen humilde que descubre que su don está en el oficio de inventar historias. Al principio lo hace cuando está alojado en una pensión de mala muerte y el marido de la casera le pide que le ayude a justificar una borrachera y una pelea en un bar. Linus Daff se inventa que este hombre ha luchado, nada más y nada menos, que contra Jack el Destripador y ha salvado la vida de una joven.

Tal es el éxito, que empieza a correr la voz de que el joven Daff es un verdadero as de la ficción. El rumor de su oficio empieza a correr como la pólvora por las altas esferas de la sociedad británica, gente que necesita como nadie justificar sus deslices. La minuta de este inventor de historias es cada vez mayor, igual que su prestigio. Daff se acostumbra a inventar historias en torno a infidelidades u otros asuntos que atañen a la imagen de los más acomodados. Sin embargo, el protagonista no se implica tanto en ninguna de ellas como cuando recibe la petición de reescribir todo el pasado de un enfermo millonario que está a punto de morir. ¿Qué oculta este hombre en su pasado? ¿Por qué tiene tanto interés en que cuando muera se le recuerde como una persona diferente de la que era? ¿Hasta qué punto Linus Daff podrá trabajar sin implicarse demasiado?

Con esta novela, el lector será testigo de una aventura tan aparentemente sencilla como genial. Podríamos decir que El inventor de historias es una sucesión de relatos encadenados, un desfile de personajes que entran en la vida de Linus Daff y salen de ella. La novela está dividida en dos partes: por un lado la vida del protagonista en suelo británico, un recorrido que podría haber escrito el mismísimo Charles Dickens; por otro, un viaje a Cuba, donde disfrutamos de otras escenas y otros personajes entrañables. En resumen, literatura (de calidad) en estado puro. No se pierdan esta novela que ahora sale en bolsillo bajo el sello Booket.

Blanca Busquets, David Vann i Peter Schössow guanyen els Premis Llibreter

2011-06-15T17:28:00.001+02:00

El Premi Llibreter d'enguany ha reconegut com a millors obres del 2010 La nevada del cucut, de Blanca Busquets (en categoria de literatura catalana), Sukkwan Island, de David Vann (en altres literatures) i El meu primer cotxe era vermell, de Peter Schössow, en àlbum il·lustrat. El guardó, que atorga el Gremi de Llibreters de Catalunya, premia les millors obres publicades durant l'any anterior.

Blanca Busquets, avui a l'Ateneu de Barcelona / Foto: Manel Haro (C)

La nevada del cucut
Blanca Busquets (Rosa dels Vents)

La novela de Busquets ens proposa dues històries separades en el temps però unides pels mateixos sentiments. Per una banda, la Tònia viu al poble de La Carena on ha estat casada amb un home que regenta un hostal juntament amb la seva mare. Sembla que ell només se l’estima per fer l’amor i perquè ella és forta per a treballar. La Tònia és molt aficionada a llegir i escriure, però en un poble tan petit de la Catalunya interior, a principis del segle XX, aquestes aficions no estaven gaire ben vistes, el que provoca que mai pugui estar tranquil·la fent la seva. Una de les formes que troba d'amagar la seva afició d'escriure és mitjançant un quadre pintat pel seu cosí que li fascina. Per altra banda, gairebé un segle després, la seva besnéta Lali, que comparteix l'afició d'escriure i certs patiments, es fixa en el quadre de La Carena, on veu coses que no veu la resta, igual que li passava a la seva besàvia.

Blanca Busquets ens mostra la mala vida que duien les persones dels pobles de muntanya a començaments del segle passat, on els sentiments no tenien cabuda i les persones gairebé vivien com a besties, sobretot les dones. Els matrimonis eren de tot menys d’amor, no es podia estimar els fills per si un dia morien i el fet de viure en un cercle reduït de persones feia que el “què diran” dominés el dia a dia dels habitants. Anys després de la història de la Tònia, la Lali es troba en circumstàncies similars tot i haver passat cent anys, ja que veu a La Carena els costums arcaics que encara planegen pel món rural i, a més, un succés passat fa molt de temps no li deixa tranquil·la davant dels altres habitants del poble. Poder gaudir del quadre i anar als Cingles, la muntanya més alta de la comarca, són les dues maneres que la Lali i la Tònia tenen de fugir de la realitat. [Ressenya aquí]

La novel·la, segons Blanca Busquets

Ha creat un poble fictici anomenat La Carena, però està clar que és Cantonigròs. Per què no posar el nom real?

Això m’ho ha comentat molta gent, però m’era extremadament difícil inventar una història en una casa que no hagués existit, ja que a principis de segle només hi havia unes deu cases a Cantonigròs. Així que millor vaig decidir crear un poble, on les històries són reals, però, en canvi, alguns escenaris, com l'hostal de la protagonista, no.

La Tònia ha de deixar els seus fills acabats de néixer a una dida recent i no els pot veure mentre continua treballant a l’hostal. Mirat des del nostre temps, és una cosa horrible...

Sí, hem de pensar que hi havia dos Catalunyes: per un costat una Barcelona moderna i oberta a Europa, però també hi havia una vida rural molt apartada de la modernitat que a banda de la vida bucòlica que pintaven alguns artistes de l'època, era també una vida molt dura com la que narrava Víctor Català a Solitud, de qui també parlo al llibre. Només fa falta veure els arxius parroquials per trobar nens que morien als deu mesos i et preguntes com podia ser això. Hi havia dides bones i dolentes, a vegades a alguns nens els hi tocava la dolenta, que tenien costums molt bèsties i els nens que no eren seus només menjaven les sobres.

Veig que, a poc que rasquis a la Catalunya rural, es poden trobar històries tràgiques...

Efectivament. Jo no m’he hagut de documentar gaire per saber-les, tot són coses que m’explicaven la meva mare i les meves avies. És a dir, tot el que explico ho van veure elles.

La Tònia és una dona que té afició per escriure. Això seria una cosa mal vista en aquella època, una mica com el que li passava a Caterina Albert (Víctor Català).

De fet és així, la Tònia no era compresa per la seva família, perquè es pensava que una dona no devia tenir cap coneixement d'escriptora, ja que no li serviria de res. S'ha de dir, però, que la història de la Caterina Albert va ser diferent: ella era una dona de mar i que va fer excavacions arqueològiques a Empúries, que tenia sensibilitat intel·lectual. Però al món del camp una dona podia ser castigada per voler llegir o escriure, com li passa a la protagonista de la novel·la que diu que si el pare se n’adonés de què llegeix i escriu, la castigaria. Ella només podia descansar per poder treballar al dia següent.

David Vann / Foto: Empúries

Sukkwan Island
David Vann (Empúries/Alfabia)

L’argument de Sukkwan Island gira al voltant d’un pare i un fill que després de molt temps separats, se’n van a passar un any a una llunyana illa d’Alaska, on no hi ha més habitants que ells dos. El que el pare ha planejat com una temporada perfecta d’acostament al seu fill comença a torçar-se quan l’adolescent descobreix que el seu pare mostra una actitud inesperada i desconcertant. La frustració del pare i l’angoixa del fill faran que aquesta experiència sigui massa asfixiant per als dos. Sukkwan Island és una novel·la escrita durant molt de temps, com a part d'un procés de superació personal de l'escriptor. El que aquí es narra és la representació fictícia de l'angoixa que David Vann va sentir durant anys per uns fets que va viure de jove. [Ressenya aquí]

Peter Schössow, avui a l'Ateneu de Barcelona / Foto: Manel Haro (C)

El meu primer cotxe era vermell
Mi primer coche era rojo

Peter Schössow (Editorial Juventud)

Àlbum il·lustrat amb text del propi Schössow que narra l'aventura d'un noi que rep un cotxe vell i arrovellat, regal del seu avi. Aquest fet serà el motor que activi la imaginació del petit, que mirarà d'arreglar-lo i posar-se en marxa. Però abans de tot, haurà d'aprendre a conduir i saber què signifiquen els senyals de trànsit.

Text: Manel Haro / Fotos: Manel Haro / Entrevista Blanca Busquets: Xavier Borrell

'Claves de la economía mundial', VV.AA.

2011-06-13T00:04:00.000+02:00

Claves de la economía mundial (2010)

Varios autores
Publicaciones ICEX
1ª edición, 2010
500 páginas
Género: Economía / Comercio exterior
ISBN: 9788478117048

Mucho ha llovido desde que en 2008 Estados Unidos empezara a notar los efectos de una crisis crediticia e hipotecaria que ha acabado contagiando a todo el mundo. El disparado crecimiento de las economías española, británica o irlandesa, entre otras, debido al aumento de los precios de la vivienda (en España subió un 125% en diez años, en Irlanda un 170% y en Reino Unido un 110%, mientras en ese mismo periodo en Alemania caía un 20%) se vio truncado debido al cierre de un grifo crediticio que las entidades financieras tenían abierto sin valorar las pocas garantías de devolución de los préstamos hipotecarios. La bancarrota de la estadounidense Lehman Brothers supuso la activación definitiva de las luces de alarma en todo el mundo. Desde entonces, hemos podido comprobar cómo las economías desarrolladas empezaban a notar los efectos de la crisis mientras las emergentes (Brasil, Rusia, India y China son las paradigmáticas) esquivaban la tormenta y continuaban con buenas tasas de crecimiento.

Uno de los casos más claros es el de China, actualmente segunda potencia económica mundial, por detrás de Estados Unidos, y con proyección de acabar siendo la primera en poco tiempo. China ha visto aumentadas sus exportaciones gracias a una agresiva oferta de productos a bajo precio que no tienen competencia con los de otras economías desarrolladas (a menos que compitan en calidad, valor de marca u otros aspectos). Esto se debe, entre otros motivos, a la política económica china de devaluar su moneda, el yuan, para hacer que sus productos sean todavía más baratos para los mercados extranjeros. Dicha situación, sumada a la consolidación de una clase media más amplia, lo que incentiva también el mercado interior chino, hace que su PIB haya subido más que el de otros países (en 2010 subió más de un 10% respecto a 2009, mientras que el de Estados Unidos no llegó al 6%).

Las relaciones comerciales entre las diferentes países han cambiado en los últimos años (un ejemplo es ver cómo el punto de gravitación económica mundial se ha ido desplazando hacia Asia). El presente libro, que edita el Instituto de Comercio Exterior de España (ICEX), recoge todos los cambios que se están produciendo en el mundo, además de analizar cuestiones tan importantes como el consumo energético (nuclear, hidrocarburos, renovables...), el aumento de la presencia de las multinacionales de economías emergentes en otras desarrolladas, cómo las firmas europeas o americanas entran en esas mismas economías emergentes o cuáles son los datos de importación y exportación de los países.

Claves de la economía mundial es un libro que analiza de forma profunda y exhaustiva todas las cuestiones que hay que tener en cuenta a la hora de entender las relaciones comerciales de los países, pero lo más importante es que nos dará una visión de conjunto para comprender asuntos que nos son tan cercanos como el precio de la gasolina o el aumento de productos chinos a nuestro alrededor. En definitiva, un libro imprescindible que huye de las frivolidades de algunos ensayos de divulgación pensados para vender mucho e informar poco.

'La escritura o la vida', Jorge Semprún

2011-06-08T00:12:00.001+02:00

La escritura o la vida
Jorge Semprún
Editorial Tusquets
1ª edición, 1995
Género: Memorias
336 páginas
ISBN: 9788472238589

Muchos son los testimonios que nos ha dejado Jorge Semprún a lo largo de su vida (1923-2011), pero quizá uno de los más destacados sea el que plasmó en La escritura o la vida (Tusquets), donde expone la amarga experiencia de haber pasado por un campo de concentración nazi y tener que enfrentarse a la vida posterior a esa experiencia. La escritura o la vida son las memorias de juventud de un Jorge Semprún que con veinte años se vio encerrado en Buchenwald, uno de los campos más grandes de Alemania. El libro va más allá del puro testimonio y propone una reflexión que se adentra en el terreno de la ficción. Semprún narra la imposibilidad de escribir sin tener en cuenta la experiencia vivida ya que, al intentarlo, puede que la escritura quede bloqueada: o vive y acepta el pasado, o escribe y reflexiona, pero renunciado a vivir.

"Me siento incapaz, hoy, de imaginar una estructura novelesca, en tercera persona. Ni siquiera deseo meterme por este camino. Necesito pues un yo de la narración que se haya alimentado de mi vivencia pero que la supere, capaz de insertar en ella lo imaginario, la ficción..."

Por esa razón no estamos solamente ante unas memorias, sino también ante una novela sobre la experiencia del Holocausto. La decisión de juntar en una misma dimensión a autor, narrador y protagonista no se debe solamente a la voluntad de hacer un retrato histórico y vivencial de un momento concreto de su pasado, sino a esa imposibilidad de recurrir a la tercera persona en la ficción. La dureza de esa experiencia en Buchenwald de casi dos años es lo que desata la gran pregunta: ¿es posible escribir después del Holocausto? ¿Hay que elegir entre la escritura o la vida?

"Tengo que fabricar vida con tanta muerte. Y la mejor forma de conseguirlo es la escritura. En eso estoy: solo puedo vivir asumiendo esta muerte mediante la escritura, pero la escritura me prohíbe literalmente vivir"

Pero Semprún no quiso renunciar a nada y lo intentó: escribió y vivió. Prueba de ello es la producción literaria que nos ha dejado (El largo viaje, Viviré con su nombre, morirá con el mío, Aquel domingo...), aunque sin olvidar en ningún momento lo que para él significó esa lucha. Imprescindible conservar y recuperar testimonios existenciales del Holocausto como el que ofrece Semprún en La escritura o la vida. Ninguno es prescindible: cuando se apaga una voz, nos queda la palabra escrita, y así Semprún vivirá siempre.

Hasta siempre...

'Un matrimonio feliz', Rafael Yglesias

2011-06-06T00:05:00.001+02:00

Un matrimonio feliz
Rafael Yglesias
Editorial Libros del Asteroide
1ª edición, 2011
Trad. de Damià Alou
Género: Novela
410 páginas
ISBN: 9788492663378

Imagínense que son ustedes espectadores de una película que se emite a través de dos pantallas, con escenas diferentes pero simultáneas. En una ven cómo un joven americano, sin demasiado dinero, hijo de latinos y con ansias de ser un escritor de éxito intenta seducir a una chica de bien, hija de padres acaudalados, que vive en una de las zonas nobles de Manhattan. En la otra pantalla ven que Enrique, el protagonista masculino, consiguió su propósito: se casó con ella, tuvieron dos hijos y ambos son relativamente felices, pero ahora el cáncer está destruyendo a Margaret, la protagonista femenina. Ese intercambio de escenas, unas mostrando las ilusiones de futuro de la pareja y otras constatando que ella va a morir antes de lo esperado y que ese futuro no es como pensaban que sería, son lo que nos encontramos en Un matrimonio feliz.

Rafael Yglesias, neoyorkino e hijo de padres cubanos, novela su propia experiencia cuando conoció a su esposa y más tarde tuvo que enfrentarse a su enfermedad. Aunque estemos ante una obra de ficción, cada uno de los momentos forma parte de las memorias del autor. Yglesias alterna los capítulos de forma que primero nos presenta la vida de juventud de la pareja (cómo se conocieron, cómo se sedujeron, qué se prometieron mútuamente y cómo fueron sus primeras relaciones sexuales) y en el siguiente capítulo vemos a una Margaret que ya no puede soportar el dolor, postrada en la cama con el estómago lleno de drenajes y deseando morir de una vez. El siguiente capítulo vuelven a ser esos momentos de juventud y así sucesivamente. De esa manera, sabemos desde las primeras páginas cómo empieza la relación, pero también cómo va a acabar. Lo importante de la novela es lo que queda en medio, la reconstrucción que el lector va haciendo a través de la lectura de toda una vida juntos.

A pesar de que lo que nos presenta Yglesias son escenas dramáticas, hay que decir que en ningún momento el dolor se desborda, sino más bien lo contrario: incluso en los momentos más trágicos, el amor se impone al llanto. El autor hace un ejercicio de honestidad y evita escenas de lagrimeo fácil ("incluso en esa coreografía con la muerte, Margaret seguía estando llena de energía, combatiendo el suplicio en que se había convertido su vida") y eso a pesar de que no escatima en descripciones que pueden resutar demasiado duras. Lo que leemos en Un matrimonio feliz (el título no es casual) no es el morboso declive de un proyecto de vida juntos, el auténtico significado de la novela lo encontrará el lector a medida que avance en la lectura y, sobre todo, al llegar al desenlace (las últimas páginas son memorables). Un matrimonio feliz es una extraordinaria novela de contrastes con la que participaremos en un efectivo engranaje narrativo y existencial: como mínimo, al acabar la novela nos sentiremos un poco más humanos.

Gonzalo Giner estrena novela histórica sin bajarse del caballo

2011-06-02T09:43:00.000+02:00

El autor, en la Yeguada de la Cartuja de Jerez de la Frontera

La novela narra la aventura de un niño autista que convirtió su síndrome en un don

Manel Haro. Jerez de la Frontera (Texto y fotos ©)

Cuando una fórmula funciona, no hay nada mejor como apostar a caballo ganador. Después de 150.000 ejemplares vendidos de El sanador de caballos (Temas de Hoy), el autor madrileño Gonzalo Giner vuelve a la carga con una novela histórica también inspirada en el mundo equino, aunque yéndose esta vez al otro lado de la moneda. Si en la anterior obra Giner se adentraba en la historia de un veterinario que pasaba a ser pieza fundamental en la batalla de las Navas de Tolosa, en la que los cristianos lucharon por conquistar las tierras del sur de la península Ibérica dominada por los musulmanes, con El jinete del silencio (Temas de Hoy) ha preferido centrarse en el poder curativo que tienen los caballos en las personas.

Centrada en el siglo XVI, la trama arranca con el nacimiento de Yago, un niño jerezano afectado por el síndrome de Asperger (trastorno dentro del espectro del autismo). Alejado de su madre a la fuerza, criada en la casa de un despiadado hacendado, y abandonado varias veces hasta ser acogido en la Cartuja de Jerez (en imagen, abajo), Yago sufrirá la incomprensión y el desprecio de quienes le rodean hasta que descubra que solo cuando monta a caballo es capaz de expresar lo que ha estado guardando durante años en su interior, lo que le llevará a mostrar un don especial con estos animales en un momento de la historia de España en la que el emperador Carlos V está obcecado en que la raza del caballo cartujano sea motivo de orgullo en todo el Imperio. La trama arranca en Jerez, pero se pasea por otras zonas del mundo, como el Nápoles renacentista o la Jamaica de crueles conquistadores.

"Después de El sanador de caballos me interesaba saber cómo podía ser al revés; es decir, cómo un animal podía ser generoso sin saberlo con una persona que tenía una determinada limitación", afirma Giner, quien asegura que desde el principio quería "un personaje complejo capaz de identificar cosas sensibles que a otros les parece imposible". El autor, veterinario de profesión, insinúa que la próxima aventura literaria podría acercarle a Cataluña, después de que le regalaran una colección de varios tomos sobre la historia catalana, aunque prefiere no dar pistas.

LA PORTADA

Entrevista con James Redfield, autor de 'La duodécima revelación'

2011-05-30T00:20:00.002+02:00

James Redfield (Alabama, 1950) ha conseguido millones de lectores en todo el mundo gracias a su primer libro, Las nueve revelaciones (Ediciones B), donde ya daba las claves para emprender el camino de la espiritualidad lejos del caos que vivimos en el mundo: atender a las señales que da la vida, hacer caso de nuestra intuición, abrir la mente y, desde el interior de cada uno, formar parte de un movimiento que busca la verdad y la felicidad de una manera diferente. Tras publicar La décima revelación (Plaza & Janés) y La undécima revelación (Debolsillo) ahora presenta La duodécima revelación (Aguilar), donde busca ofrecer al lector el "conocimiento pleno" para decantarse por el camino de la espiritualidad.

"Este mundo corrupto nos llevará al colapso y el camino espiritual nos da la solución para evitarlo"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto ©)

¿Después del éxito de sus libros, recuerda cuál era su objetivo cuando escribió Las nueve revelaciones?

Sí. Yo trabajaba de terapeuta y vi que había un renacimiento espiritual en el mundo; no era algo que tuviera que ver con la religión, sino simplemente una experiencia espiritual. Mi objetivo era describir esas experiencias que tanta gente estaba teniendo al mismo tiempo.

¿Y cree que ha conseguido algo con sus libros?

Sí, este es el cuarto que escribo. Cada uno es una crónica que explica ese desarrollo personal de la experiencia espiritual que está teniendo lugar en el mundo. La duocédima revelación describe el conocimiento pleno que podemos llegar a tener las personas para conseguirlo.

¿Cree que las excelentes ventas de sus libros le han supuesto ganar seguidores o simplemente lectores?

Creo que han sido útiles a las personas, porque han aclarado esa intuición personal que cada uno tiene en su interior. Yo no soy un gurú ni voy de líder de ningún movimiento, simplemente escribo libros que ayudan a los lectores que ya estaban en ese proceso de experimentación o bien quieren empezarlo.

¿Y en estos años no ha tenido la tentación de tirar la toalla?

No, básicamente el mundo corrupto y caótico en el que vivimos demuestra que el camino no espiritual no es el que hay que seguir. Podemos descubrir por nosotros mismos que ese camino espiritual puede ayudar a solucionar nuestros problemas y nos aporta formas para reformar este mundo en el que vivimos.

¿Cuál es el mayor reto: que las personas crean en ese camino o que decidan no abandonarlo?

Lo importante es la persistencia y descubrir esa guía espiritual. La clave que nos permite llegar a esa experiencia está en seguir las intuiciones que nos guían por el camino de la espiritualidad. Si sigues las intuiciones, llegarás a la felicidad plena.

Veo que su libro es un tanto pesimista en cuanto al mundo. Leyéndolo parece que estemos al borde del abismo. ¿Tan mal estamos?

Nos enfrentamos a problemas cruciales. Es como la contraposición de dos fuerzas: la de aquellos que luchan por el camino espiritual y la de quienes quieren que el mundo siga siendo el lugar caótico que conocemos. Pero si hay un número suficiente de personas que deciden seguir el camino de la espiritualidad, podrán vencer a la fuerza opuesta a ese camino.

¿No siente que va usted a contracorriente? Lo digo porque en esta época de crisis, parece que parte de la sociedad tiende a los extremos...

El número de extremistas en el mundo es muy reducido en comparación con los que no lo son, por lo que la mayoría es más poderosa que la minoría, sobre todo si tienen ese poder espiritual, que es lo que se está produciendo ahora. Pero cada persona tiene que escoger el camino de la integridad y de la aventura espiritual para que esa sea la norma en el mundo. Todos tenemos telepatía entre nosotros y nuestra forma de vivir hace que los demás entren a formar parte de ese modo de vida. Igual que la corrupción y el engaño son contagiosos, el camino de la espiritualidad es todavía más contagioso. Nuestro cerebro y nuestras almas están diseñados para seguir este camino en la vida. Si muchas personas viven de este modo, se establece una conexión que va creciendo. En este sentido, soy optimista, pero cada persona tiene que decantarse en qué lado quiere estar. Este es el mensaje del nuevo libro.

¿Pero cómo decantarse por el lado positivo en un momento en que la corrupción y el engaño parece que vienen de la política y de las instituciones?

Es un proceso individual. En los momentos en que nos sentimos solos y desatendidos es cuando hay que establecer las bases para ese camino. Es la única manera de hacer frente a un mundo corrupto. La corrupción nos llevará a un colapso y el camino espiritual nos da las intuiciones para saber que si sospechamos que vamos a perder el trabajo, entonces no tenemos que esperar a que eso ocurra, sino que debemos empezar a buscar otro empleo.

En España estamos viviendo una ola de protestas que han nacido en las redes sociales. ¿Cree que ese despertar espiritual también puede tener su origen ahí?

Sí, ese es también el mensaje del libro: el poder de la influencia colectiva, que se intensifica a través de los grupos y las redes sociales. El proceso es individual, pero podemos aprovechar las redes sociales para ponernos en contacto con otras personas que sienten lo mismo.

En su libro, el protagonista dice que su mayor maldición es encontrarse con un escéptico. ¿Cuál es la suya?

La actitud que nos limita, que nos pone barreras, es pensar que otras personas son nuestros enemigos, ya sea porque son de otras religiones o de otras ideas políticas. Pero hay que pensar que todas las personas tienen alma, también ego, y que todos nos podemos equivocar. En cambio, nunca hay que considerar a nadie como un enemigo, sino hablar directamente al alma de los demás. Creer que alguien es un enemigo supone aumentar la corrupción del mundo.

¿Pero usted cree que es posible luchar contra el escepticismo en el siglo XXI?

¡Yo soy el vivo ejemplo, lucho cada día! En el fondo, todos somos escépticos, pero sólo hasta que encontramos la experiencia correcta que nos conecta con esa verdad que perseguimos.

LA PORTADA

'La fabulosa història de la senyora Wang', Gabriel Pernau

2011-05-24T08:45:00.001+02:00

La fabulosa història de la senyora Wang: Una catalana al Xangai dels anys trenta

Gabriel Pernau
Editorial Meteora
1ª edició, març de 2011
Gènere: Biografia novel·lada
198 pàginas
ISBN: 9788492874354

Al segle XXI la cultura xinesa la tenim molt present al nostre país: de forma exagerada, podríem dir que pràcticament a cada cantonada hi ha un negoci regentat per xinesos. També és ben normal que ara els europeus visquin al gegant asiàtic per motius laborals o personals, però als anys trenta, el fet que una catalana decidís marxar de Tarragona a Xangai per casar-se amb un xinés i després tornés a la seva ciutat per obrir un restaurant, quan llavors només n'hi havia un d'obert, era estrany. Tant estrany i apassionant alhora, que el periodista Gabriel Pernau ha decidit que l'aventura de Cristina Nubiola, la senyora Wang (tots dos, noms ficticis per preservar la intimitat de la protagonista), es mereixia un llibre.

La fabulosa història de la senyora Wang és una biografia novel·lada que només pot servir per fer una lleugera aproximació a la vida d'aquesta catalana, i això és degut a què l'autor no va poder comptar amb el testimoni de la Cristina Nubiola, no perquè fos morta, sinó perquè tant ella com la seva família directa va preferir no parlar-ne: res sorprenent si tenim en compte que el silenci forma part de la cultura xinesa que tant va impregnar el caràcter de la senyora Wang. Aquest és, precisament, el principal handicap d'aquest llibre: està tan ben relatat i ens parla d'una dona tan valenta, emprenedora i lluitadora (una donassa en tota regla), que a l'acabar la lectura, ens fa ràbia no poder saber-ne més.

Queden molts dubtes per resoldre, però això no vol dir que l'autor no hagi fet una gran tasca de documentació. El retrat que ens fa de la Xina dels anys 30 és absolutament genial, així com l'evolució dels personatges principals: el senyor Wang, la Cristina Nubiola i la seva família. Aquest petit volum és un homenatge a una persona que no podia passar desapercebuda per més temps. Penseu-ho: una mare que es veu obligada a prendre una decisió que la marcarà tota la vida, que marxa a Xangai tot i la negativa del seus pares, que arriba a una Xina on tothom la mira malament per ser estrangera, que es topa amb guerres que desconeix i que, després de tot, veu que tot el que ha viscut només li ha servit per ser una persona més forta i independent capaç de moure cel i terra per tirar endavant la seva família. He valgut molt la pena apropar-se a aquesta història.

'El clan del oso cavernario / El clan de l'ós de les cavernes', Jean M. Auel

2011-05-18T00:16:00.000+02:00

El clan del oso cavernario / El clan de l'ós de les cavernes
Jean M. Auel
Editorial Maeva / Labutxaca
1ª edición, mayo de 1987
48ª edición, febrero de 2010
Trad. al castellano de Leonor Tejada
Trad. al catalán de Josep Mª Capilla y Raoul Torrents
Género: Novela histórica / Aventuras
551 pgs. / 640 pgs.
ISBN: 9788415120131 (cast.)
ISBN: 9788492549238 (cat.)

Han pasado ya más de treinta años desde que Jean M. Auel escribiese la primera entrega de la saga Los hijos de la tierra, con más de 45 millones de ejemplares vendidos de la hexalogía. El clan del oso cavernario, que supera las 48 ediciones en castellano, narra la historia de Ayla, una niña cromagnon que, debido a un terremoto, se ve alejada de su familia. Tras varias jornadas caminando desorientada, un clan de neanderthales la acepta en su grupo, aunque no sin reticencias. Pronto esas dudas crecen cuando los miembros del clan ven que Ayla no es como ellos y que sus ambiciones distan mucho de las del resto de mujeres.

Estas diferencias darán a pie a diversas situaciones que provocarán el enfrentamiento entre miembros del clan, lo que situará a Ayla en constante tela de juicio debido a su interés por la caza, su incomprensión por algunas tradiciones del grupo o el choque que supone la desconfianza del futuro jefe del clan hacia ella y la protección ofrecida por el chamán y la curandera. Todo ello hacen que esta novela histórica sea sobre todo un relato de aventuras que muestra al lector cómo vivían los neanderthales hace 35.000 años: sus ritos, sus costumbres, su jerarquía, sus creencias y sus habilidades.

Ayla es una niña idealizada que sintetiza diversos años de evolución, por lo que a través de ella podemos acercarnos el cambio (en este caso, acelerado) que supuso el paso al hombre de cromagnon. Más allá de la información, no obstante, la novela ofrece las subtramas necesarias para mantener al lector atento: hay ambiciones, tensión sexual, agresividad, victorias y derrotas, frustraciones y sensación de injusticia. El lector ávido de emociones tendrá que esperar, todo hay que decirlo, a que pasen las primeras ciento cincuenta páginas, porque la autora arranca lentamente, con mucha descripción y detallismo, lo que puede impacientar a más de uno, aunque la espera tiene su recompensa.

Ahora que editorial Maeva acaba de publicar la sexta entrega de Los hijos de la tierra en catalán y en castellano, La tierra de las cuevas pintadas, parece un buen momento para recuperar una serie de novelas que se han convertido en longseller, esas que año tras año siguen vendiendo miles de ejemplares en todo el mundo. Auel avisa que con esta última entrega da por concluida la saga. Todo un fin de ciclo.

Miguel Fuster, el largo camino de un dibujante

2011-05-10T09:46:00.003+02:00

Tras 15 años viviendo en la calle, Fuster ha publicado dos cómics explicando su historia

Manel Haro y Patricia Tena. Barcelona / Fotografías: M. Haro ©

Quizá no les diga demasiado el nombre de Miguel Fuster, pero si se adentran en su historia, verán que hay toda una aventura vital digna de una novela. O de un cómic. Porque en los años 70, Miguel Fuster trabajaba como dibujante profesional de cómics románticos (publicó, por ejemplo, en la Editorial Bruguera), pero un tiempo después pasó una mala racha con la pérdida de popularidad del género, lo que le dejó sin empleo, circunstancia que, además, coincidió con un terrible desengaño amoroso y la pérdida de su vivienda a causa de un incendio.

Estos sucesos, junto con unos hábitos de vida poco saludables marcados por los excesos, hicieron que Miguel acabara viviendo en la calle durante 15 años, hasta que decidió aceptar la ayuda de la Fundació Arrels, quienes le proporcionaron un techo donde cobijarse, alimentos y ayuda para dejar el alcohol. Desde allí le animaron a crear un blog en el que mostrar sus dibujos y explicar sus vivencias, bien fuera para exorcizar sus propios demonios o para poder ayudar a otros. Poco a poco, algunos aficionados al cómic se pusieron en contacto con él pidiéndole que creara una novela gráfica donde recopilara todas estas ideas. A Miguel le pareció una buena opción y una oportunidad única para volver a vivir de sus creaciones aunque, como él mismo confiesa, "del cómic es muy difícil vivir".

En 2010, la editorial Glenat publicó Miguel: 15 años en la calle, donde el autor explicaba ese cambio radical que había experimentado su vida y la sorpresa en la que él mismo se encontraba, dado que, ni en el peor de los casos, hubiese imaginado que acabaría en la calle. En 2011 aparece, bajo el mismo sello editorial, Miguel: 15 años en la calle. Llorarás donde nadie te vea. "En este segundo cómic explico que, después del golpe, acepto lo que me ha pasado y empiezo una vida como indigente", nos cuenta, y añade: "Ahora, tengo la oportunidad de estar en el otro lado de nuevo, pero sigo siendo alcohólico, porque aunque ya hace años que no bebo, uno no deja nunca de ser alcohólico; la prueba es que si no lo fuera, podría beberne ahora una copa y eso no supondría una recaída, y sabemos que eso no es así". Una frase del cómic lo deja claro: “Soy alcohólico en abstinencia, pero consciente de que seré alcohólico el resto de mi vida”.

Fuster confiesa que de toda su vida en la calle, los momentos más amargos se producían cuando escuchaba las confesiones de las mujeres indigentes (le impactaba mucho más). En la plaza Berenguer conoció a Teresa, una mujer que siempre había vivido bien hasta que dio con un mal tipo y se dejó llevar por él, su marido la echó de casa y le prohibió volver a ver a sus dos hijas. Ella cada noche se dormía al lado de Miguel con un cartón de vino en la mano y se repetía “por mis hijas, mañana dejo de beber, por mis hijas, mañana dejo de beber”, pero fue repitiendo ese mensaje durante 20 años.

En el prólogo del segundo libro, Luis García Mozos, dibujante, editor y pintor, dice que Miguel tiene un estilo gráfico que ni él mismo sabía que llevaba dentro, y que se gesta en la marginación y la desesperación de su propia experiencia. Otra frase de fuerza en el cómic: “Es una situación infernal, pero me sentía libre. Sólo tenía un dueño… que no tiene rostro. Era tal la imposibilidad de dejar de beber, había fracasado tantas veces, que ya ni siquiera merecía la pena darle más vueltas”.

Cuando uno se acerca a Miguel para pedirle una dedicatoria a uno de sus cómics, se muestra completamente confiado, como si entre el lector y el autor no mediase distancia. Dibuja y dedica, pero no deja de explicar detalles de su vida que hacen que cualquiera que le oiga se quede sorprendido de que, a pesar de haber estado quince años en la calle, jamás haya perdido su extraordinaria lucidez y una madurez que hacen que cada mensaje que pronuncie se convierta en una pequeña lección de perseverancia: "por muy mal que vayan las cosas, siempre hay que luchar, hay que seguir adelante porque nunca se sabe cuándo puede llegar una oportunidad". El público del Salón del Cómic de Barcelona eligió este año darle a Miguel el premio a la Mejor Obra de Autor Español 2010.

LAS PORTADAS

Blog del autor: miquelfuster.wordpress.com

'La vida cotidiana', Daniel Gascón

2011-04-29T02:36:00.000+02:00

La vida cotidiana

Daniel Gascón

Ediciones Alfabia

1ª edición, enero de 2011

2ª edición, febrero de 2011

Género: Relatos

173 páginas

ISBN: 9788493794361

Imagínense que un día suben a un autobús en dirección a alguna ciudad a tres o cuatro horas de distancia de la suya por carretera y al lado se sienta un tipo de unos 30 años que le empieza a contar fragmentos de su vida. Ustedes no lo conocen, pero él le relata cómo su amigo Alberto se suicidió arrojándose por una ventana, cómo una novia suya (o más bien ex novia) está cada vez más desquiciada y lo único que él quiere es recuperar su banco de abdominales o incluso cómo su relación se tambalea tras acompañar a su pareja al dentista.

A los que nos aburren las historias cotidianas de los desconocidos donde en realidad no pasa nada extraordinario (y que muchas de ellas son sobre amoríos o relaciones de pareja que a mí personalmente me dan pereza), ese viaje en autobús se nos haría eterno y solo pensaríamos en llegar a nuestro destino lo antes posible. En cambio, si son ustedes de los que disfrutan con un rato de charla desenfadada, aquí tienen unas cuantos motivos para escuchar (en realidad leer) a un autor que convierte en literatura aspectos normales de la vida diaria (tan normales que, aun siendo algunos ficticios, es fácil que el lector se sienta identificado).

Desde el punto de vista formal, no hay nada reprochable en este libro. Se presenta como lo que es y no hay artificios que despisten al lector. La divergencia viene cuando uno se pregunta si realmente esas historias van a interesar a todos los lectores o alguno se quedará igual al leer una carta del autor a un amigo muerto o sus aventuras con sus novias, a las que ni conocemos ni probablemente querríamos conocer si en vez de personajes las tuviésemos presentes. Gascón tiene buena mano para escribir, pero no siempre es suficiente con saber contar historias, a veces es necesario que esas historias contengan algo relevante que activen la necesidad de escribirlas y de leerlas. No me he sentido seducido por estos fragmentos de cotidianidad, más bien me han resultado demasiado insustanciales, como si juntos crearan un diario personal de alguien que quiere hacer relevante lo que sencillamente es anodino.

'Los enamoramientos', Javier Marías

2011-04-26T00:57:00.000+02:00

Los enamoramientos
Javier Marías
Editorial Alfaguara
1ª edición, abril de 2011
Género: Novela
405 páginas
ISBN: 9788420407135

Cuarenta años después de su primera novela, Los dominios del lobo, que escribió con 19 años y que ahora reedita Alfaguara, Javier Marías regresa a la palestra con Los enamoramientos. Reconoce el autor que es una persona bastante insegura y que ningún éxito anterior (en este caso llega tras el reconocimiento obtenido con la trilogía Tu rostro mañana) puede garantizarle que su próxima novela sea publicable. Pero Javier Marías es, desde hace años (quizá desde siempre), una apuesta segura para miles de lectores.

Los enamoramientos arranca con la voz de María Dolz, narradora y protagonista, presentándonos al matrimonio que cada día ve en la cafetería donde desayuna: Miguel Desvern y Luisa. Parecen una pareja afortunada (se muestran totalmente compenetrados, disfrutan de buena situación económica, tienen hijos y hasta chófer), pero una mañana todo lo que han construido ambos se viene abajo cuando un tipo cualquiera, un desconocido sin razones aparentes, asesina a Miguel. Es en ese momento cuando María Dolz, que siempre había permanecido como espectadora pasiva de la buena salud del matrimonio, decide acercarse a Luisa y pasar a ser parte activa de un círculo de incertidumbres del que no querrá salir.

Esta podría ser una novela negra (hay una muerte, un asesino y un misterio que poco a poco va progresando), pero el lector ya curtido en la narrativa de Marías sabe que, en el fondo, las tramas son lo de menos; más bien son el soporte que sustentan una serie de certeras reflexiones que hacen que novelas como Los enamoramientos lleguen a convertirse en los clásicos del futuro. Lo avisa un personaje en esta novela: "Lo que pasó es lo de menos, y lo que ocurre en ellas da lo mismo y se olvida una vez terminadas. Lo interesante son las posibilidades e ideas que nos inoculan y traen a través de sus casos imaginarios, se nos quedan con mayor nitidez que los sucesos reales y los tenemos más en cuenta". Esta es la mejor síntesis de (la esencia de) la obra de Marías.

Los enamoramientos no habla del amor sino de los procesos de enamoramiento (y también de desenamoramiento), de ese estado en que todavía vivimos sometidos a la esperanza de que las cosas puedan cambiar, de que un gesto pueda tener un significado concreto y de que una mirada sea algo más que una simple coincidencia (aunque esto solamente sería una parte de todo lo que ofrece la novela). Todas esas ideas que narra Marías (ríanse ustedes de los libros de autoayuda) son tan exactas en relación a los sentimientos del lector, que hacen que se mantenga viva la idea del autor de no buscar que la literatura sea una forma de conocimiento, sino de reconocimiento: "leyendo reconoces cosas que no creías saber". Hace años que lo dice, lo practica y le sale bien. Con Los enamoramientos el lector entenderá muchas cosas sobre sí mismo y sobre el comportamiento del ser humano en determinadas circunstancias. Esta es una lectura imprescindible.

'Belfondo', Jenn Díaz

2011-04-19T00:10:00.003+02:00

Belfondo
Jenn Díaz
Editorial Principal de los Libros
1ª edición, 2011
Género: Novela
158 páginas
ISBN: 9788493831684 (cast.)
ISBN: 9788493859466 (cat.)

Poco, de momento, nos tiene que decir el nombre de Jenn Díaz puesto que estamos ante una primera novela y ante una joven autora que publica a los 22 años. De igual modo, a poco nos tiene que sonar este Belfondo, pueblo asfixiante y ficticio dominado por un amo que un día decidió levantar una comunidad de la nada y ahora mantiene a sus habitantes atrapados como en una tela de araña. Belfondo no existe, como tampoco existió Macondo, Comala o Yoknapatawpha, pero de forma muy natural, se integra a la perfección en esa geografía inventada de raíces hispanoamericanas.

Probablemente Belfondo tenga más de Comala que de cualquier otro pueblo, pero el paraje de Jenn Díaz contiene la particularidad de un estilo propio fruto de estudiadas lecturas. Podríamos decir que aquí está Faulkner, Onetti, Rulfo o García Márquez, pero también está Ana María Matute marcando esa pérdida de inocencia, ese paso forzado que hacen algunos personajes adolescentes a la vida adulta: "Enseguida se puso nerviosa sabiendo que cuando una niña deja de ser niña, cuando pasa a ser mujer, cuando eso ocurre, previamente hay un hombre que se fija en ella y se dispone a arrancarle la adolescencia de un tirón".

Los personajes de Belfondo son seres que necesitan ser arrancados de la vida bajo el poder del amo. Todo lo que tienen se lo deben a él y cuando el pueblo necesita algo, el amo se lo da. Pero bajo esa primera capa de sana convivencia, se esconde un mundo de frustraciones, deseos truncados, aspiraciones irrealizables y una red de mentiras y secretos guardados que hacen de Belfondo una bomba de relojería a punto de estallar. Sin embargo, el gran acierto de la autora es que no se deja llevar por la necesidad de desbordar la tragedia, sino que se limita a presentarnos a cada uno de los personajes y nos muestra lo diferente que es lo que se ve desde fuera y lo que se siente por dentro. Esa es la auténtica tragedia de Belfondo.

Cuesta creer que estemos ante una primera novela, sobre todo viendo cómo Jenn Díaz maneja el tiempo de la narración: no estamos ante un relato lineal, sino que damos vueltas a través de los personajes, avanzamos pero luego retrocedemos, adentrándonos en un ambiente donde las horas y los minutos son demasiado relativos. Prometedor despegue el de Jenn Díaz, que, de la mano de la editorial Principal de los Libros, acaba de poner la primera piedra para que dentro de treinta años se siga hablando de Belfondo.

'Emaús / Emmaús', Alessandro Baricco

2011-04-13T09:11:00.001+02:00

Emaús / Emmaús
Alessandro Baricco
Editorial Anagrama / La Magrana
1ª edición, marzo de 2011
Trad. al castellano de Xavier González Rovira
Trad. al catalán de Laia Font i Mateu
Género: Novela
150 pgs. / 128 pgs.
ISBN: 9788433975560 (cast.)
ISBN: 9788482649429 (cat.)

Definitivamente, Alessandro Baricco no sabe bajar el listón. Cada obra que nos presenta es totalmente diferente a la anterior, lo que motiva que algunos nostálgicos todavía esperen que el italiano escriba algo con esencia a Seda, quizá su libro más conocido. Pero lo cierto es que no le hace falta, porque invente lo que invente, siempre acaba dando resultado. Puede escribir una impecable novela llena de simblismo como Océano mar, donde los huéspedes de un hotel esperan largo tiempo sin saber exactamente el qué o un pintor que deja sus cuadros en blanco porque no puede captar los ojos del mar. Puede probar una mezcla entre teatro y prosa poética en el monólogo Novecento e incluso puede plantear una historia de venganzas, como en Sin sangre.

El Baricco que encontramos en Emaús parece tovadía más diferente y quizá más auténtico. El autor se centra en la evolución de un grupo de jóvenes italianos, educados religiosamente, que, en los años 70, tuvieron que enfrentarse al sexo, las drogas y las frustraciones personales, sin olvidar el temor a no seguir las pautas establecidas que venían marcadas por sus familias y por la Iglesia. Esos adolescentes temerosos pero ansiados de libertad, como lo era el propio Baricco, no dejan de plantearse cuestiones fundamentales sobre sí mismos: ¿están haciendo las cosas bien? ¿se han dejado llevar demasiado rápido ante determinados impulsos? ¿deben probar aquello que otros prueban? Y, sobre todo, ¿sirve de algo el camino que están recorriendo?

Emaús (título que hace referencia a un pasaje del Nuevo Testamento en el que Jesús, la tarde de su resurrección, se aparece a dos discípulos suyos sin que estos le reconozcan) tiene la esencia de Sleepers, la novela del neoyorkino Lorenzo Carcaterra, adaptada al cine por Barry Levinson, donde también unos jóvenes ejemplares y católicos ven cómo sus vidas dan un giro inesperado y demasiado crudo, y donde finalmente el protagonista, Carcaterra, acaba contando esa historia de juventud. La diferencia es que los personajes de Baricco parecen condenados desde el principio y obligados a una tortuosa rutina de la que da cuenta el narrador: "cada vez que regresábamos a casa, al empujar la puerta sondeábamos ese silencio, para ser capaces de comprender si se trataba de la sumisa melancolía de siempre o del vacío del desastre".

A pesar de que Emaús es ficción, hay mucho de autobiográfico en estas páginas y aunque Baricco no llegó a mascar la tragedia, sí lo hicieron otros viejos amigos que han inspirado la novela. Les animo a que no se pierdan esta historia cruda, metafórica pero realista a la vez, donde el ritmo crece hasta estallar al final y con la que, como siempre, Baricco demuestra que es uno de los escritores europeos a tener siempre en cuenta. Una novela para leer y releer.

'Prométeme que serás libre / Promet-me que seràs lliure', Jorge Molist

2011-04-11T00:50:00.001+02:00

Prométeme que serás libre / Promet-me que seràs lliure
Jorge Molist
Editorial Temas de Hoy / Columna
1ª edición, marzo de 2011
Género: Novela histórica
767 pgs. / 784 pgs.
ISBN: 9788484609537 (cast.)
ISBN: 9788466413456 (cat.)

Aunque la novela histórica nunca haya dejado de estar de moda, se puede decir que en los últimos años nos ha llegado con rachas más o menos intensas. En este 2011, el trimestre que desemboca en el Sant Jordi, las editoriales han engrasado su maquinaria con apuestas que apuntan a Barcelona como escenario de diversas tramas ambientadas en distintos marcos históricos. Con una ambiciosa primera edición de 80.000 ejemplares en castellano y 20.000 en catalán, Temas de Hoy y Columna ponen al alcance del lector la nueva novela de Jorge Molist, autor especialista en el género histórico que ya demostró su solvencia con El anillo y La reina oculta.

Prométeme que serás libre (Promet-me que seràs lliure) narra la historia de transformación del joven Joan Serra, natural del municipio ampurdanés de Llafranc, que ve cómo unos corsarios sarracenos matan a su padre y toman como esclavas a su madre y hermanas. Antes de morir el padre de Joan, le hace prometer a su hijo que, ante todo, jamás dejará de luchar por su libertad. Con estas palabras grabadas en la memoria ("Prométeme que serás libre"), Serra se dirige a Barcelona, expulsado de Llafranc por orden religiosa, para intentar construirse allí un futuro junto a su hermano pequeño, que también se salvó del ataque. Sin embargo, Joan no podrá quitarse de la cabeza buscar a su familia y vengar la muerte de su padre.

La trama transcurre en los últimos años del siglo XV, a caballo entre el ocaso de la Edad Media y las primeras luces del Renacimiento. La estructura es bastante clásica y, de hecho, la trama no se aleja de la línea ya recorrida por anteriores novelas del género como La catedral del mar, de Ildefonso Falcones, o Te daré la tierra, de Chufo Lloréns. En todas ellas, el protagonista es un niño que, tras perder a sus padres, debe enfrentarse solo a su futuro, en el que se enamorará de una joven de distinta clase o religión, tendrá algún amigo esclavo musulmán y poco a poco irá escalando socialmente mientras vive diversas aventuras por Barcelona y alrededores.

Sin embargo, la novela de Molist no se estanca en Barcelona sino que la ciudad condal es uno más de los escenarios por los que pasa el protagonista (Roma, Nápoles o Sicilia son otros), aunque es en la capital catalana donde Joan Serra empezará a ser un hombre y es allí también donde toma contacto con la profesión de librero, trabajo que impregna cada una de esas aventuras. Molist logra mantener el ritmo durante toda la novela (es de esas lecturas que, aunque superan las setecientas páginas, se consumen en un suspiro y se disfrutan), los personajes están perfectamente resueltos, lo que hace que el lector les tome cariño, incluso a los malos. Y es que en Prométeme que serás libre los malos no son tan malos y los buenos a veces no son tan buenos.

Hay que decir, no obstante, que chirría demasiado que el autor ponga conversaciones en boca de sus personajes en las que se habla con admiración del Renacimiento (tal cual, textual, y en mayúsculas), sabiendo que nadie que viviese a finales del XV hablaría de un movimiento cultural que no fue acuñado hasta unos siglos más tarde. De cualquier modo, como novela histórica, cumple con lo que se espera de ella: que entretanga (incluso conmueve), que haga digerible la documentación, que la trama sea creíble y que los personajes parezcan de verdad de carne y hueso, a pesar de que, todo hay que decirlo, aquí los personajes tienen los sentimentos a flor de piel y se echan a llorar con demasiada facilidad.

'L'home de la maleta', Ramon Solsona

2011-04-07T00:03:00.000+02:00

L'home de la maleta
Ramon Solsona
Proa Editorial
1ª edició, febrer de 2011
Gènere: Novel·la
295 pàgines
ISBN: 9788475882208

Des de fa temps, la literatura catalana viu un debat al voltant de la conveniència d'utilitzar l'argot en les novel·les. ¿S'ha de respectar la normativa i escriure en un llenguatge purament literari o els autors poden recórrer als barbarismes, tal qual succeeix moltes vegades en el llenguatge oral? Tot i que alguns escriptors han temptejat aquest terreny en les seves obres (Teresa Solana o el propi Ramon Solsona són un parell d'exemples), ningú ho ha fet d'una manera tan clara i directa com Solsona en L'home de la maleta, novel·la que li ha valgut el Premi Sant Jordi, un dels guardons més prestigiosos de la nostra literatura.

Solsona crea un personatge irritable, un home gran, rondinaire, que veu com la societat es converteix massa ràpidament en allò que abans semblava impossible: relacions homosexuals, famílies monoparentals, assimilació de la immigració o el tracte poc respectuós d'un nen cap al seu avi. El discurs el porta tota l'estona aquest protagonista, que, per una banda, es dedica a recordar la seva infància i joventut i, per l'altra, analitza sota els seus valors morals (sota l'educació que ell ha rebut), el que veuen els seus ulls en el segle XXI. L'home, el de la maleta, parla un català ple de castellanismes massa exagerat que pot fer que el lector no ho vegi versemblant i, en conseqüència, s'allunyi del personatge i de la novel·la.

Costa creure que una persona digui a la vegada "llamar l'atenció", "antes", "aplausos", "he tingut de batallar", "ànimos", "qüento", "sillón", "apellido", "hasta", "lograr", "crimen", "etivocar" o "llimpiesa", però sobretot costa de creure quan aquest personatge utilitza, en el mateix discurs, altres expressions més cultes, perquè acaba semblant una barreja massa forçada. I utilitzo el verb "semblar" perquè, tenint en compte el rigor lingüístic de l'autor, ningú més que ell sap si aquest parlar tan exagerat se l'ha trobat de debò, però en qualsevol cas s'ha de tenir present l'ampli ventall de lectors que pot arribar a aquesta novel·la i que potser a molts d'ells (de nosaltres) els acabarà grinyolant el personatge.

La novel·la proposa una història entretinguda que desperta el nostre interès molt ràpidament, però quan s'arriba a la meitat del llibre, un acaba esperant que passi alguna cosa diferent, ja que l'autor dedica masses pàgines a acumular situacions que no quadren en la ment del protagonista i això deixa una sensació de repetició que pot cansar al lector. De qualsevol manera, tot s'ha de dir, aquesta és una novel·la arriscada i sempre és d'agrair que els autors apostin per experimentar en literatura i amb la llengua, encara que a alguns no ens convenci el resultat. Això sempre estimula el debat i fa avivar la nostra cultura.

'El koala asesino', Kenneth Cook

2011-04-04T10:58:00.001+02:00

El koala asesino

Kenneth Cook

Sajalín Editores

1ª edición, marzo de 2011

Trad. de Federico Corriente
Ilustraciones de Güido Sender
Género: Relatos

213 páginas

ISBN: 9788493805159

Poco sabemos en España sobre Kenneth Cook, autor australiano fallecido hace venticuatro años que, además de escritor, era periodista, presentador de televisión, guionista, político circunstancial y, ¡atención!, creador de la primera granja de mariposas de Australia. Un tipo tan conocedor de la sociedad de su país y con pintas de tener un extraordinario sentido del humor no podía dejar de escribir un libro como este. El koala asesino es un compendio de relatos irónicos, algo disparatados y cercanos al absurdo, donde los personajes tienen que enfrentarse a situaciones que solo pueden ocurrir en la Australia profunda.

En el relato que da título al libro se nos presenta una situación que resume, a grandes rasgos, la esencia de estas historias. Narrado en primera persona, un australiano que no entiende que se hagan muñecos de peluche de koalas, ya que no son animales tan sociables como parecen, de repente es atacado por uno de ellos: "¿Alguna vez habéis intentado correr con las garras de un koala clavadas en el pecho y los muslos y sus dientes clavados en la entrepierna? -se pregunta- Es imposible". En otro de los relatos, el que abre el libro (Serpientes y alcohol), presenta a Blackie, un tipo solitario y algo desquiciado que vive en una furgoneta de mudanzas cargada con un centenar de serpientes con las que viaja esperando encontrar un público dispuesto a pagar por verlas. En otro (Sexo y cocodrilos), un viajero acompaña aterrado a un profesor de ciencias naturales que no es capaz de verle el peligro a los enormes dientes de un cocodrilo porque está demasiado enfrascado en fotografiar el apareamiento de la especie.

El autor avisa constantemente de que cada una de las historias que cuenta son ciertas, pero son tan extrañas que lo más probable es que nadie se las crea. Aunque esto suene a otra de sus ironía, la verdad es que lo que nos narra es tan ajeno a nosotros, que tampoco sería tan decabellado pensar que algo de verídico hay. Cook retrata la fauna típica australiana (koalas, cocodrilos, serpientes y camellos, entre otros), los paisajes áridos y desérticos tan típicos de la zona profunda del país y hasta a hombres a los que "puedes estafar, darte a la fuga con su mujer, seducir a su hija, corromper a sus hijos e incluso robarle el perro y todavía cabe la posibilidad de que te perdone, pero como te niegues a beber con él formarás parte de la estirpe de los dingos, serás un paria irredento para siempre jamás, indigno de la bala que en caso contrario estaría encantado de descerrajarte".

El koala asesino es el primer volumen de una trilogía de libros de relatos humorísticos, al que siguen Wombat Revenge y Frill-necked Frenzy, todavía no traducidos en España. Vale la pena acercarse a la Australia salvaje que nos muestra Cook a través de estos quince relatos tan brillantes, tan bien introducidos por las ilustraciones de Güido Sender e incluso me atrevería a decir que tan imprescindibles. El autor mantiene el ritmo en todo momento y les garantizo que cada relato que lean les va a gustar más que el anterior y al final van a lamentar que no haya al menos veinte o treinta piezas más para seguir disfrutando de estas cómicas historias australianas. Y, créanme, no olvidarán jamás que los cocodrilos son muy rápidos en distancias cortas, que las serpientes taimanes son mortíferas y que el aliento de los camellos huele a mil demonios.

Sebastià Bennasar demostra la pluralitat de la novel·la negra catalana

2011-04-02T10:18:00.002+02:00

Bennasar es fa el mort entre els autors Pep Blay (esquerra) i Lluís Llort (dreta)

L'assaig repassa la transformació social dels països catalans a través del gènere negre

Manel Haro. Barcelona (Text i foto ©)

Hi ha qui diu que la literatura catalana va mancada d'autors de gènere negre, mentre que altres consideren que n'hi ha molta i, a més, de la bona, però que, i aquest és el gran problema, no és prou coneguda. Per demostrar la varietat que les nostres lletres ofereixen als lectors de novel·la negra, el periodista mallorquí Sebastià Bennasar ha escrit Pot semblar un accident (Meteora), un assaig on recull un bon grapat de títols provenents de tot l'àmbit dels països catalans: "Si el lector vol una trama barrejada amb escenaris de fred, té els llibres de l'andorrà Albert Villaró; si vol altres inspirades en xarxes de prostitució, té a Salvador Balcells; i si prefereix anar-se'n a Amsterdam i tornar, pot llegir el darrer llibre de Jaume Benavente", explica Bennasar.

I és que més enllà dels noms més coneguts actualment, com Teresa Solana o Marc Pastor, hi ha un munt d'autors catalans que no tenen tanta presència mediàtica o bé que, tot i tenint-la, no se'ls reconeix com a escriptors de gènere negre. El que planteja Bennasar en aquest volum és un retrat de la transformació que ha experimentat la societat dels països catalans en els darrers anys (concretament entre 1999 i 2010) a través de la novel·la negra, perquè, a fi de comptes, és difícil dissociar gènere negre i referències socials. Per parlar de la corrupció i l'urbanisme salvatge, cita les novel·les del valencià Ferran Torrent; per centrar-se en el turisme, posa com a exemple les obres de Llorenç Capellà o Miquel Vicens; el terrorisme islàmic passa per la novel·la de Xavier Bosch (Se sabrà tot) i les màfies russes per la de Salvador Balcells (La taca negra).

L'anàlisi de Bennasar va més enllà i analitza el gènere de la no ficció, amb l'obra de Carles Porta sobre els crims de Tor, i la de Joan Manuel Oleaque sobre el cas Alcàsser. També hi ha espai per les nits vampíriques i la "violència postapocalíptica" amb referències a Pep Blay o Lluís Llort. L'autor avisa que en aquest assaig "hi ha novel·la molt bona, però també molt horrorosa" , però haurà de ser el lector qui decideixi què vol llegir o què no vol llegir en funció de les trames que proposen els diferents escriptors estudiats o dels seus escenaris.

NOVEL·LA NEGRA EN CATALÀ

Sergio Vila-Sanjuán le quita los complejos al best seller

2011-03-30T12:20:00.001+02:00

"Dar la espalda a los superventas es como negar a los miles de lectores que hay detrás"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto ©)

Alguien tenía que decirlo de una vez por todas y ese ha sido Sergio Vila-Sanjuán, coordinador del suplemento Cultura/s de La Vanguardia, novelista y experto en las interioridades del mundo editorial, que ahora publica Código best seller (Temas de Hoy), un volumen donde analiza "las lecturas apasionantes que han marcado nuestra vida", como indica el subtítulo.

"Parece que hay cierto reparo en reconocer que el libro que nos ha marcado de jóvenes ha sido un superventas, cuando es algo normal", afirma el autor, que añade que "lo raro sería si todo el mundo dijera que la novela más importante de su vida ha sido el Ulises de Joyce". Código best seller es un volumen sin complejos que estudia el fenómeno de setenta títulos clave de la historia de la literatura, desde Ivanhoe (1819) de Walter Scott, hasta la trilogía Millenium (2004-2006) de Stieg Larsson, y pasando por La sombra del viento (2001) de Carlos Ruiz Zafón, El código da Vinci (2003) de Dan Brown, El nombre de la rosa (1980) de Umberto Eco o Cien años de soledad (1967) de Gabriel García Márquez.

Vila-Sanjuán establece las diferencias entre best seller, long seller, mega seller o fast seller y analiza las razones que han llevado a determinados autores a convertirse en superventas. "Por mucho marketing que se le aplique a un libro, el fenómeno best seller suele ser inesperado y nace de forma espontánea", asegura Vila-Sanjuán. Y es que pocos esperaban éxitos tan rotundos como el que cosecharon La sombra del viento, El código da vinci o, el más reciente, El tiempo entre costuras, de María Dueñas, que salió al mercado con una primera edición de 3.500 ejemplares y actualmente ha superado la cifra de 780.ooo ejemplares vendidos y se espera alcanzar el millón.

Otro caso clave es la tercera entrega de la trilogía Millenium, La reina en el palacio de las corrientes de aire, que en un solo día vendió 200.000 ejemplares en España, superando el fenómeno Harry Potter, otra de las sagas mencionadas en Código best seller. Si los editores defienden siempre que los ingresos de los libros superventas hacen posible publicar a otros autores menos comerciales, Vila-Sanjuán asegura que "todas las editoriales necesitan un par de best sellers al año para mantener activa la maquinaria".

OTROS TÍTULOS CON HISTORIA

(analizados en Código best seller)

Alessandro Baricco retrata las ansias de libertad bajo una 'férrea' educación religiosa

2011-03-26T16:31:00.000+01:00

"No puedo pasarme toda la vida escribiendo Seda"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto ©)

Nadie podrá decir que el escritor italiano Alessandro Baricco tiene siempre el mismo discurso literario. A pesar de que los lectores más nostálgicos todavía esperan que Baricco les brinde otra novela con esencia a Seda, probablemente su libro más conocido, él sigue buscando argumentos totalmente diferentes: "No puedo pasarme toda la vida escribiendo Seda, no tengo la capacidad de estar cantando siempre la misma canción", bromea. Esta vez el autor ha querido recuperar parte de su juventud en su última novela, Emaús (Anagrama/La Magrana).

Imitando un pasaje del Nuevo Testamento en el que Jesús, la tarde de su resurrección, se aparece a dos discípulos suyos sin que estos le reconozcan, Baricco saca partido a su adolescencia, marcada por una fuerte educación religiosa, para recrear la evolución de un grupo de jóvenes que, en los años 70 italianos, tuvieron que enfrentarse al sexo, las drogas y las frustraciones personales, sin olvidar el temor a no seguir las pautas establecidas que venían marcadas por la educación recibida. Baricco puntualiza que, en su juventud, "lo más trágico que viví fue irme de casa a los veinte años, lo que supuso que mi padre se enfadara y mi madre llorara, pero he tenido amigos que sí han vivido episodios auténticamente dramáticos y en ellos me he inspirado para escribir Emaús".

El autor, que no duda en afirmar que "la educación religiosa demasiado férrea crea inadaptados que acaban estando sometidos a grandes dificultades", dice sentirse afortunado de que su salida de ese mundo religioso se produjera de forma gradual y sin ningún shock, "algo que no puede decir mucha gente que conocía entonces". Emaús es el reflejo de ese estado en el que unos niños pasan a ser adolescentes y ven que sus deseos de libertad se ven coartados a pesar de que a su alrededor empiezan a producirse una serie de cambios a los que ellos no tienen permiso aspirar.

LAS PORTADAS

Ian McEwan novela una versión irónica de la lucha contra el calentamiento global

2011-03-24T10:44:00.000+01:00

"Debemos pensar en el desprecio que sentirán las generaciones futuras por lo poco que hacemos para combatir el cambio climático"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto ©)

Así de claro lo tiene el escritor británico Ian McEwan, que, en el marco del festival literario Kosmopolis 2011, presenta su última novela, Solar (Anagrama/Empúries). Concienciado con los problemas que está generando el calentamiento global en el planeta, McEwan propone al lector una reflexión con tintes cómicos sobre cuestiones tan importantes como el cambio climático. La idea de escribir Solar nació después de que el autor asistiera a una conferencia donde se trataba este tema y en la que participaron varios Premios Nobel, galardón que tiene el protagonista de la novela, Michael Beard.

Beard es un físico que vive sus horas más bajas. Después de haber estado en la cima de la ciencia, ahora, superados los cincuenta años, ve cómo su vida se va desmoronando poco a poco y su quinto matrimonio está a punto de hacer aguas. Cansado de ser un burócrata que vive de viejas glorias, Beard buscará su oportunidad de recuperar el esplendor perdido haciendo algo importante en beneficio del planeta. "No he pretendido crear un héroe con espada que busca salvar el mundo, sino más bien una versión extrema de nosotros mismos", matiza McEwan.

El autor de Expiación y Chesil Beach explica que se ha valido del humor para evitar que el lector se enfrente a un tema que puede resultarle hostil, como es el cambio climático. La novela se inspira en un viaje que el propio McEwan realizó al Ártico, junto a otros 25 artistas, en el que por la mañana visitaban la zona y por la tarde discutían este tipo de cuestiones y "de algún modo, refleja la debacle de la Cumbre de Copenhague de 2009". El autor reconoce que "lo poco que se puede hacer con la literatura es ayudar a reflexionar, porque los libros no pueden salvar el mundo ni ir contra el interés de la política", aunque ha avisado que un problema importante es que "la sociedad vive demasiado para su tiempo y no es consciente de que algún día las generaciones futuras sentirán desprecio por lo poco que hacemos para combatir el cambio climático".

McEwan no ha podido evitar referirse a la energía nuclear y ha explicado que, aunque en el pasado estaba en contra, "actualmente es imposible vivir sin ella al menos hasta dentro de cuarenta años, ya que las ciudades no pueden mantenerse con energías renovables". No obstante, el autor ha puntualizado que el problema de las centrales nucleares viene cuando se levantan en zonas de placas tectónicas, como es el caso de Fukushima.

LAS PORTADAS

Entrevista con Dan Fante, autor de 'Chump Change'

2011-03-21T00:51:00.003+01:00

A pesar del aspecto de tipo duro que muestra Dan Fante, en realidad es tan accesible que hasta parece que quiera quitarle méritos a lo que ha escrito. Champ Chunge (Sajalín Editores) es un retrato imprescindible sobre la figura de John Fante, su padre y escritor también, autor de La hermandad de la uva o Pregúntale al polvo, pero sobre todo es una profunda reflexión de un hijo que quiere recordarle a su padre que, a pesar de haber vivido su egoísmo y autocomplacencia, nunca dejó de quererle. Dan Fante escribe así, de forma brillante, un homenaje a John, quien no consiguió en vida el reconocimiento que buscaba.

"Una vez escrito este libro, doy por saldados los conflictos que tenía con mi padre, John Fante"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto ©)

Alcohol, sexo con prostitutas, peleas, ataques de ira, robos... ¿De verdad lo que cuenta es autobiográfico?

En gran medida sí lo es, yo tenía muchos problemas con el alcohol y era agresivo. Pero he cogido diez años de mi vida y los he condensado en dos semanas, que es lo que sale en la novela. Los personajes existieron. Por ejemplo, conocí a la prostituta cuando ella tenía catorce años y entonces ya ejercía como tal. El perro que aparece y que acompaña al protagonista durante buena parte de la novela también es real. Era el perro de mi padre al que él quería muchísimo y en el libro lo he puesto también para establecer un contrapunto entre la relación que tenía él con el animal, yo con el perro y luego yo con mi padre.

¿Realmente su relación con su padre, John Fante, era tan distante como muestra en la novela?

Sí, pero la novela es un homenaje a él. Yo le quería y él lo sabía, solo que él era una persona demasiado austera.

Pero hace un duro retrato de él y, de hecho, su padre hacía exactamente lo mismo del suyo en sus libros. ¿No le hace pensar algo sobre las figuras paternas en su familia?

Mi padre idealizaba a su padre y lo hacía más romántico de lo que era, cuando mi abuelo en realidad era un tipo demasiado difícil, ¡era un mierda! Ellos eran típicamente italianos, también típicamente latinos, muy egoístas, vivían para sus propias satisfacciones y hacían lo que querían sin considerar a otras personas. Iban mucho de patriarcas que pensaban demasiado en sí mismos.

¿Y no teme que su hijo siga la tradición y algún día escriba sobre usted?

No, mi relación son mi hijo es muy diferente de la que tenía yo con mi padre. Mi hijo disfruta conmigo porque también es una generación distinta y una época diferente. Mi mujer, por ejemplo, es muy cercana a mi hijo, igual que yo. Ella es una madre maravillosa y nos lo pasamos en grande juntos. Si algún día mi hijo escribe, no tengo nada que temer.

¿Siente que, una vez ha escrito la novela, conoce mejor a su padre?

Escribir me ha hecho sentir más cercano a él. Antes de meterme en el libro, tenía muchos conflictos con él y tras acabarlo, sentí que hicimos las paces. Ha sido una experiencia terapéutica, una especie de catarsis que me ha ayudado a sentir compasión por él.

¿Siente que le quedó algo por decirle?

Él sabe que lo quiero. Cuando escribía, mi padre estaba detrás de mí indicándome cómo debía escribir, ¡haz esto, no hagas lo otro! Por lo tanto, él ha estado muy presente en el proceso de escritura y, de algún modo, sabe lo que siento. De hecho, empecé a escribir Chump Change con su máquina de escribir y con su papel amarillento.

Parece que su padre le instruyó mucho para que fuera usted escritor. ¿Es verdad que incluso le dijo que mejor leyera sus novelas antes que las de Hemingway?

¡Absolutamente! Luego a mí me ocurrió algo que he plasmado en la novela: en una librería de segunda mano me encontré un libro de mi padre junto a los de Hemingway y Scott Fitzgerald y le dije al librero que no podía leer a esos dos y no conocer la obra de John Fante aunque él se mostró muy reticente a creerme.

John Fante se sentía desaprovechado por su trabajo como guionista de cine y lamentaba el poco reconocimiento que recibían sus novelas. ¿Qué cree que pensaría ahora si supiera que es un novelista muy respetado dentro y fuera de su país?

Se sentiría muy complacido. Cuando él estaba vivo no era famoso, a pesar de que sabía que era buen escritor. No tuvo suerte con lo que publicaba y ahora estaría muy contento de saber el reconocimiento que tiene. Y yo también estoy muy agradecido por ello.

Usted escribe sobre lo que vivió. ¿Recomienda empezar en la literatura escribiendo obras que hablen de uno mismo?

Sí, aunque es muy difícil para mucha gente escribir sobre su vida. Es un desafío ser honesto con lo que uno siente, especialmente para los que empiezan. Es una forma de conocerse a uno mismo y de entender determinadas circunstancias vividas. Además te humaniza, te hace ser más compasivo con los demás. Es como una especie de exorcismo.

¿En sus otras novelas recupera la figura de su padre?

No como en Chump Change. Yo escribí este libro porque vi que mi padre se hacía famoso en América cuando ya había muerto y que había lectores interesados en sus novelas. Tuve la necesidad entonces de expresarle lo que sentía. Chump Change es una carta de amor para decirle cuánto le quería.

¿Y no le ha quedado nada pendiente?

No, ahora ya estoy mucho más tranquilo.

LA RESEÑA

Albert Espinosa dedica su última novela a los que quieren ser diferentes

2011-03-18T01:30:00.001+01:00

"A veces encuentras a personas que te cambian la vida y yo he querido homenajear a los que lo hicieron conmigo"

Manel Haro. Barcelona (texto y foto ©)

Después del éxito de público de El mundo amarillo y Todo lo que podríamos haber sido tú y yo si no fuéramos tú y yo, Albert Espinosa vuelve a la carga con Si tú me dices ven lo dejo todo... pero dime ven (Grijalbo en castellano y Rosa dels Vents en catalán). Fiel a los títulos largos, Espinosa se centra esta vez en una novela "dedicada a aquellos que quieren ser diferentes y luchan contra aquellos que desean que seamos iguales". El protagonista es Dani, dedicado a la búsqueda de niños desaparecidos y que uno de sus casos le lleva a la isla de Capri, lugar que activará los recuerdos de su niñez y especialmente de dos personajes que marcaron su vida, el Sr. Martín y George.

"A veces te encuentras con algunas personas que te cambian la vida y en la novela he querido homenajear a los que lo hicieron conmigo", explica Espinosa, quien añade que buena parte de la novela se nutre de experiencias reales que ha vivido él o que le han contado personas cercanas: "escribí el libro cuando rodaba Polseres vermelles [serie de televisión que se emite en TV3], por lo que me ayudó mucho escuchar las historias que me contaban algunos adolescentes y que he plasmado en estas páginas".

Firme defensor de la sentencia "cuando crees que conoces todas las respuestas, viene el universo y te cambia todas las preguntas", el autor asegura que se da por satisfecho si el lector, al final de la novela, se queda con dos o tres frases que le cambien de alguna manera. A pesar de sus continuos trabajos en cine (Planta 4ª, entre otras películas), teatro (No me pidas que te besé porque te besaré o Los pelones) y guiones para televisión, Espinosa garantiza que seguirá trabajando para publicar una novela al año "como hace Stephen King".

Chufo Lloréns vuelve a las andadas del siglo XI barcelonés con 'Mar de fuego'

2011-03-15T12:42:00.000+01:00

"En esta novela, los buenos son muy buenos y los malos, más que malísimos, son asquerosos"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto ©)

Pretender contar todos los avatares del siglo XI barcelonés en una novela histórica puede parecer imposible, por lo que el superventas Chufo Lloréns, que arrasó hace tres años con Te daré la tierra (Grijalbo/Rosa dels Vents), vuelve a la carga con otra entrega ambientada en este mismo siglo, también en Barcelona, y, de paso, aprovechando idénticos personajes. Lejos de parecer una repetición de la fórmula que tanto éxito le dio en su anterior novela, en Mar de fuego (Mar de foc en catalán) Lloréns se centra en la hija de Martí Barbany, próspero comerciante barcelonés, que ve cómo una amenaza se cierne sobre su familia con la firme intención de saldar cuentas pendientes. "Decidí seguir con el siglo XI porque, tras Te daré la tierra, me quedó mucha documentación que iba a desperdiciar", apunta el autor.

La novela, que puede leerse de forma independiente de la primera, es, en esta ocasión, más coral y con más personajes, "los buenos son muy buenos, pero los malos, más que malísimos, son asquerosos", afirma Lloréns poco antes de reconocer que una de las claves del éxito de una novela histórica es que los capítulos sean breves y que cada uno de ellos plantee situaciones diferentes sin que necesariamente sigan el hilo del anterior. "En Mar de fuego el 75% de lo que cuento es acción y el otro 25% es descripción, algo fundamental para no aburrir al lector y evitar así pasarse todo un capítulo detallando cómo sale el sol, porque entonces dan ganas de dejar el libro", explica.

En la trama son pieza clave algunos personajes históricos reales, como Ramón Berenguer I y su primogénito o Almodis de la Marca, que en la novela se muestra ocupada buscando un nuevo heredero y apartar así al colérico Pedro Ramón de la sucesión. Barcelona es nuevamente escenario de tramas y subtramas con personajes pintorescos y diversos, como esclavos, prostitutas, cortesanas, nobles, plebeyos, sirvientes, cristianos y musulmanes que mostrarán su benevolencia, pero también su codicia, lujuria, traición y lo que nunca puede faltar, la ambición. Lloréns asegura que, a pesar de que el siglo XI "es una época que, sin añadir ningún tipo de ficción, ya podría explicarse como una novela de varias entregas", con Mar de fuego da por zanjado este siglo.

LAS PORTADAS

(Grijalbo / Rosa dels Vents)

'L'últim dia abans de demà / El último día antes de mañana', Eduard Márquez

2011-03-14T11:17:00.000+01:00

L'últim dia abans de demà / El último día antes de mañana
Eduard Márquez
Editorial Empúries / Alianza
1ª edición, febrero de 2011
Género: Novela
150 pgs. / 168 pgs.
ISBN: 9788497876858 (cat.)
ISBN: 9788420648767 (cast.)

Dice Eduard Márquez que esta novela surgió tras una noche en vela pensando en qué le había pasado a su amigo de juventud para haber acabado arrastrando un carro de supermercado y tocando bastante mal la harmónica a cambio de unas monedas en el centro de Barcelona. Aunque El último día antes de mañana no sea una manera de responderse a sí mismo qué hubiese ocurrido si en vez de pasar de largo, hubiese invitado a su casa a ese viejo amigo, lo cierto es que lo que presenta la novela es una versión ficticia de las consecuencias que se hubiesen derivado de haberle acogido.

Pero la visión de su amigo mendigando no es el eje de la novela, sino la chispa que activa un motor que mueve una máquina (aparentemente) más compleja. En estas páginas hay una vuelta al pasado, una mirada a la infancia que recorre los pasillos de un colegio de curas, a la juventud que emerge forjando sueños y flirteando con el LSD y a la edad adulta,cuando la vida parece evidenciar que la cosa va en serio. Y así es como se estructura la novela, a base de imágenes muy concisas que van apareciendo de forma intermitente: a veces es un cura armado con una caja de pastillas Juanola y otras es el sueño de una amiga que no sabe que pronto despertará de él.

El drama late en la novela a través de la muerte de la pequeña Jana, hija del protagonista. Lo que el autor pretende no es sorprender ni dar giros argumentales, dado que desde el principio muestra cuáles son sus bazas. La esencia de la novela, en realidad, es ese espejo roto en que cada pedazo muestra una parte de la vida del protagonista (muchos de ellos coincidentes con la del propio autor, que ha reconocido la carga autobiográfica del libro). La historia del amigo mendigo, en cambio, desestabiliza el resto de la novela ya que, por un lado, resulta demasiado forzada, no aporta nada más allá de activar la memoria del protagonista y además da pie a situaciones inverosímiles que no encajan y desvirtúan el auténtico núcleo de la novela.

Es innegable que la prosa de Márquez funciona como un engranaje perfecto, pero la novela es más sencilla de lo que parece y está llena de escenas que hemos leído o visto en cine muchas veces, aunque no dejan de ser pertinentes dado que conforman el imaginario (y vida) del propio autor. En definitiva, El último día antes de mañana narra una historia sencilla pero hábilmente estructurada y escrita con precisión.

'Viaje de invierno / El Viatge d'hivern', Amélie Nothomb

2011-03-10T10:57:00.003+01:00

Viaje de invierno / El Viatge d'hivern

Amélie Nothomb

Editorial Anagrama / Empúries

1ª edición, marzo de 2011

Trad. al castellano de Sergi Pàmies

Trad. al catalán de Ferran Ràfols
Género: Novela

120 pgs. / 96 pgs.

ISBN: 9788433975574 (cast.)

ISBN: 9788497876872 (cat.)

Leyendo algunas novelas uno se pregunta qué motiva que grandes autores que han demostrado su solvencia durante largo tiempo, de repente bajen sus exigencias y se limiten a escribir una obra al año con historias insulsas, difíciles de digerir, e incluso a veces provocando el desconcierto del lector. Amélie Nothomb (la autora de Cosmética del enemigo, entre otros buenos libros) es una de esas escritoras que hace tiempo que parece que han tirado la toalla y se conforman con aquello del créate la fama y échate a dormir.

Viaje de invierno (El Viatge d'hivern en catalán) se centra en la relación imposible entre un inspector de una empresa subministradora de energía y una mujer que está al cuidado de una escritora que sufre autismo, pero que extrañamente escribe novelas de éxito. La pretendida no quiere renunciar ni un segundo a la autora, por lo que el hombre verá que no puede mantener relaciones con ella sin la atenta mirada de la otra. Ante esta situación, el inspector decide secuestrar y estrellar un avión para demostrarle a su amante hasta qué punto sus sentimientos iban en serio.

Lo que acabo de relatar es, grosso modo, lo que dice la contraportada y, en realidad, es lo que el lector averigua cuando lleva leídas diez páginas de la novela. No hay misterio que resolver ni nada que no sea la simple descripción de una situación inverosímil, forzada y totalmente innecesaria. Decir que la autora plantea un relato donde juega con el absurdo al estilo de Beckett parece la única salida viable para justificar el sinsentido de Viaje de invierno. Beckett es mucho Beckett y Nothomb juega en una división muy diferente. Alguien debería decirle a Nothomb que sus historias paranoicas hace años que carecen de ingenio y esta probablemente sea la más floja que ha escrito.

'Chump Change', Dan Fante

2011-03-09T17:52:00.001+01:00

Chump Change

Dan Fante

Sajalín Editores

1ª edición, marzo de 2011

Trad. de Claudio Molinari Dassatti

Género: Novela

240 páginas

ISBN: 9788493805142

Hay novelas que aterrizan en España de forma discreta, casi sin hacer ruido, aunque con el objetivo de dar la cara ante fenómenos editoriales que llegan con más artificio que calidad. Quizá Dan Fante no suene demasiado dado que esta es la primera novela que se traduce en España, pero este tipo que viaja con sombrero vaquero y aspecto de Truman Capote es el hijo de John Fante, uno de los autores más sobresalientes (y olvidados en vida) de las letras estadounidenses.

En Chump Change Dan Fante rinde homenaje a un padre que creyó sacrificar su talento en servicio de flojos guiones para Hollywood y que murió pensando que su obra narrativa no acabaría de obtener el reconocimiento que merecía. El gran John Fante, un tipo solitario, quizá demasiado egoísta, muy irritable y angustiado por su propia vida, aparece en esta novela como un despojo en una cama de un hospital, ya sin piernas, consumido por la diabetes, y agonizando a la espera de que Bruno Dante (trasunto del propio Dan Fante), le dé el último adiós. Pero Bruno Dante, con tendencias suicidas e inquietantes inclinaciones sexuales, no puede olvidar la mala relación con su padre ni controlar su propia adicción al alcohol ni sus impulsos agresivos.

Mientras la vida se le escapa a Jonathan Dante (John Fante), el hijo todavía tendrá la oportunidad de, a pesar de todo, decirle lo que, en el fondo, siente por él. Y todo lo que no llegó a decir está en este Chump Change, una dura declaración de intenciones que poco a poco va dejando margen a otro tipo de necesidades personales. Esta podría presentarse como una especie de Carta al padre con el estilo salvaje y descarnado de Bukowski (paradójicamente, deudor de la obra de John Fante), aunque sin llegar a concretarse en una simple acusación.

La novela condensa la amargura, la decepción, el fracaso, la ilusión, la esperanza y, sobre todo, la posibilidad, siempre latente, de poder cambiar las cosas en cualquier momento mientras el reloj avanza deprisa. Chump Change es una novela brillante de un escritor que impone carácter y que, esperemos, sirva para hacer justicia a la memoria de John Fante y a la obra de su hijo Dan. Cada uno de ellos debería sentirse orgulloso del otro.

Ana Cabrera Vivanco, el lejano llanto de un destierro

2011-03-04T12:11:00.005+01:00

Así llegaron a España Las horas del alma y Las cien voces del diablo

La autora, en Tarragona / Marta Martínez Carro ©

"En Cuba, escribía con mercromina y con papel de la fábrica de cigarros Popular. Luego lo pasaba a máquina empapando la cinta con betún"

Manel Haro. Tarragona

En una habitación de un hotel en Canarias, una escritora cubana, celebrada en su país pero desconocida en España, espera nerviosa a que sus compañeros de delegación regresen a La Habana. La noche anterior, ella les había convencido de que tenía familia en Barcelona esperando su llegada para celebrar la Navidad de 2002 juntos. A sus pies, una caja con ejemplares del libro que ha ido a presentar a las islas, una biografía de la poeta Dulce María Loynaz. Sus compañeros llaman a la puerta, se resisten a marcharse a La Habana sin los libros. Insisten en recuperar la caja para dejarla con su marido y su hija en Cuba, pero ella, impaciente, repite que prefiere llevarlos consigo hasta su regreso. Pero en Barcelona no la espera nadie y en La Habana su familia sabe que ya no volverá a poner un pie en la ciudad. Arranca la larga y cruda historia de un destierro.

En Cuba, presentando la biografía sobre Dulce María Loynaz

Ana Cabrera Vivanco es una de las voces exiliadas de la dictadura castrista. “Cuando uno se va de Cuba y no puede regresar, no se exilia, sino que es desterrado para siempre”, dice dando sorbos a una taza de café en un bar de Tarragona, ciudad donde ahora reside. Desde 1996 hasta 2002, esta escritora se despertaba por las noches en La Habana, cuando todos en su casa dormían. Sacaba una pluma estilográfica Parker y la llenaba de mercurio cromo, mercromina. No tenía tinta ni papel, ya que Cuba vivía el llamado Tiempo Especial en Periodo de Paz, “una excusa para justificar que en tiempos de paz estuviéramos pasando una situación económica como si viviéramos en guerra”.

Pero la necesidad de seguir escribiendo Las horas del alma, le hacía continuar: “en mi novela hablo de dos sagas familiares cubanas, a través de las cuales he querido reflejar cien años de la historia de Cuba, desde Batista hasta Castro”, explica, justo antes de demostrar que estaba segura de que conseguiría publicarla: “yo quería que mi novela se publicara, pero sabía que eso tendría que ser en España y cuando toda mi familia estuviese fuera de Cuba, pero algo me decía que lo conseguiría”.

Su vida en fotos y su primera novela / Marta Martínez Carro ©

En el tono de Ana no hay señal de euforia, sino de calma, es el discurso de una mujer que ha superado una pesadilla y ahora la explica con la tranquilidad de saberse a salvo. Sigue bebiendo café, reconoce que tiene insomnio, y sigue explicando: “En Cuba escribía con un cabo de vela porque sufríamos apagones de 12 ó 14 horas. Cerca de mi casa había una fábrica de cigarros Popular con el eslogan soy cubano, soy popular. Ahí había un papel, llamado de bagazo de caña, que estaba lleno de pelusilla. Era el único papel que podía conseguir y la mercormina era fácil de adquirir porque se vendía en las farmacias. Cuando tenía escrito el borrador, lo pasaba a máquina de escribir. Empapaba la cinta en betún para marcar las letras en la hoja. Luego las dejaba secar, mientras la pluma descansaba en agua con champú del pelo para limpiar la pelusilla”.

La presentación en Canarias de su primer libro fue la excusa perfecta para llevarse el original en la maleta. El equipaje era básicamente parte de su biblioteca personal, gastados tomos con las grandes obras de la literatura universal. Lo viejos abrigos y camisetas podían quedarse, pero no su biblioteca. Entre esos ejemplares, estaban escondidas las hojas mecanografiadas desordenadas y amputadas de las partes más comprometidas de una novela que apuntaba a la Cuba de Batista y Fidel Castro, Las horas del alma. También estaba el original de Las cien voces del diablo, la obra que acaba de ver en la luz en Grijalbo y que, por moverse en el completo terreno de la imaginación, no corría el riesgo de ser intervenida. Es la maleta de alguien que sabe que si consigue superar la frontera, ya no regresará jamás. “En mi casa de La Habana dejé los capítulos más peligrosos de Las horas del alma, pero me traje Las cien voces del diablo; no podía correr tanto riesgo ya que salía con visado de periodista y los registros eran exhaustivos; de hecho, en el aeropuerto me dijeron que llevaba exceso de equipaje y se quedaron con mi ropa”.

La autora en Tarragona / Marta Martínez Carro ©

Una vez alejada de sus compañeros de delegación, Ana logró alquilar un pequeño estudio en Tarragona. Sobrevivía gracias a la venta de los ejemplares que había traído en la caja de Canarias, una venta de súplica y bajo coste que contrastaba con el éxito que estaba teniendo en la capital cubana. “En Tarragona trabajé cuidando ancianos, haciendo de canguro y repartiendo libros de Círculo de Lectores”, dice mientras pasa las páginas de la revista de Círculo donde, paradójicamente, venden ahora sus novelas.

El contacto con Cuba sigue siendo por teléfono o por correo electrónico: “Las llamadas te las cortaban cuando querían porque allí todo está controlado y en cuanto al correo electrónico, allí no existe Yahoo o Hotmail, sino que unos pocos afortunados sólo pueden escribir con correos de empresas. Allí todo está muy controlado, las fotografías que mandaba, me las devolvía el servidor y el nombre de Ana Cabrera Vivanco estaba tan prohibido como decir que en La Habana algo no iba bien”. Ana traga saliva antes de explicar que muchos cubanos pagan altas cantidades de dinero por pedir a alguien con un correo corporativo que les deje mandar un mail.

En La Habana, Ana Cabrera recién nacida en brazos de su madre

En 2004, Judith, su hija de 24 años, le informa de que va a volar a Budapest para ver a un familiar. Ambas saben que ella tampoco regresará. Desde la capital de Hungría su hija le informa de que en su equipaje ha traído más libros de su biblioteca y los originales de betún y mercromina de Las horas del alma. A Ana se le acelera el corazón con el teléfono en la mano, siente que le tiemblan ligeramente las piernas. Explica que nunca ha querido pensar en lo que le hubiese ocurrido a su hija de haber sido descubierta.

La familia de la autora, en la que se inspiró para escribir Las horas del alma

Pasaron semanas hasta que Montse, una amiga catalana de Ana, fue a Budapest a buscar esos capítulos. Las horas el alma ya estaba completa, pero su familia más dispersa que nunca. “Lo más duro es la despedida en el aeropuerto de La Habana, porque te despides sin mirar a los ojos de quien dejas, porque sabes que quizá no los volverás a ver y si lloras, levantas sospechas. Caminas con la vista al frente, sintiendo que te alejas poco a poco de tu familia, pero no puedes volver la mirada, las lágrimas se te acumulan en los ojos pero no pueden salir”.

Toni, el marido de Ana, sufrió la despedida de su esposa y su hija, pero se alegró cuando se enteró de que por fin ambas estaban unidas en Tarragona. “En Cuba, Toni era Ingeniero y tenía una buena posición pero, dado su trabajo, para salir del país era necesario el permiso de un General, esos que están al lado de Raúl Castro, así que pidió prejubilarse para poder salir sin permisos”. Solamente cuando Toni llamó a Ana desde el aeropuerto de Madrid para decirle que ya estaba en España, Ana supo que su sueño empezaba a traspasar a la realidad.

Ana Cabrera, de pequeña en Navidad

Ana no sabe nada de lo que pasó en La Habana en su ausencia. Se informó casi por casualidad de que al salir su hija, hubo un registro en su casa de Cuba, pero tanto su marido como su hija mantienen un férreo voto de silencio sobre lo que vivieron mientras Ana luchaba en España. De vez en cuando alquien le dice “tú no sabes lo que pasó tu marido allá en La Habana”, y Ana suspira profundamente.

Desde Tarragona manda ejemplares de su novela escondida en los equipajes de algunos españoles para que sus amigos de Cuba la lean. Su nombre está prohibido en Cuba y ningún cubano se atreve a introducir su libro a La Habana. “A los españoles no les revisan, porque si ven que uno lleva Las horas del alma, siempre pueden alegar que es la novela que se están leyendo”. Pero en Cuba ya hay unos cuantos ejemplares, que han sido leídos y que ha provocado lágrimas en sus amigos, unas de alegría por saber que ella lo consiguió, otras de desesperación por saberse encerrados. Los lectores de Cuba ni siquiera pueden escribirle para agradecerle el detalle de sus envíos clandestinos. Como pueden, van dejando comentarios anónimos en blogs y webs de lectores dando las gracias, con la esperanza de que Ana los lea alguna vez. Y ellas lo lee y los llora.

LAS PORTADAS

Jorge Molist novela la lucha por la libertad de un librero en la Barcelona del siglo XV

2011-03-02T11:33:00.002+01:00

"Los libros, como las personas, tienen cuerpo y alma"

Manel Haro. Llafranc (texto y foto ©)

Jorge Molist tiene tan interiorizada la Barcelona de la Edad Media, que cuando pasea por el centro de la ciudad no puede evitar dejar comentarios como "esto no ha cambiado nada desde el siglo XV", como si en lugar de haber nacido en 1951, tuviera más de quinientos años.

Después del éxito de El anillo y La reina oculta (Premio Alfonso X el Sabio), Molist regresa con su novela más ambiciosa, Prométeme que serás libre, que publica Temas de Hoy en castellano y Columna en catalán (Promet-me que seràs lliure). Centrada en la lucha por libertad del joven Joan, la novela propone un viaje desde Llafranc (municipio costero de la provincia de Girona) hasta ciudades italianas como Cerdeña, Sicilia, Nápoles o Roma y pasando, como no podía ser de otro modo, por Barcelona.

La trama arranca cuando en 1484 una galera pirata asalta Llafranc. El pescador Ramón Serra pierde la vida por defender a su familia, aunque antes de morir le pide a su hijo Joan que cumpla con su último deseo: ‹‹Prométeme que serás libre››. A partir de ese momento, Joan emprende un viaje con su hermano pequeño a Barcelona, donde, después de lidiar con los problemas que la ciudad le plantea, logra encontrar un trabajo de aprendiz en la librería de los Corró. Rescatar a su familia, recuperar su amor y convertirse en librero serán sus objetivos prioritarios a pesar de que para alcanzarlos tendrá que vérselas con la Inquisición y la continua inestabilidad que producen las guerras y revueltas en Barcelona.

"Con esta novela quería rendir un homenaje al libro y a los libreros", señaló Molist en la presentación de su nueva aventura, que añadió que "hay un momento en la novela en que el maestro le dice al aprendiz que el libro, como las personas, deben tener cuerpo y alma", idea que impregna Prométeme que serás libre. De hecho, Molist se ha documentado de forma exhaustiva sobre la profesión artesanal de los antiguos libreros que trabajaban en el corazón del Barrio Gótico a finales del siglo XV, la época de tránsito entre la oscuridad de la Edad Media y el intento de renovación del Renacimiento. Con una prometedora primera edición de 80.000 ejemplares en castellano y 20.000 en catalán, la novela aspira a ser uno de los éxitos de esta primavera.

LAS PORTADAS

'Wendolin Kramer: Una historia de superhéroes, supervillanos y un chucho deprimido', Laura Fernández

2011-02-22T20:20:00.000+01:00

Wendolin Kramer: Una historia de superhéroes, supervillanos y un chucho deprimido

Laura Fernández
Editorial Seix Barral
1ª edición, febrero de 2011
Género: Novela
284 páginas
ISBN: 9788432296970

Parece evidente que la crisis económica ha provocado que las editoriales hayan decidido echar toda la carne en el asador (la buena y la mala) para intentar generar más beneficios, aunque eso haya conllevado que las publicaciones sin éxito inmediato de ventas duren un suspiro en las mesas de novedades. Entre tanta sobreproducción editorial es admirable que sellos potentes como Seix Barral apuesten por autores menos conocidos con novelas arriesgadas, valientes y originales (con el peligro que supone esta última etiqueta ante los lectores que prefieren ir a lo seguro).

Quizá el nombre de Laura Fernández no les suene mucho, aunque ya tiene obra publicada y es colaboradora de diversos medios como El Mundo, pero espero que a partir de ahora sea tan mencionada como su Wendolin Kramer. En su segunda novela, Fernández ha creado una superhéroe atípica: mujer de unos treinta años de carácter infantil y algo inestible que se cree Super Chica, una heroína de cómics. Wendolin Kramer, ataviada con un ridículo vestido imitación del que lleva su ídolo, decide poner un anuncio en la prensa donde ofrece sus servicios para resolver casos misteriosos. Rápidamente, recibe un primer encargo, indirectamente relacionado con un tipo que quiere desvelar a toda costa la auténtica identidad de Vendolin Woolfin, una autora superventas, supuestamente ya fallecida y con extrañas coincidencias con Virginia Woolf.

El libro es como una novela gráfica sin ilustraciones, llena de situaciones que remiten a las viñetas de los cómics, que podemos imaginar perfectamente gracias a una prosa directa, sin florituras, incluso con onomatopeias que hacen más ágil y adictiva la lectura. La autora aprovecha para hacer un guiño a los tópicos que rodean el mundo de la literatura y del cómic: una librera feminista que no deja entrar a los hombres a su tienda, una editora que no tiene escrúpulos por defender su empresa, un periodista con ganas de dar una exclusiva, un escritor que busca el reconocimiento como sea, unos lectores cegados por sus escritores favoritos y hasta un vendedor de cómics grasiento que por las noches se pone un disfraz de Spiderman para acostarse con una muñeca hinchable.

Como indica el subtítulo de la novela, esta es una historia de superhéroes, supervillanos y un chucho deprimido y, créanme cuando les digo que si no les gusta este tipo de historias es porque todavía no han leído Wendolin Kramer, con toda certeza una de las mejores sorpresas que nos va a dejar esta carrera frenética hacia Sant Jordi. Y un apunte final, como toda serie de superhéroes, siempre es difícil conseguir el primer número, y la primera novela de Laura Fernández, Bienvenidos a Welcome, ya puede entrar a formar parte de los libros más buscados.

Cierre de la frontera entre India y Pakistán, imágenes de Attari-Amritsar

2011-02-21T19:39:00.017+01:00

'No era lluny ni difícil', Joan Margarit

2011-02-21T11:16:00.002+01:00

No era lluny ni difícil
Joan Margarit
Editorial Proa
1ª edició, octubre de 2010
Gènere: Poesia
111 pàgines
ISBN: 9788475881812

Tot i que Joan Margarit és un dels nostres poetes més reconeguts, haig de dir que No era lluny ni difícil m'ha semblat un poemari més aviat fluix. En aquest llibre trobem quatre grans temes que es van creuant durant tota la lectura: l'amor, el silenci, la vida i el temps. Tots, en realitat, formen part d'una mateixa reflexió i d'un mateix punt de vista: la veu del poeta ens explica que ha arribat a vell i que mira l'horitzó de la mort (no estava tan llunyana i no era tan difícil arribar-hi), mentre comença a fer balanç del temps viscut, del silenci que provoca la soledat i de les diferents circumstàncies que es donen en l'amor i la sexualitat.

Encara que la poesia de Margarit es caracteritza per ser accesible a tots els lectors, ben al contrari de complexitats, en No era lluny ni difícil m'he trobat uns poemes massa obvis on els sentiments apareixen, pel meu gust, de forma massa explícita. És a dir, no hi ha gaire joc retòric, sinó que es tracta d'una poesia molt nua i, sobretot, amb excesives repeticions d'idees. Els quatre temes centrals van recorrent tot el poemari i són present en cadascuna de les peces: varia lleugerament la forma de dir-ho, però en essència tot sona al mateix: l'amor, la vellesa, la mort i la soledat una i altra vegada. Precisament, la senzilla d'aquests versos és el que fa que els poemes siguin petits missatges ja desxifrats i llestos per ser compresos sense cap mena d'esforç per part del lector. I, en cas de dubte, en els següents poemes Margarit recuperarà reflexions ja plantejades (i resoltes).

Probablement el poema de la contraportada (Tancant l'apartament de la platja) sigui el més interessant de tots i és així perquè se'ns presenta com una peça independent de la resta del poemari. Aquí no apareixen les esmentades repeticions i fins i tot és més important el que suggereixen els versos que el que diuen. En Tancant l'apartament de la platja, Margarit ens descriu una imatge, però en realitat ens està obrint la finestra d'un món personal, i presumiblement dramàtic, que només nosaltres, els lectors, podem imaginar. I aquí és on es mostra el millor Margarit.

'Las marismas', Arnaldur Indridason

2011-02-19T01:13:00.001+01:00

Las marismas
Arnaldur Indridason
Editorial RBA
1ª edición, 2009
Traducción de Kristin Arnadóttir
Género: Novela negra
288 páginas
ISBN: 9788498676013

El boom de novela negra que empezó en 2008 en España gracias a Stieg Larsson hizo posible dos cosas: la primera fue que este género pasara de segundo a primer plano; la otra fue la cantidad de autores nórdicos que pudieron consolidarse aquí (y digo consolidarse, porque algunos, como Arnaldur Indridason o Camilla Läckberg ya tenían novelas traducidas en España antes de Larsson).

Precisamente una de los libros que llegaron aquí antes de Los hombres que no amaban a las mujeres fue Las marismas, de Indridason, publicado en 2006. Sin embargo, en 2009 RBA reeditó la novela, como si se estrenara en España, después del éxito que el escritor islandés cosechó ese mismo año con La mujer de verde (que, curiosamente, también era una reedición, dado que en 2008 ya había sido publicada bajo el título Silencio sepulcral). En Las marismas, el policía Erlendur Sveinsson tiene que investigar el asesinato de un hombre ya mayor que ha sido encontrado muerto en su casa debido a un golpe con un cenicero en la cabeza. Al lado del cuerpo, una nota que dice "Yo soy ÉL" hace que Sveinsson empiece a hacerse las primeras preguntas, que aumentarán cuando encuentra la fotografía de una tumba escondida en el fondo de un cajón.

Indridason se ha convertido en los últimos años en una apuesta segura para miles de lectores en España y títulos como Las marismas demuestran por qué. La trama no flojea en ningún momento; cuanto más avanzamos en la lectura, más atrapados nos vemos: poco a poco crece la intriga y se amplían las incógnitas hasta que las pesquisas de Erlendur van dando sus frutos. Indridason consigue adentrarnos en esa Islandia criminal haciendo que incluso notemos el hedor de la putrefacción que en algún momento emana de la historia. En resumidas cuentas, Las marismas se lee de un tirón y supone un cebo para atraparnos en las novelas de Indridason.

Entrevista amb Coia Valls, autora de 'La princesa de jade'

2011-02-18T13:23:00.001+01:00

Amb la seva primera novel·la d'adults, Coia Valls va guanyar el Premi Néstor Luján de narrativa històrica. La princesa de jade relata el viatge entre Corint i la Xina, l'any 551, d'un grup d'aventurers que tenen l'objectiu d'aconseguir el secret de la seda, per desig de Teodora, la dona de l'emperador Justinià. La novel·la, publicada en català a Columna, acaba de sortir també en castellà a l'editorial Suma de Letras.

"Abans d'escriure una novel·la com aquesta, primer l'has de somiar"

Manel Haro. Barcelona / Foto cedida per l'autora

Com es comença sent escriptora de novel·la històrica?

No va ser un plantejament a priori, vull dir que no vaig plantar-me un bon dia i em vaig dir: seré escriptora de novel·la històrica. Vaig encuriosir-me per un fet, la presència de la seda en l’època de transició de l’Imperi Romà a l’Edat Mitjana. Després van coincidir lectures, des de Seda, d’Alessandro Baricco, fins els viatges de Marco Polo, passant pels llibres de Claudio Magris, que sempre són una referència en el tema dels viatges. Així, em vaig descobrir furgant en un temps tan llunyà com el segle VI. Era una temptació massa gran, no podia fugir de donar vida a uns personatges que tenen com a missió descobrir el secret més ben guardat de l’Orient.

Però no és un gènere molt ambiciós per començar en la literatura d'adults?

Potser sí que és un gènere ambiciós, però jo també ho sóc, d’ambiciosa, i fa molts anys que escric. D’altra banda, penso que el resultat final és una novel·la històrica, però també s’acosta a la novel·la de viatges, a la novel·la filosòfica o a la d’aprenentatge. Els gèneres difícilment conserven la seva puresa ja que la literatura es nodreix de la diversitat.

A la novel·la, narra un viatge que comença a Corint i acaba a la Xina. No va estar temptada d'escriure sobre un tema més proper a Catalunya, com fan altres escriptors catalans?

No. He escrit la novel·la que volia escriure. De vegades tens la necessitat de mirar al teu voltant i escodrinyar per paratges coneguts. Hi ha bons escriptors que ja ho fan a Catalunya. Però d’altres s’imposa enlairar la mirada a la recerca d’altres horitzons.

La novel·la és una barreja entre el gènere històric i el d'aventures. Com va sorgir la idea: es sentia atreta per l'època de l'any 551 o més aviat li venia de gust escriure sobre un viatge i va trobar el context adient en aquesta època?

Vaig anar estirant del fil i em va dur fins l’any 551. Un novel·lista treballa sovint a partir d’enigmes dels quals vol saber la solució. Hi ha un procés de recerca i, de sobte, hi descobreixes un problema, una llacuna o una escletxa en la Història, aleshores et dius que vols resoldre aquest buit, dotar-lo de continguts. A mesura que viatges enrere en el temps, els enigmes històrics són més intensos, les opinions dels historiadors més canviants, les fonts de l’època més properes a la faula. Tot plegat es converteix en un desafiament quan ets curiós de mena. D’altra banda, és clar que el viatge és un dels principals protagonistes d’aquesta novel·la i una de les meves dèries, possiblement un dels temes que serviran per configurar la meva literatura en un futur.

El títol de la novel·la parla d'una princesa; en canvi, la major part dels personatges són masculins. És una manera de reflectir que aquella era una època d'homes?

Aquesta és una lectura possible, evidentment. Però les dones dins La princesa de jade són motor d’acció. Potser són minoria, tal vegada no fan el viatge com ells, però tenen un paper molt important en relació a tot allò que no es diu. L’època també ens obliga a anar amb peus de plom a l’hora de parlar de la condició femenina, les dones eren sovint com mercaderies o estaven sotmeses als seus familiars o senyors. Només unes poques se’n salvaven, d’aquest encotillament.

Va haver de documentar-te molt sobre la ruta de la seda o bé va preferir deixar més marge a la ficció?

Em vaig documentar molt. En una novel·la històrica és imprescindible tenir un panorama de tots els materials existents. Ara mateix, amb internet, pots tenir una idea aproximada del que hi ha, però, és clar, després has de trobar-lo, i és una tasca molt feixuga i alhora apassionant. La utilització que facis de la informació obtinguda ja és una altra cosa. Sé que hi ha autors que la fan servir sense gaire rigor. És una opció, però no la meva. Penso que una novel·la d’aquesta naturalesa ha de ser rigorosament històrica en la seva base. A partir d’aquest punt pots inventar, imaginar personatges, situacions, però l’escenari i les dades principals han de ser reals o, si més no, reals fins el punt que ens permeti la Història, atès que hi ha fets controvertits on els mateixos historiadors discrepen. L’art del novel·lista rau en utilitzar la Història sense arribar a col·lapsar l’acció, crear mons possibles on el buit sembla irremeiable.

I suposo que hi haurà hagut alguna part que hagi costat més...

La part d’occident va ser més fàcil de treballar en relació a tot el material que tenia a l’abast. La part oriental va ser confegida mitjançant la reconstrucció d’una època en base a l’estudi dels objectes que es troben al Museu Guimet de les arts asiàtiques, de Paris. Hi vaig veure figures, representacions de la vida quotidiana, que em van ajudar a reconstruir un moment històric de la Xina del que no queda res in situ; hem de pensar que l’arquitectura al segle VI feia servir la fusta com a principal element constructiu, i no queda res. Però també em vaig documentar a través de la literatura xinesa de l’època o una mica posterior, de la que queden documents molt interessants, fins i tot un tipus de poesia d’una actualitat sorprenent.

A l'hora d'escriure sobre la ruta de la seda, va tenir algun viatger com a model? És a dir, tenia alguna crònica de viatges en la que fixar-se?

No n’hi va haver cap que em servís. Tot allò que narrava Marco Polo era molt i molt posterior. La Ruta de la seda com la coneixem en l’actualitat era inexistent. S’ha de pensar que li va posar aquest nom el geògraf alemany Ferdinand von Richthofen el 1877. També hi ha un precedent l’any 629, quan el monjo xinés Xuanzang emprén la Ruta de la Seda en sentit invers, fins a la India, per estudiar les escriptures sagrades del budisme. No podem oblidar tampoc que tots els fets passen en una època prèvia al naixement de l’Islam.

Tinc la sensació de què la seva novel·la no hagués pogut sortir de la ment d'una persona que no fos viatgera i somiadora. Ha somiat molt amb la ruta de la seda i amb l'antiga Xina del l'any 551?

Somiar és fonamental quan t’enfrontes a una novel·la d’aquestes característiques. He somiat amb paratges desconeguts, amb situacions que et posen al límit de les teves forces, amb boires que et barren el pas i et trasbalsen i amb albades que fereixen els ulls de tanta bellesa. He somiat també amb espais intransitables per on s’endinsaven personatges que no tenien res a perdre, amb una ambició més forta que l’estima a la seva pròpia vida. I, sí, he somiat amb l’antiga Xina perquè m’hi he submergit a la profunditat necessària en totes les dades existents per tal de crear una atmosfera respirable, un univers on els lectors poguessin quedar-se a viure durant la lectura.

Va existir la princesa de jade o bé alguna persona en la que s'inspirés per imaginar-la?

De ben segur que va existir. No sé si el seu nom va ser Yu o qualsevol altre. No em vaig inspirar en cap personatge en concret, però em vaig documentar sobre la dona en aquella època, vaig llegir poesia datada en el moment de la novel·la i només vaig donar vida a una de les moltes possibilitats que tenia al meu abast. Va ser com un petit homenatge a una desconeguda, que ràpidament va deixar de ser-ho.

I el caprici de l'emperadriu Teodora de Bizanci de voler saber el secret de la seda va ser real?

Qui ho sap! És més que probable coneixent-la com la conec!

La novel·la va d'un imperi a un altre: de Justinià (Bizanci) al príncep de Yuzhang (Xina). Li agrada imaginar històries sota antics imperis?

Sí, m’agrada fer aquest joc de miralls. M'agrada contraposar cultures, religions, edats, estatus, maneres de fer. Tinc debilitat pels calidoscopis, penso que les imatges poden ser moltes i cap d’elles és més real que les altres.

Des del començament de la novel·la hi ha una reflexió molt clara: el poder transforma a la gent. Suposo que això no ha canviat gaire...

Malauradament, no. I el contingut és molt semblant si el despullem de les formes, que canvien d’una època a una altra.

Sembla que el gènere històric català viu un bon moment...

Sí, i crec que és una molt bona notícia. Hi ha autors molt capaços i que veuen reconegudes les seves obres també en altres llengues. No és estrany, tampoc. Tinc la teoria que els països amb història, i Catalunya ho és, qui ho pot dubtar, s’estimen el seu passat i s’esforcen per documentar-lo i estudiar-lo. La literatura persegueix aquests buits que parlava abans i els dóna vida, bé ho ha fet sempre.

Cap a on portarà als seus lectors en la propera aventura?

Seguiré reculant en el temps, un parell de segles més encara. Tornaré al viatge i ho faré de la mà de dues dones, com a protagonistes. Un desafiament nou, doncs.

LES PORTADES

Maria Carme Roca omple d'intriga i ambicions l'Empúries grega

2011-02-11T12:47:00.001+01:00

"Empúries era un punt comercial estratègic pels grecs i, per tant, escenari de possibles trames per una novel·la"

Manel Haro. Barcelona (Text i foto)

L'escriptora Maria Carme Roca, autora de la reeixida novel·la Barcino (Columna/Labutxaca), torna a endinsar-se en la llunyana història de Catalunya per tal de recrear com era la vida en la Empúries grega. Escollida pels Déus (Columna) narra el dia a dia de la llavors petita polis de l'any 305 abans de Crist, de forma que, valent-se de la ficció i del rigor històric, l'autora crea un trama al voltant de diversos personatges amb ambicions ben diferents.

Per una banda, la novel·la presenta Heraclides, comerciant ric i venjatiu que només té el cap convertir Empòrion en una tirania; Aris, que somia la reforma dels temples i el culte a Asclepi; Unibelos, conspirador que té com a objectiu arribar al poder; i la protagonista Hèlia, filla il·legítima d'un home poderós que després de ser abandonada quan va néixer, va ser acollida per una cortesana amb l'únic objectiu d'instruir-se com a dona de companyia dintre de les muralles. Hèlia es manté allunyada de les ambicions de la polis només pendent de la seva pròpia batalla personal.

"Amb aquesta novel·la he volgut també retratar l'ambient que hi havia a les cases d'Empòrion i explicar com anaven vestides les dones, quins cosmètic usaven, perquè estava mal vist que els homes es quedessin a casa o perquè els peixaters tenien mala fama", ha explicat avui a Barcelona l'autora. Així, Maria Carme Roca reconstrueix la vida de l'antiga polis grega basant-se en fets històrics reals (com el període d'hostilitat que van viure els emporitans i el poble iber dels indigetes) i d'altres ficticis aprofitant els enigmes que encara estan per descobrir sobre l'antiga polis grega.

Roca, que acaba de veure traduïda al castellà Barcino (Ediciones B), un dels èxits del Sant Jordi del 2009, ha explicat que una vegada ja havia novel·lat la Barcelona romana, preferia aquesta vegada centrar-se en una altra època, ja que "Empúries era un lloc ideal per novel·lar, degut a què està entre dos rius, a prop del mar i els grecs sabien que era un punt comercial estratègic i, per tant, escenari de moltes possibles trames".

LA PORTADA

'El jardín olvidado', Kate Morton

2011-02-10T00:31:00.002+01:00

El jardín olvidado
Kate Morton
Editorial Suma de Letras
1ª edición, mayo de 2010
Género: Novela
540 páginas
ISBN: 9788483651568

Tras el éxito de La casa de Riverton, la editorial Suma de Letras ha querido apostar por la nueva novela de la autora australiana Kate Morton, El jardín olvidado. Esta gira en torno a Nell, una mujer de mediana edad que decide hacer un viaje a Reino Unido para averiguar por qué, cuando tenía 4 años, su cuidadora la abandonó en un barco con destino a Australia, sin que nadie la esperase al otro lado del globo. Tras la muerte de Nell, su nieta Cassandra averigua el periplo de su abuela y al descubrir la herencia que le ha dejado, decide ir a la misma ciudad inglesa para saber qué ocurrió realmente con ella cuando era pequeña y hasta qué punto avanzaron sus investigaciones antes de morir.

El estilo narrativo de Morton recuerda mucho a las novelas anglosajonas del siglo XIX, muy especialmente a Charles Dickens, sobre todo cuando recrea la infancia de la cuidadora (aquí llamada Autora); entonces, la acción se traslada al año 1900 y las peripecias de este personaje por salir adelante remiten inevitablemente a las aventuras de Oliver Twist (también la niña es huérfana y vive atenazada por el férreo control de un adulto que la obliga a diversas bajezas para asegurar mínimamente su subsistencia). La trama se desarrolla en tres líneas narrativas, que se corresponden a las vidas de las tres protagonistas de la novela: Cassandra, Nell y la Autora. De ese modo, Morton lleva al lector de una a otra historia, que van discurriendo de forma paralela sin que lleguen a cruzarse del todo.

Para que un thriller sea efectivo, es fundamental que la escritora sea honesta y no confunda al lector a través del narrador; es decir, ¿dónde está la pericia de un autor si para introducir giros en la trama se limita a que el narrador recree determinadas escenas para despistar (con sus correspondientes diálogos) y luego diga que aquello no fue realmente así sino que ocurrió de otro modo? Además de esto, que para mí es lo más grave, Cassandra encuentra pistas con cada paso que da, con cada persona que habla y con cada acción que acomete (incluso le llegan pistas cuando sueña, literalmente). Tampoco me convence que durante toda la novela el narrador se adelante a los hallazgos de Nell o Cassandra con recreaciones históricas de la familia (¿qué gracia tiene ver a un personaje averiguar algo si ya me lo ha contado Morton diez páginas antes?).

La novela flojea también porque todos los personajes secundarios con los que Cassandra se encuentra (algunos buscados y otros de forma casual) parecen tener los mismos intereses que ella y todos conocen algo sobre su lejano pasado familiar, por lo que, de un modo u otro, todos son piezas fundamentales del puzzle que intenta construir la protagonista (casualidades que ofrece la ficción). Desde un punto de vista estilístico, Morton, además de abusar de los adjectivos para describir todo hasta el más mínimo detalle, pincha también al perfilar algunos de sus personajes: no puede ser que Nell y Cassandra, que entre ambas hay dos generaciones de diferencia, hablen exactamente igual y se comporten del mismo modo, porque si a esto añadimos que las dos se relacionan con los mismos personajes y en idénticos espacios, al final queda una pesada sensación de repetición. Hasta la página 350, la novela apuntaba maneras.

'El quadern de Nicolaas Kleen', Jaume Benavente

2011-02-03T01:43:00.004+01:00

El quadern de Nicolaas Kleen
El cuaderno de Nicolaas Kleen
Jaume Benavente
Editorial Columna / Roca Editorial
1ª edició, juliol de 2010
Gènere: Novel·la negra
358 pgs. / 301 pgs.
ISBN: 9788466412858 (cat.)
ISBN: 9788499181394 (cast.)

Moltes vegades m'he preguntat si Marc Pastor és conscient del benefici que va aportar al gènere negre català quan va publicar La mala dona (La Magrana / RBA). Al mateix temps que desembarcava a Espanya el primer volum de la trilogia Millenium (2008), de Stieg Larsson, i, per tant, començava el boom de la novel·la negra, apareixia també l'obra de Marc Pastor, que va suposar una revitalització del gènere a Catalunya. Des de llavors, al nostre autor li ha passat com al Larsson, que tot el que s'ha vingut publicant fins ara s'ha estat comparant amb les seves obres (allò de "no està malament, però com La mala dona...").

Amb El quadern de Nicolaas Kleen, Jaume Benavente obre una nova porta a la literatura negra en català demostrant una capacitat d'ambientació i recreació d'escenes que recorden l'estil d'autores sueques d'actualitat com Camilla Läckberg. Benavente situa l'acció a Amsterdam i s'inventa un nou personatge, l'inspectora Marja Batelaar, que ha d'investigar la mort, en una pensió dels baixos fons de la ciutat, d'una noia jove de la que ningú sembla saber res. Batelaar, policia culta amb afició per l'art, més aviat tímida i marcada per l'assassinat del seu germà, haurà d'investigar també la progressiva desaparició d'alguns dels amics més propers de la morta. Això i el silenci dels pocs coneguts que poden facilitar informació fan d'aquest cas un dels més complicat per Batelaar.

Benavente proposa una història perfectament tramada, sense alts i baixos, i amb personatges ben definits. Marja Batelaar té la força suficient com per poder continuar amb una saga de diversos títols i, de fet, tot apunta a què així serà. La qualitat de la prosa, el món literari que Benavente construeix a Amsterdam i, sobretot, el fet que l'autor no necessiti subtrames superficials (que en moltes novel·les només serveixen per omplir pàgines), fan d'El quadern de Nicolaas Kleen la porta perfecta per accedir a un seguit d'autors catalans que, tot i no ser tant reconeguts perquè tot just comencen o perquè no tenen suficient cobertura mediàtica, reclamen l'atenció de tots nosaltres. Si fem l'esforç de conèixer els nous noms del gènere, podrem descobrir sorpreses tan bones com la de Jaume Benavente.

Entrevista con Rosa Ribas, creadora de la comisaria Cornelia Weber-Tejedor

2011-02-02T10:14:00.002+01:00

Rosa Ribas es una de nuestras escritoras de novela negra más internacionales. Aunque es catalana, actualmente reside en Fráncfort, lugar donde sitúa algunas de las tramas de sus novelas, como es el caso de la última aventura de la comisaria Cornelia Weber-Tejedor, que investiga una red internacional de tráfico de drogas que tiene su punto de entrada en Alemania en el aeropuerto de esa ciudad. Ribas ha conseguido que sus novelas sean traducidas al alemán, lo que motiva la curiosidad de los lectores, que ven a una española escribiendo sobre asesinatos en su tierra.

"En Alemania no hay un público que busque específicamente novela negra escrita en España"

Manel Haro. Barcelona (Para Llegir en cas d'incendi)

¿Cómo nace la comisaria Cornelia Weber-Tejedor?

Cornelia nació como personaje secundario en una novela –por suerte inédita- en la que investigaba el asesinato de un profesor universitario en Fráncfort. Como el protagonista y narrador de esa novela era un profesor visitante español, necesitaba un interlocutor que fuera bilingüe. Así surgió esta figura, que pasó a ser la protagonista de la serie en cuanto empecé Entre dos aguas. Dado que la novela se movía en el entorno de los emigrantes españoles en Alemania, una comisaria hija de padre alemán y madre gallega era la protagonista perfecta.

¿De dónde sale la idea de escribir sobre una red de tráfico de drogas en el aeropuerto?

Al documentarme sobre el trabajo policial mientras escribía Con anuncio, uno de mis informantes me contó varias historias relacionadas con el mundo del tráfico de drogas, que conocía de primera mano. Me impresionaron mucho. Poco después leí un par de noticias sobre el tema de las redes de tráfico y decidí que ése sería el ámbito en el que se movería Cornelia en su próxima investigación, pero no entre peces gordos, sino entre los últimos eslabones de la cadena.

Precisamente hace poco en España se desarticuló una red que operaba más o menos como en su novela. Parece que ha tocado un tema más común de lo que aparenta ser...

Los movimientos ilegales de productos (drogas, animales protegidos, tabaco, productos farmacéuticos…) en los aeropuertos son enormes. Y las bandas se valen de todos los trucos imaginables para eludir los controles policiales. Cuando me documentaba para la novela ya leí sobre casos similares al que mencionas y mientras escribía se dieron otros tanto en aeropuertos españoles como alemanes; algunos eran tan rocambolescos que pensé que no podría permitirme usarlos en una novela porque los lectores creerían que fantaseaba. En otros casos, realmente fantaseaba y al seguir buscando material descubría que eso ya se le había ocurrido antes a algún traficante. Así que se confirmaba la frase ya tópica de que la realidad siempre supera a la ficción. No es tópica, es cierta.

¿Se ha pasado muchas horas en el aeropuerto en tareas de observación?

Sólo en las terminales. Las zonas por las que se mueve Cornelia no son accesibles por motivos de seguridad, así que he tenido que construir esos escenarios a partir de las narraciones y las descripciones de personas que trabajan allí: personal de Lufthansa, policías, personal del aeropuerto. Me ayudó también haber trabajado hace unos años dando clases de español para el personal del aeropuerto, gracias a eso tuve acceso al centro de formación en una de las zonas de oficinas del interior del recinto.

El tema de la seguridad en los aeropuertos sale de vez en cuando a debate. Teniendo en cuenta que son puntos muy vigilados, ¿cómo es posible que se pueda delinquir en ellos?

Porque no sólo son muy grandes sino que también son muy complejos. Es muy difícil controlar por completo infraestructuras de tales dimensiones en las que hay un movimiento constante de personas, vehículos, mercancías, que están gestionadas por diferentes empresas. Siempre quedan huecos de seguridad, no sólo físicos, sino también por lo que atañe al personal. Como Cornelia reflexiona en un momento de la novela, no se puede controlar los movimientos de 70.000 personas, que son las que trabajan allí. Tanta gente como vive en mi ciudad natal, El Prat de Llobregat.

¿Esta novela se debe en parte a una necesidad suya de querer responder a preguntas que usted misma se hizo sobre estos temas de seguridad?

Más bien a la fascinación ante un microcosmos tan complejo como es un aeropuerto.

En la novela En caída libre Cornelia no busca un asesino, sino que se infiltra en la red de tráfico de drogas para saber hasta dónde llegan sus tentáculos. ¿Es más difícil escribir una novela negra de este tipo que si tuvieras que proponer al lector buscar un asesino?

Sí, porque es más difícil mantener la atención del lector y la tensión narrativa. Una parte se centra en la psicología de los personajes, en las dificultades que comporta infiltrarse en un entorno ajeno y hostil. En muchas narraciones se presenta como si fuera algo muy simple: “mañana te vas a disfrazar de prostituta / de camarera / de estibador del puerto o lo que sea”, y el protagonista sin más lo hace y todos se lo creen. Pero es en realidad un proceso muy complejo, que implica abandonar por un tiempo indeterminado tu vida y desempeñar un papel lo más perfectamente posible; algo que no pasa sin dejar huella en una persona. En esta novela hay también asesinatos, pero no están en primer término; es más importante el camino de la comisaria para conseguir entrar en la banda y lo que va descubriendo en ese proceso.

Precisamente en la novela veo un profundo trabajo de personajes, siendo esto tan importante como la trama en sí. ¿Cómo se trabaja ese aspecto en novela negra?

He intentado dibujar personajes completos, que no sean instrumentos de la trama, sino que con sus actuaciones y reacciones muevan la trama en una dirección u otra. No me gustan los personajes meramente funcionales: el amigo bueno pero un poco simple que sirve para mostrar lo listo que es el protagonista, el soldado de buen corazón con novia en el pueblo que muere o la anciana bondadosa que da un consejo vital a la protagonista, por poner un par de ejemplos. Intento que mis personajes den la impresión de que tienen vida antes y después de la novela. Ahora que he llegado a la tercera de la serie, tengo la ventaja de que los personajes fijos ya han tenido una vida antes de En caída libre, son personajes que han crecido y se han perfilado de novela a novela.

¿Es difícil retratar el lado humano de un delincuente?

Sí y no. Sí, porque es un trabajo de profundización en la mente humana que he querido llevar a cabo sin caer en tópicos. No, porque la delincuencia que retrato no es la “gran” delincuencia, sino que presento a personas muy cercanas que por una razón u otra son delincuentes. Podría ser cualquiera de nosotros. Me interesa mucho más que fantasear sobre mundos que no conozco: sea lo más sórdido o los entornos estilizados de la novela de enigma. Como en Con anuncio, no escribí sobre los grupos racistas neo-nazis organizados, sino sobre el racismo cotidiano, el que no se ve a primera vista, pero está ahí, en el día a día. Algunas de mis delincuentes en En caída libre son amas de casa, que limpian aviones en el aeropuerto.

¿Cómo ven los alemanes que una escritora española escriba sobre asesinatos en Alemania?

Con curiosidad. Para los lectores alemanes mis novelas aportan una perspectiva diferente. Aunque lleve veinte años viviendo en Alemania, sigo teniendo una posición de observadora y ésta se aprecia en las novelas. Más todavía en las dos últimas. Cuando al final de Entre dos aguas Cornelia acaba aceptando que una parte de ella es española, que no es “sólo” alemana, se vuelve también más observadora de su entorno y de sus compatriotas.

¿La detective miope fue una manera de darle tiempo a Cornelia o de darse tiempo a usted?

Sobre todo a mí porque las novelas de Cornelia me exigen un trabajo de documentación y planificación muy estricto. Especialmente en la fase final de la escritura, cuando hay que estar segura de que se han atado todos los cabos y hay que cerrar los hilos abiertos. Son, además, novelas con una perspectiva muy difícil porque sólo sabemos lo que sabe Cornelia y este punto de vista impone de qué manera se cuenta la historia y qué se deja saber a los lectores. La detective miope me permitió escribir de una manera menos controlada, más libre.

Con La detective miope demostró que se puede escribir novela negra y además dotarla de humor. ¿Repetirá la fórmula?

Por supuesto. Estoy en ello.

La detective miope relataba la historia de una mujer que, a punto de quedarse ciega por enfermedad, tiene que encontrar a quien mató a su marido y a su hija. Pocas semanas después de publicarla, en España se estrenó la película Los ojos de Julia, cuya trama es muy parecida. Vaya gancho, ¿no?

Pues sí. El tema de la vista, más concretamente el de la ceguera, es una obsesión para mí. Es un miedo, por no decir una certeza, que me acompaña desde hace años. A ellos se une que me gustan las historias de venganzas. Y ya tenemos dos elementos motores de la novela.

¿Cómo se ve en Alemania la novela negra que se hace en España?

No se ve. España no se percibe como un país de novela negra, como por ejemplo los Estados Unidos o Gran Bretaña o, más recientemente Suecia o Noruega (aunque estos y otros vayan a veces en un paquete algo indefinido de escandinavos). En Alemanía, eso sí, hay algunos autores españoles que son bastante conocidos. Alicia Giménez-Barlett tiene mucho éxito y una gran comunidad de lectores. También han gustado mucho las dos novelas de Domingo Villar. Manuel Vázquez Montalbán es conocido. Se ha traducido a González Ledesma, a Lorenzo Silva y a muchos otros; del catalán a Teresa Solana o a Marc Pastor, por poner un par de ejemplos, pero no hay un público que busque específicamente novela negra escrita en España.

¿Nos recomienda alguna novela negra alemana?

Por supuesto las de mis dos compañeros de mesa en BCNegra. La serie protagonizada por Gereon Rath durante la República de Weimar de Volker Kutscher, cuya primera novela traducida al español Sombras sobre Berlín acaba de aparecer, me parece muy atractiva, tanto por su protagonista como por la época histórica. Y Sorry de Zoran Drvenkar me pareció un thriller sorprendente. También recomendaría las novelas de Ingrid Noll, Andrea Maria Schenkel, Gisa Klöne o Bernhard Schlink.

'En caída libre', Rosa Ribas

2011-02-01T00:02:00.000+01:00

En caída libre
Rosa Ribas
Viceversa Editorial
1ª edición, enero de 2011
Género: Novela negra
350 páginas
ISBN: 9788492819560

Nuevo caso de la comisaria criminal Cornelia Weber-Tejedor, el personaje estrella de la escritora catalana afincada en Fráncfort Rosa Ribas. En esta ocasión, Cornelia tiene que investigar una red de tráfico de drogas que opera a nivel internacional y cuyo punto de entrada a Alemania es el transitadísimo aeropuerto de Fráncfort. La muerte por accidente de una empleada de la limpieza al caer por una escalerilla y la aparición del cadáver de una mujer joven con el vientre abierto hacen que la operación policial se active. Cornelia, agobiada por su situación personal, decide escapar de su día a día infiltrándose en la banda de traficantes aun a riesgo de ser reconocida por algún delincuente.

Los asesinatos que aparecen en esta novela solo son la chispa que encienden el auténtico motor que mueve la trama: la red de tráfico de drogas, el caso del que se ocupa Cornelia Weber-Tejedor. Con esto me refiero a que el lector sabe desde el principio quiénes son los criminales porque la autora los pone en las primeras páginas. Lo que Ribas realmente propone es el juego de saber si la comisaria conseguirá su propósito o tendrá que abandonar a mitad del trabajo, si habrá más muertes o no las habrá, quiénes están detrás de esa red y, lo más importante, qué mueve a personas aparentemente inocentes a delinquir.

Lo que cuenta Ribas en la novela es lo que ocurre realmente en varios aeropuertos del mundo. Sin ir más lejos, hace pocas semanas fueron detenidos varios trabajadores de Barajas por el mismo motivo que investiga Weber-Tejedor en En caída libre. Por esa razón, la novela se hace especialmente atractiva, porque nos permite responder a preguntas que probablemente nunca nos hacemos cuando vamos a coger un avión: ¿ese hombre que nos ayuda podría ser un traficante? ¿La mujer que limpia el avión es una simple madre de familia que hace su trabajo o ese empleo es una excusa que tapa una fuente de ingresos mucho mayor? La ficción se alimenta de la realidad, pero a veces ambas conviven en el tiempo y parece que incluso la primera anticipe la segunda.

En caída libre se lee de un tirón, gracias a que la historia es perfectamente factible en la vida real y gracias también a que Ribas ha elegido esta vez centrarse más en los personajes que en complicar demasiado la trama y alejarse quizá de la verosimilitud. He disfrutado leyendo este nuevo caso de la comisaria Weber-Tejedor porque la autora me ha hecho sentir al lado de la protagonista indagando y arriesgando. Espero con grandes expectativas la siguiente aventura.

Bordas y Martín de Pozuelo novelan el asesinato en Iraq de siete agentes del CNI

2011-01-31T01:15:00.003+01:00

"Aznar dio un hachazo con el que se cargó años de trabajo entre España y otros países islámicos"

Manel Haro. Barcelona (Texto y foto)

Los periodistas Eduardo Martín de Pozuelo y Jordi Bordas han unido esfuerzos para escribir Sin cobertura (RBA, 2010), un thriller que desvela la trastienda de la guerra contra Saddam Husein y que pone el punto de mira en el asesinato en noviembre de 2003 de siete agentes del CNI en el sur de Iraq. A pesar de que tras el ataque, Federico Trillo, entonces ministro de Defensa del gobierno de Aznar, dijera que la muerte de los siete miembros del CNI se debía a una emboscada cuyo único objetivo era matar población occidental, lo cierto es que tras el ataque había un elaborado plan de venganza contra los agentes de la Inteligencia española.

Sin cobertura muestra cómo diversos agentes dobles iraquíes facilitaban información al CNI y a su propio gobierno y fueron precisamente estos quienes más lucharon para hacer entender a los servicios secretos españoles que en Iraq ni había armas de destrucción masiva ni contactos con organizaciones terroristas. Pero el Gobierno de España no solo desoyó esta información sino que también negó la ayuda a sus fieles colaboradores iraquíes para salir del país y poder velar por su seguridad. Todas estas acciones provocaron que España se buscara enemigos allí donde antes tenía aliados: "Aznar dio un hachazo con el que se cargó años de trabajo entre España y otros países islámicos", apunta Martín de Pozuelo con un golpe seco a la mesa.

"Cuando nos llegó la información de que siete agentes del CNI habían muerto en Iraq, Jordi [Bordas] me dijo inmediatamente que teníamos que escribir una novela porque el tema daba de sí", explica Martín de Pozuelo. Los autores puntualizan que no han tenido que investigar específicamente para escribir Sin cobertura, sino simplemente organizar el material que ya tenían tras treinta años de dedicación y contactos en el CNI, aunque reconocen que "si no hubiera habido disensiones entre algunos miembros del CNI y el Gobierno en relación a Iraq, no hubiese sido tan fácil conseguir información". No obstante, Martín de Pozuelo detiene la conversación para matizar que "eso no significa que alguien del CNI nos llamase para darnos datos confidenciales, pero no todo el que ha estado en Iraq debe guardar el secreto profesional".

Sin cobertura es la primera novela de ficción de ambos periodistas, aunque ya escribieron juntos otros libros de investigación. Bordas no duda en matizar que "aunque es novela, todo el libro está impregnado de realidad y de datos contrastables". La obra, que juega desde el principio con la realidad y la ficción, tiene como objetivo que el lector se mantenga en vilo hasta la última página y que, tras acabarla, le quede la sensación de haber disfrutado de una trepidante novela de espionaje a la vez de indagar en la trastienda de la guerra de Iraq: saber qué motivó realmente el inicio de la acción armada y averiguar quiénes salieron beneficiados de ella.

'L'exili violeta / El exilio violeta', Marta Pessarrodona

2011-01-29T12:12:00.000+01:00

L'exili violeta / El exilio violeta
Marta Pessarrodona
Editorial Meteora
1ª edició, 2010
Gènere: No ficció / Història
280 pàgines
ISBN: 9788492874279 (cat.)
ISBN: 9788492874286 (cast.)

Marta Pessarrodona torna a parlar de l'exili, però aquesta vegada ho fa centrant-se en les dones artistes i escriptores que van haver de deixar Catalunya quan la Guerra Civil s'acabava. Tot i que aquest llibre ha rebut uns quants elogis i, de fet, és un dels candidats als Premis Internacionals Terenci Moix en la categoria d'assaig (Ana Maria Moix, germana de Terenci, ha estat una de les persones que ha defensat aquest llibre a través del diari Público), haig de dir que, per a mi, L'exili violeta és un llibre profundament mal plantejat.

M'explico. En primer lloc, veig en Marta Pessarrodona certa desconsideració cap al lector que no és de la seva generació o bé que no té tantes nocions històriques i literàries com ella. L'autora escriu com si no hi hagués un lector a l'altre costat; de fet ella va citant tota l'estona sense explicar sempre de qui està parlant o de què està parlant, fet que obliga al lector a estar mirant contínuament els apèndixs i això la fa una lectura molt feixuga. Moltes vegades Pessarrodona parla de persones només citant el nom i sense donar gaires detalls sobre qui eren i, per molt que ella ho cregui, no tothom podrà seguir la lectura amb certes garanties (sobretot perquè alguns noms ni tan sols surten als apèndixs). Un exemple: a la pàgina 105 comença a parlar de la JARE i fins arribar a la pàgina 110, a l'autora no se li acut explicar a què fan referència aquestes sigles! No era més fácil donar una explicació (encara que sigui una nota al peu) a la mateixa pàgina 105 per posar-li les coses més fàcils al lector, sabent que això no apareix als apèndixs?

Aquest problema s'agreuja perquè l'autora prescindeix d'un fil narratiu que, tot i ser un assaig, és necessari per anar lligant idees. Pessarrodona prefereix parlar de moltes coses diverses alhora en poques pàgines i els capítols no tenen una continuació amb el següent, sinó que a cadascun l'autora se'n va a un tema completament diferent. Pessarrodona cita de forma ràpida la relació de les dones amb les distintes institucions per acabar confirmant que el 1939 es van haver d'exiliar, però sense explicar gaires particularitats i aprofundint molt poc en les vivències de cadascuna d'elles. De què ens serveix, doncs, aquest recull enciclopèdic si no ens dóna la possibilitat de saber els periples de les artistes catalanes més enllà de la simple enumeració de dades i dates?

Per si això no fos poc, la prosa de Pessarrodona és massa recargolada i això fa la lectura més densa encara. I una pregunta: realment era necessari dir tantes vegades "presència activa femella" o "visibilitat femella"? Cada vegada que llegia "femella", semblava que em remetia al món animal. Al final del llibre em queda la sensació que és més aclaridor l'apèndix que la resta de l'assaig, i aquesta sensació ja la vaig tenir en l'anterior llibre de Pessarrodona, França 1939: la cultura catalana exiliada (Ara Llibres). Aquell ni el vaig poder acabar.

'La princesa de jade', Coia Valls

2011-01-24T07:23:00.006+01:00

La princesa de jade

Coia Valls
Suma de Letras / Columna Edicions
1ª edició en castellano, enero de 2011
1ª edición en catalán, octubre de 2010

Género: Novela histórica

360 páginas
ISBN: 9788483652121 (cast.)
ISBN: 9788466411196 (cat.)

La escritora Coia Valls ha debutado en la literatura de adultos con la novela La princesa de jade, que le ha valido el Premi Néstor Luján de género histórico. Aquí, la autora nos propone un viaje desde Corinto hasta China acompañando a un grupo de personajes que tienen como objetivo conseguir el secreto de la seda, para cumplir con el último deseo de Teodora, la mujer de Justiniano, emperador de Bizancio.

La princesa de jade es más una novela de aventuras en el contexto del año 551, que una novela histórica propiamente dicha, ya que, en realidad, las incidencias históricas sólo aparecen al principio (cuando el grupo recibe la encargo de Justiniano) y al final (cuando llegan a China). El resto, el grueso de la novela, es un viaje entra uno y otro lado del mundo, donde la narración gira en torno a las vivencias de estos personajes (y sobre todo cómo se relacionan entre ellos), pero sin que haya muchas filtraciones históricas (datos o hechos concretos) más allá de las descripciones de los paisajes que se van encontrando. Esto hace que la lectura sea muy ágil y, de hecho, es uno de los aciertos de la autora: dejar de lado lo que no es imprescindible porque en realidad los personajes no tienen tiempo que perder en cada ciudad que pisan.

Como lector, tengo que decir que Coia Valls me ha hecho sentir viajero con esta novela y, aunque este es su debut literario, es innegable su solvencia narrativa y sobre todo su capacidad para evocar mundos exóticos y, a la vez, hacer que el lector sea parte activa de la historia. Sin embargo, tengo que mencionar un par de aspectos que, para mí, fallan en La princesa de jade.

El primero es que veo a los personajes femeninos muy desaprovechados. La primera mujer que aparece (Najaah) queda demasiado en segundo plano durante toda la novela e incidencia real sólo tiene en un par de ocasiones muy concretas. Y la segunda, la que pone título a la obra, tiene una aparición muy corta y, sobre todo, da pie a situaciones demasiado inverosímiles. De hecho, toda la tercera parte de la novela (el desenlace) es más bien floja y no se corresponde con el buen ritmo del resto de la narración. Quizás la autora ha querido dejarse llevar por un final más comercial y exótico, y eso, los lectores que nos gusta creernos las historias, nos provoca cierta sensación de desencanto. En cualquier caso, La princesa de jade me ha hecho pasar un buen rato de lectura y estoy seguro de que Coia Valls nos dará grandes historias en el futuro.

'Una temporada en Venecia', Włodzimierz Odojewski

2011-01-23T00:08:00.000+01:00

Una temporada en Venecia
Włodzimierz Odojewski
Editorial Minúscula
1ª edición, mayo de 2009
Trad. de Katarzyna Olszewska Sonnenberg
Género: Novela
108 páginas
ISBN: 9788495587510

Esta breve novela del escritor polaco Włodzimierz Odojewski parte de una idea magnífica: Marek, un niño de nueve años, desea que su madre lo lleve a Venecia, la ciudad de sus sueños, para disfrutar de los canales y los palacios que tanto ha visto en imágenes. Pero ella decide que no es buen momento para emprender ese viaje, así que lo lleva con su tía a una casa de campo. Allí, lo que en principio es aburrido se convertirá en algo parecido a lo que Marek esperaba encontrar en Venecia. Corre el año 1939 y las primeras bombas de la Segunda Guerra Mundial empiezan a caer sobre Polonia.

La premisa, como decía, es brillante por esa evocación que aquí se hace de la fantasía con unos niños que, en tiempos de guerra, lo único que pretenden es pasarlo lo mejor posible. Sus familiares ven percisamente en esa fantasía una buena manera de distraer a los pequeños en un ejercicio muy parecido al que hizo Robert Benigni en La vida es bella (1997) tres años antes de que Odojewski escribiera esta novela (2000). Sin embargo, debo decir que aunque la idea es muy estimulante y a pesar de que en la novela hay alguna que otra imagen brutal, en líneas generales me ha resultado una lectura demasiado densa.

Aunque es una novela corta, algunos pasajes se alargan demasiado debido a algunos momentos en los que parece que el ritmo quede detenido a merced de las descripciones que el autor hace de determinadas situaciones, y que podrían haber sido solventadas con menos recreación. Entiendo que el autor buscaba una historia donde la imaginación se impusiese a la realidad, pero para acabar disfrutando la novela, hubiese requerido otro tipo de planteamiento y que Odojewski no hubiese confiado tanto en las imágenes que describe con tanto detalle, sobre todo teniendo en cuenta que esa idea de la imaginación por encima de la realidad ya nos resulta demasiado familiar.

'L'home que dormia al cotxe', Nil Barral

2011-01-20T00:33:00.001+01:00

L'home que dormia al cotxe
Nil Barral (pseudònim)
Editorial Amsterdam
1ª edició, gener de 2011
Gènere: Novel·la negra
137 pàgines
ISBN: 9788493687939

L'editorial Amsterdam acaba de publicar L'home que dormia al cotxe, novel·la negra signada per Nil Barral, pseudònim, suposadament i segons informa la pròpia editorial, d'un dels escriptors "més reconeguts del país". No sabem qui és ni tampoc si algun dia ens ho diran. De moment, sembla que s'han de seguir les estratègies de marketing que tan bons resultats han donat a altres pseudònims en el passat (Enrique Moriel, Joseph Gelinek o Andrés Vidal, per citar-ne uns quants).

La novel·la està protagonitzada per Nil Barral (que també dona nom a l'autor del llibre), empleat d'una empresa d'assegurances que té com a objectiu intentar que els clients no cobrin les pòlisses contractades. Quan un home apareix mort en el cotxe on estava vivint, Barral mirarà d'avariguar si ha estat la dona que ha assassinat el marit. Es tracta d'una novel·la curta (137 pàgines) amb una trama molt fluixa que, per l'estil, apunta més al gènere juvenil que al d'adults (exceptuant algunes frases que deixen de pedra, com "el va agitar [un plec de papers] en l'aire, com si fos l'himen de la seva filla". Uff, no?).

Tot i que L'home que dormia al cotxe es publica com a novel·la negra, la veritat és que aquest gènere exigeix molt més que el sol fet de què hi hagi un cadàver i una investigació molt superficial per part d'un detectiu, periodista o empleat d'una asseguradora. Em sorprendria molt que realment darrere d'aquesta obra s'amagués un dels "escriptors més reconeguts del nostre país" (tot i que la paraula "reconegut" és molt ambigua). Potser aquesta és una d'aquelles novel·les que molts autors tenen escrites i oblidades al calaix a l'espera de què un dia un editor amb do de vendes la recuperi sota una bona estratègia de marketing (en aquest cas, el misteri al voltant del pseudònim).

Em pregunto si Andreu Martín (recent Premi Pepe Carvalho i, per tant, persona de referència dintre del gènere) pensa de debò el que diu a la portada del llibre o bé està participant en el joc: "la novel·la negra més brillant i enginyosa que he llegit l'últim any" (?). Suposadament L'home que dormia al cotxe és la primera novel·la negra d'aquest "autor reconegut" i, també, és la primera entrega d'una sèrie protagonitzada per aquest personatge. D'això se'n diu confiança cega en un projecte.

'Cuina i terra de la Vall de Boí', Diversos autors

2011-01-15T09:44:00.002+01:00

Cuina i terra de la Vall de Boí / Cocina y paisaje de Vall de Boí
Text d'Albert Moyes Farrero
Il·lustracions d'Àlex Fraguas
Editorial Meteora
1ª edició, novembre de 2010
Gènere: Turisme / Gastronomia
144 pàgines
ISBN: 9788492874255 (cat.)
ISBN: 9788492874262 (cast.)

A qui no li agrada fer escapades de cap de setmana per la Catalunya interior i trobar-se amb festes locals o gaudir de la gastronomia de poble (aquella on fins i tot el pa amb tomàquet és diferent i més bo que a la ciutat)? L'editorial Meteora ens proposa una guia molt exhaustiva sobre la Vall de Boí (Alta Ribagorça), un punt de trobada pels amants de la bona cuina casolana i la natura en estat pur.

El llibre està estructurat en quatre capítols que es corresponen amb les estacions de l'any. Cadascuna d'elles fa un repàs a les seves particularitats: per exemple, a la primavera trobem el despertar de la natura i algunes tradicions com el carnestoltes o el viacrucis; a l'estiu ens proposen les romeries a muntanya, les festes majors, un bon passeig pel Parc Nacional d'Aigüestortes i l'Estany de Sant Maurici o fins i tot gaudir de les falles; per reflectir la tardor, els autors ens parlen de la cacera, l'estació d'esquí de Boí-Taüll o un repàs que farà les delícies dels boletaires; finalment a l'hivern tenim la matança del tocino o bé una estada per sentir el fred intens de la neu.

Cuina i terra de la Vall de Boí és una guia que repassa fins el més mínim detall i molt especial resulta les receptes gastronòmiques, també dividides per estacions: el bacallà agredolç, el braç de la Fabiola (dolç), la truita de riu farcida, el pollastre amb bolets, el fretxinat o canelons de ceps (què bo que ha d'estar aquest plat). Per cert, que Àlex Fraguas ha estat l'encarregat de fer unes encertadíssimes il·lustracions per fer més atractiu el receptari.

El llibre és un d'aquells volums que fa goig mirar i remirar i al qual podem recórrer per fer múltiples viatges a la Vall de Boí. Per completar la bona feina dels autors i editors de Meteora, la guia compta amb calendari de dates destacades, consells pel viatger, introduccions històriques i sobre el patrimoni de la zona i molt bones fotografies per mostrar-nos la riquesa de la Vall de Boí. Feu-li un cop d'ull i veureu que no us podeu estar d'agafar el cotxe i tirar cap allà. Bon viatge i bon profit doncs!

Mireu els primers capítols aquí

'Ahora los padres son ellos', una comedia sin gracia

2011-01-02T20:05:00.008+01:00

Estos días me he dejado llevar por el aburrimiento y he visto Ahora los padres son ellos, la tercera entrega de la serie de comedias protagonizadas por Ben Stiller y Robert de Niro y que empezó en 2000 con Los padres de ella. En líneas generales, la película es igual de floja que la anterior, Los padres de él: típica comedia sin gracia que uno ve porque no tiene nada mejor que hacer en ese momento.

Las situaciones son más o menos las mismas de siempre: el personaje que interpreta De Niro, el suegro obsesionado con controlarlo todo, sospecha que su yerno (Stiller) no es el mejor partido para su hija, así que empieza a investigarlo. Teóricamente, los malentendidos entre ambos hacen que haya escenas de humor, pero salvo una en concreto, no he encontrado nada que me haya hecho reír. El guión es soso, sin gracia, y la película es como exprimir una naranja ya exprimida.

Los personajes que interpretan Barbra Streisand y Dustin Hoffman (los padres de él) no tienen ningún tipo de gracia tampoco, ni en la anterior película ni en esta. De hecho, Hoffman no iba a salir en Ahora los padres son ellos porque no estaba de acuerdo con lo que cobraría, así que rodaron la película sin él. Finalmente, se decidió a firmar el contrato y al participar en el filme, por lo que para no cambiar todo el guión, hubo que mandar al personaje a tomar clases de flamenco a España, rodar unas pocas escenas más y volver a montarla la película. Por cierto, que en esta ocasión Harvey Keitel tiene un pequeño papel muy secundario (un cameo más bien) muy desaprovechado.

De cualquier modo, supongo que nadie va al cine a ver Ahora los padres son ellos esperando encontrar una gran película, pero personalmente hace tanto tiempo que no veo una comedia americana que me haga reir de verdad. El propio Stiller tuvo su momento dorado con Algo pasa con Mary y Los padres de ella, pero desde entonces, cada filme en el que participa es un poco peor que el anterior.

'La muerte del adversario', Hans Keilson

2010-12-30T00:52:00.002+01:00

La muerte del adversario
Hans Keilson
Editorial Minúscula
1ª edición, septiembre de 2010
Traducción de Carles Andreu
Género: Novela
301 páginas
ISBN: 9788495587688

Estos días he tenido la oportunidad de hablar con diferentes editores, autores, agentes y periodistas, y cuando les mencionaba el impacto que me había causado la lectura de La muerte del adversario, todos me contestaban lo mismo: "claro, es que es de editorial Minúscula...". Lo decían como si fuera una obviedad el hecho de que si un título aparece publicado en este sello, a la fuerza tiene que ser bueno. Pero mi respuesta imponía una matización: "este libro supera todo lo demás".

La muerte del adversario es una obra perfecta que funciona a máximo rendimiento en diferentes aspectos. Por un lado, es un artefacto que recrea, a través de un personaje confundido y un tanto marginado, el advenimiento del nazismo, aunque el lector no encontará ni una sola referencia a ello, ni tampoco al judaísmo o a Hitler. Sabemos que están allí, pero el narrador (en primera persona) no concreta de forma explícita lo que poco a poco se está gestando en Alemania. Vemos que hay un orador que empieza a ganar adeptos con sus ideas políticas; notamos a unos padres angustiados con lo que se avecina y, sobre todo, un joven que, a medida que se va haciendo adulto, va siendo engullido por la fuerza y el poder de su adversario.

Pero además, hay una profunda y certera reflexión sobre los límites de la ficción y la realidad y el momento en que la frontera entre ambas se diluye. ¿Hasta qué punto una persona que vivió el nazismo puede adaptar lo que presenció o sufrió para llevar a cabo un ejercicio literario? Y más aún: ¿es sólo un ejercicio literario? El lector encontrará en La muerte del adversario diversos instantes en los que detendrá la lectura para responder a unas cuántas incógnitas que el autor le plantea: ¿qué es el odio realmente?, ¿cuál es el gen que motiva tener un enemigo (sea individual o colectivo)?

La muerte del adversario no es una novela más sobre el nazismo: aquí no encontramos asesinatos, brutalidad ni campos de concentración, sino que se narra el intento de comprender lo que motiva determinadas actitudes inexplicables en el ser humano. Y Hans Keilson lo hace extraordinariamente bien sin perder en ningún momento el pulso narrativo. Esta es una novela que no se olvida fácilmente. Lo dije de Sukkwan Island, de David Vann (Alfabia/Empúries) y lo digo de esta: de entre lo bueno del año, La muerte del adversario está entre lo mejor.

'Sukkwan Island', David Vann

2010-12-28T09:07:00.002+01:00

Sukkwan Island
David Vann
Ediciones Alfabia / Empúries
1ª edición, 2010
Traducción al castellano: David Gascón
Traducción al catalán: Francesc Rovira
Género: Novela
210 páginas
ISBN: 9788493794323 (cast.)
ISBN: 9788497876742 (cat.)

A estas alturas, hablar de esta novela sirve solamente para constatar lo que por unanimidad opina la crítica, lectores y libreros: que es una de las revelaciones más importantes de este 2010 que ya se acaba. No obstante, les voy a dar un consejo antes de adentrarse en esta novela: no lean ninguna de las reseñas ni entrevistas al autor, no se dejen llevar por la tentación de querer estar informados sobre la novela que van a leer. Es mejor que lleguen sin ningún tipo de dato previo, porque el impacto será mucho mayor. De hecho, si quieren confiar en mí, dejen de leer esta reseña y compren el libro, aunque prometo no desverlarles nada si continúan leyendo lo que sigue.

El argumento de Sukkwan Island, lo diré de forma muy somera, gira en torno a un padre y un hijo que tras mucho tiempo separados, se marchan a pasar un año a una remota isla de Alaska, donde no hay más habitantes que ellos dos. Lo que el padre ha planeado como una temporada perfecta de acercamiento a su hijo empieza a torcerse cuando el adolescente descubre que su padre muestra una actitud inesperaba y desconcertante. La frustración del padre y la angustia del hijo harán que esa experiencia resulte demasiado asfixiante para los dos.

Sukkwan Island es una novela escrita durante mucho tiempo, como parte de un proceso de superación personal del escritor. Lo que aquí se narra es la representación ficticia de la angustia que David Vann sintió durante años por unos hechos que vivió de joven (y que es mejor que lo descubran por su cuenta una vez hayan leído la novela). No voy a darles más datos del libro, ya que les aseguro que, una vez lo hayan leído, sentirán el deseo de conocer al autor y, cuando busquen por la red, decubrirán lo que Sukkwan Island ha supuesto para David Vann (entonces quedarán más arrebatados, si cabe, por esta historia).

Se trata de una novela brillante, brutal, adictiva y, probablemente, el tiempo dirá que imprescindible. Si tengo que destacar los tres o cuatro joyas del 2010, Sukkwan Island sería por derecho una de las que no levantaría ninguna duda. Y, por cierto, sospecho que no ha tenido que ser nada fácil traducir esta novela, porque salta a la vista que requiere una precisión milimétrica (Francesc Rovira en catalán y Daniel Gascón en castellano han sido los traductores que se han encargado de esta prueba de fuego).

Xavier Theros recupera la Barcelona de la Sisena Flota

2010-12-27T14:24:00.000+01:00

El llibre aprofundeix en la relació entre els barcelonins i els marines americans que van arribar als anys 50

Manel Haro. Barcelona (Text i foto)

Aquest local que veieu en imatge és el Kentucky, situat al número 11 del carrer Arc del Teatre, un dels pocs escenaris on encara queden marques dels marines americans de la Sisena Flota que entre 1951 i 1987 van establir el seu punt neuràlgic d’oci a Barcelona. L’autor Xavier Theros acaba de veure publicat el seu llibre La Sisena Flota a Barcelona. Quan els nord-americans envaïen la Rambla, que ha estat guardonat amb el Premi Huertas Claveria que convoquen l’editorial La Campana i La Lamentable Penya.

Un dels membres del jurat, l’exigent Juan Marsé, va destacar a la presentació d’aquest llibre que “des del punt de vista informatiu, es un treball aclaparador, perquè no solament parla dels americans, sinó que fa un retrat molt exhaustiu de la vida del Barri Xino d’aquells anys on s’inclouen els locals de l’època i tota la seva vida nocturna”. La tasca d’investigació de Theros ha donat com a resultat un volum on es poden trobar fins i tot la correspondència entre els marines i les noies barcelonines que es quedaven a la ciutat sense els seus amants.

“Aquells eren els anys del Zippo, l’encenedor que, per molt que ho intentessis, mai s’apagava”, va comentar l’autor del llibre, que va voler afegir altres detalls curiosos com l’existència de l’establiment Fotos Ramblas, que es va especialitzar en fer retrats de casaments entre els marines i les noies del Barri Xino amb la llegenda que diu que els vestits d’ells eren més blancs que els d’elles. O també que la Sisena Flota preferia Barcelona davant de Marsella o Nàpols per dues raons: una, perquè tots els locals del Barri Xino i del carrer Escudellers estaven a prop del port; i l’altra, perquè Barcelona era l’única ciutat on, si es passaven de la ratlla, ningú els hi clavava cap bufetada. A partir del 1951 va ser, precisament, l’entrada de moltes novetats que no existien, ha volgut afegir José Martí Gómez, periodista i membre de La Lamentable Penya, com els xiclets, els self services, la consolidació de la Coca Cola i els texans, entre altres.

El llibre és un relat d’una època clau de Barcelona i de Catalunya, d’aquells anys que es veien els marines baixant per les Rambles, prenent copes al Kentucky, el Texas o el Tequila, o passant l’estona al Billares Novedades. Per completar la bona feina, el volum conté 66 fotografies de Joan Colom, Nat Farbman, Pérez de Rozas, Marcel·lí Sàenz i Català-Roca entre altres.

'Yo no vengo a decir un discurso', Gabriel García Márquez

2010-12-23T07:37:00.000+01:00

Yo no vengo a decir un discurso
Gabriel García Márquez
Editorial Mondadori
1ª edición, octubre de 2010
Género: Discursos / No ficción
154 páginas
ISBN: 9788439723530

Aunque el título de este libro sugiera que lo que Gabriel García Márquez pretende no es dar un discurso, lo cierto es que lo que encontramos aquí es un compendio de veintidós discursos que el gigante de la literatura hispanoamericana ha ido dando a lo largo de su vida. Entre los textos seleccionados, encontramos el que pronunció en 1982 cuando le entregaron el Premio Nobel; uno de 1944, cuando todavía era un estudiante de 17 años y ya apuntaba maneras; una reflexión de 1970, en Caracas, sobre cómo empezó a escribir y hasta un toque de atención para salvar el planeta ante los abusos que se hacen de los recursos naturales.

Lo que encontramos en Yo no vengo a decir un discurso no son simples ponencias plasmadas en el papel, sino que éstas conforman un interesante complemento para adentrarnos en el imaginario de Gabriel García Márquez. Dicho de otro modo, detrás de estos textos hay unas buenas (y ligeras) memorias que nos permiten conocer cómo piensa Gabo y qué motiva su escritura. Especialmente acertados son el discurso en el que diagnostica el estado de la profesión periodística (Periodismo: El mejor oficio del mundo, de 1996) y el maravilloso discurso-relato Cómo empecé a escribir (1970), que demuestran precisamente la capacidad del autor colombiano para moverse entre la realidad y la fantasía.

Lean algunas de las pinceladas que componen este cuadro. En El cataclismo de Damocles (1986), reflexiona cómo es posible que la Tierra haya necesitado "trescientos ochenta millones de años para fabricar una rosa sin otro compromiso que el de ser hermosa, y cuatro eras geológicas para que los seres humanos -a diferencia del bisabuelo Pitecántropo- fueran capaces de cantar mejor que los pájaros y de morirse de amor" y, en cambio ahora, en la edad de la ciencia, podamos destruirlo todo pulsando un botón. Este discurso no tiene desperdicio, como tampoco lo tiene La soledad de América Latina (1982):

"Poetas y mendigos, guerreros y malandrines, todas las criaturas de aquella realidad desaforada hemos tenido que pedirle muy poco a la imaginación, porque el desafío mayor para nosotros ha sido la insuficiencia de los recursos convencionales para hacer creíble nuestra vida. Éste es, amigos, el nudo de nuestra soledad"

Estos textos están llenos de tan buenas reflexiones, que vale la pena acercarse a este libro, sobre todo si se es lector fiel de García Márquez. Tanto si han leído sus memorias, Vivir para contarla (Mondadori), como si han preferido quedarse en el plano de la ficción (esas joyas que son Cien años de soledad, Crónica de una muerte anunciada o El amor en los tiempos del cólera), este libro es un buen complemento para tener en nuestra biblioteca, al lado de sus grandes títulos.

'La inundación', Yevgueni Zamiatin

2010-12-14T14:48:00.002+01:00

La inundación
Yevgueni Zamiatin
Ediciones Alfabia
1ª edición, mayo de 2010
Traducción de Marta Rebón
Género: Relato largo
85 páginas
ISBN: 9788493794309

Rusia ha dado tantos escritores brillantes a lo largo de los siglos XIX y XX, que parece que los Gógol, Gorki, Pasternak, Tolstoi, Dostoievski y Chéjov, entre otros, han eclipsado la obra de excelentes narradores del siglo pasado, que aparecen de forma más velada cuando se habla de literatura rusa. Eso y el estalinismo, que bloqueó la carrera de unos cuantos autores. Zamiatin prefirió abandonar su país ante el panorama que se avecinaba (murió en París, en 1937, con 53 años). Precisamente, lo último que publicó antes de marcharse fue esta breve novela, más bien relato largo, titulada La inundación.

Cargada de un fuerte simbolismo, La inundación se centra en la lucha interior de una mujer, Sofía, que vive en San Petersburgo con un marido autoritario al que teme perder si no se queda embarazada pronto. Los problemas de concepción parece que quedan borrados cuando el matrimonio decide cuidar a Ganka, la joven hija de un vecino que acaba de fallecer. Pero lo que para Sofía era un motivo de tranquilidad se convierte rápidamente en un drama cuando su marido, Trofim Ivánich, siente un incontrolable deseo por Ganka que nada tiene que ver con vínculos paterno-filiales.

El título (La inundación) hace referencia al desbordamiento del río Nevá, que tiene lugar en la novela y que causa varias muertes, pero sobre todo se refiere a la angustia contenida de Sofía que amenaza con desbordarse en cualquier momento. El retrato social que el autor hace de este matrimonio es, también, como un río que fluye y que va empapando a cada uno de los personajes que aparecen en la novela: cada uno de ellos agrava el drama de Sofía, aunque la mayoría lo hace sin darse cuenta. La novela se lee en un suspiro, pero, a pesar de su brevedad, La inundación contiene todos los ingredientes para merecer también su lugar entre los títulos clave de la literatura rusa del siglo XX.

Si todavía no han leído a Zamiatin, les recomiendo La inundación y, si les apetece, la excelente novela antiutópica Nosotros (Akal, 2008), que escribió en 1921, mucho antes de que Aldous Huxley escribiera Un mundo feliz (1932) y George Orwell 1984 (1948). Según parece, ambos autores le deben mucho a Zamiatin.

Isabel-Clara Simó novel·la les relacions entre mares i filles al llarg del segle XX

2010-12-02T14:21:00.001+01:00

"He volgut trencar tòpics sobre l'univers femení i el judaisme"

Quatre històries entre mares i filles són el fil conductor de la nova novel·la d'Isabel-Clara Simó, Amor meva (Edicions 62), guanyadora del Premi Joanot Martorell 2010. Rut, Regina, Pat i Dèbora conformen una nissaga familiar de dones amb arrels jueves que, per circumstàncies diferents que viuen, han de lluitar per sortir endavant soles o bé defensar aferrissadament la seva identitat, sigui cultural o sexual.

"El fet que les dones siguin d'arrels jueves és perquè necessitava mostrar certa marginalitat contra la que havien de plantar cara, como és el cas de la Rut, que des de ben petita ha d'amagar el seu origen per tal de trobar una feina i sortir-se'n una vegada s'ha quedat orfe", ha explicat avui Simó. El títol Amor meva, que en principi havia de ser La meva mare i jo, fa referència no només a aquest univers femení sinó també a alguna relació lèsbica que hi ha a la novel·la i que és motiu de lluita en una d'aquestes dones per aconseguir el seu alliberament sexual. "Sempre m'han interessat les escenes de sexe explícit i directe a les meves novel·les, però en aquesta ocasió he volgut atenuar-les una mica per tal que no se'm mengés la resta d'històries", ha matisat l'autora.

Amor meva és també un retrat social del segle XX, a través de cadascuna d'aquestes quatre vivències femenines que es passegen per Barcelona, París o Londres, tot i que Simó ha volgut recalcar que en cap cas es tracta d'una novel·la de caràcter històric, sinó que el marc social es veu a través dels ulls i dels sentiments dels personatges. Amb aquesta novel·la, l'autora d'Alcoi ha volgut trencar tòpics sobre les relacions entre mares i filles, tractant aquesta qüestió des de diferents punts de vista, i també sobre el judaisme, ja que "al llibre hi ha una crítica a l'administració israeliana per la seva agressivitat contra el poble palestí".

Després del seu breu pas per la política com a candidata a ocupar un escó al Parlament de Catalunya per Solidaritat Catalana per la Independència, Simó assegura que seguirà interessada en el que facin els seus companys de partit, encara que prefereix està dedicada a la seva "obsessió de tota la vida", la literatura.

La portada de la novel·la

'Luciérnagas', Ana María Matute

2010-12-01T00:06:00.002+01:00

Luciérnagas
Ana María Matute
Editorial BackList
1ª edición, noviembre de 2010
Género: Novela
288 páginas
ISBN: 9788408094357

No porque Ana María Matute haya ganado el premio Cervantes voy a decir lo que sigue, aunque probablemente haya quien me tache de exagerado: Luciérnagas es, para mí, una de las mejores novelas sobre la Guerra Civil que se han publicado en España hasta la fecha (y eso que ha llovido mucho). Aparecida originalmente en 1955, ahora la editorial BackList la recupera para el bien de los lectores y de la literatura española (ya que andaba descatalogada desde 1993).

Luciérnagas se centra en uno de los temas preferidos de Matute: la pérdida de la inocencia y la irrupción de los adolescentes en un mundo de adultos amenazado por circunstancias extremas, como es el caso de la Guerra Civil. En esta ocasión, los protagonistas son dos hermanos jóvenes, Sol y Eduardo, que justo al acabar la escuela, ven cómo su mundo de comodidades se viene abajo. La novela, que se desarrolla en Barcelona, es absolutamente coherente con la cronología de sucesos que tuvieron lugar entre 1936 y 1939 (y queda alejada de cualquier adoctrinamiento), ya que relata cómo una familia de clase media-alta sufre el salvajismo, primero de unos y luego de otros.

Luciérnagas, título que hace referencia a pequeños seres vivos que parece que vagan desorientados, gira sobre todo en torno a Sol, una muchacha tímida, sin demasiadas amistades, que de repente tiene que comportarse como una mujer fuerte. Esta Sol nos recuerda, inevitablemente (y como apunta Esther Tusquets en el prólogo), a la propia Ana María Matute: a la autora, la guerra la llevó, con once años, a enfrentarse a una realidad que desconocía: pasó de los juegos de niños a saber que el hombre podía asesinar. "La simulación de la vida confortable -que decía ella en una entrevista-, la de los reyes magos, cambió, la vida era otra cosa". Esa transición no se nos presenta en la novela de una forma claramente explícita, sino más bien alusiva.

A medida que vamos avanzando en la lectura, el dolor y la derrota están más presentes en la novela, aunque eso no quiere decir que la autora vaya a lo fácil, sino que es gracias a una prosa desbordante, que el lector se deja llevar al mundo complejo de cada uno de estos personajes. Ana María Matute no se limita a la descripción de escenas, sino que las construye gracias también al simbolismo que dota a cada una de las situaciones que leemos. No ha sido el Cervantes lo que me ha hecho reencontrarme con la mejor Matute, sino estas Luciérnagas, que vuelven a la palestra para recordarnos el valor que siempre ha tenido la literatura. Impresionante.